Sharon Jones & the Dap Kings - Reviviendo el soul

Estamos ante uno de los grupos soul-funk con más energía y vitalidad de los últimos tiempos. Y no solo por la increíble fuerza de su cantante, Sharon Jones, sino también por la magnífica banda que la acompaña, los Dap Kings.

Juntos nos deleitan con temas que nos remontan a mediados de los años sesenta y los setenta, manteniendo la estética e intensidad de ese soul que tanto se añora. Además su sonido es impecable, tanto por el alto nivel de interpretación como por la calidad de sonido (graban con equipos analógicos, pudiendo así mantener y emular la calidez de las grabaciones clásicas de soul).

El grupo está en la discográfica Daptone Records, co-fundada por el bajista y líder del grupo, productor y compositor de la mayor parte de los temas: Gabriel Roth, más conocido como Bosco Mann (quien, por cierto, aparece siempre con gafas de sol debido a un accidente de tráfico que le dañó los ojos).
Junto a él, la banda la completan dos guitarristas, dos saxofonistas, un trompetista, un batería y un percusionista, y entre todos no dejan que el groove deje de fluir (lo cual pude comprobar con gran admiración y placer en el Festival de Jazz de San Sebastián de este año...).

Y junto a esta perfecta ejecución instrumental, la enérgica voz de Sharon Jones, quien a sus 56 años resplandece e impresiona en el escenario. ¡Era como ver al mismísimo James Brown, pero con un vestido plateado de flecos a lo Tina Turner...!

Sus cinco discos son de gran calidad, manteniendo un sonido que nos traslada atrás en el tiempo (incluso algunas de sus portadas captan perfectamente la estética de la década de los sesenta, fruto de la nostalgia y añoranza de los vinilos de esa época).
Su primer disco muestra un sonido más funk, "Dap Dippin' with Sharon Jones and the Dap Kings" (2002), y tres años después presentaron "Naturally", donde comienza a tener más presencia el soul. Sus siguientes discos fueron "100 Days, 100 Nights" (2007) y "I Learned the Hard Way" (2010), un disco cuya música suena aún más expresiva, profunda y podríamos decir, emocional, con un sonido menos funk, en el cual Sharon muestra una fuerza aún mayor, fruto de su evolución y de una identidad más definida. Su último disco hasta la fecha es "Soul time!" (2011), compilación de rarezas y caras B.

Temas imperdibles son This Land is Your Land, Got a Thing on my Mind, Genuine, 100 Days 100 Nights, If You Call, Better Things to Do, Give me a Chance, Something's Changed... entre tantos otros.

Varios miembros de los Dap Kings fueron además los músicos de estudio del "Back to Black" de Amy Whinehouse, y algunos de ellos (entre ellos Bosco Mann) están de forma paralela en el grupo Menahan Street Band (muy recomendables), que mantienen parte de la esencia de los Dap Kings.

Todos sus discos y temas dan buena muestra de la gran calidad de la banda, la elegancia y nivel interpretativo, y también la enorme fuerza y personalidad de su cantante, una auténtica diva del soul cuya voz encaja a la perfección con las composiciones del señor Bosco Mann.

Sharon Jones se dio a conocer hace una década, ya que antes no tuvo la oportunidad de grabar como solista. Durante su vida cantó en coros gospel, acompañó a algunos artistas y trabajó durante años como funcionaria de prisiones (no sé por qué no me sorprende demasiado... escúchala y admírala en directo y probablemente entenderás por qué).

Uno de los vídeos que os enlazo, aunque no es el mejor tema (al menos melódicamente, porque rítmicamente es un cañón), es una magnífica muestra de la energía que desbordan Sharon Jones y los Dap Kings. ¿No es fantástico escuchar este sonido a día de hoy? Si no supiésemos nada del grupo y los escuchásemos por primera vez, podríamos pensar que es una grabación de hace décadas, tan 'James Brown'.

Este tema es Soul Train (como el programa de televisión americano que estuvo décadas en activo, presentando artistas de soul, R&B y funk entre otros estilos), donde nos invitan a coger ese Tren del Soul, viajando junto a ellos parada tras parada (con baile del pollo incluído).

No aparece en ninguno de sus discos, y sinceramente, no consigo averiguar si es composición propia del grupo o es una versión (al final de este tema podemos escuchar parte de When I come home, tema del grupo). Si alguien lo sabe, su comentario será enormemente agradecido.
El otro video contiene su tema Genuine, energía contenida con una fabulosa línea de bajo.

¡¡Miss Sharon Jones and the Dap Kings!!

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"Pastime/Gangsta's Paradise" - Stevie Wonder vs Coolio

Ya que la entrada anterior es referida a Stevie Wonder, aprovecharé para incluir uno de sus temas en el recopilatorio de versiones de este blog. Podría poner muchos ejemplos de temas suyos versionados, hay montones de músicos que han escogido canciones suyas, pero os dejo con esta no porque la versión sea especialmente buena, sino porque habrá quienes desconozcan el tema original y solo hayan escuchado el más moderno. 

Si hablamos de Coolio, seguramente nos venga a la cabeza Gangsta's Paradise (1995), que fue el tema principal de la película "Mentes peligrosas". Con él consiguió un grandísimo éxito en su momento, vendiendo millones de copias de este single. Este tema está basado en Pastime Paradise (1976) de Stevie Wonder, que como curiosidad, fue uno de los primeros temas en utilizar un sintetizador para imitar a una sección de cuerdas.

La base rítmico-armónica y las melodías son prácticamente las mismas en ambos, aunque la letra es diferente. El original trata sobre la nostalgia del pasado y la búsqueda de un nuevo futuro, y la versión de Coolio, que incluye partes rapeadas (colaboró el rapero L.V.) habla sobre la dureza de la vida en las calles y la violencia.

Esta versión de Coolio tiene, a su vez, una versión-parodia hecha por el incansable Weird Al Yankovic, llamada Amish Paradise, por la que tuvo un pequeño enfrentamiento con el rapero por derechos y autorizaciones.

Tú, ¿con cuál te quedas?

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Stevie Wonder - El chico de los hits

¿Quién no conoce a Stevie Wonder? Un talentoso músico, de sonrisa permanente, que cuenta con una impresionante carrera a sus espaldas (y que aún sigue en activo), convirtiéndose en referencia para muchos.

Con 5 años ya tocaba la armónica y el piano. El fundador de la Motown lo fichó a principios de los sesenta cuando tenía tan solo 11 años, un chaval con el ritmo fluyendo por las venas y una fabulosa voz. Fue rebautizado artísticamente como Little Stevie Wonder (maravilloso, sí), y poco después pasó a llamarse simplemente Stevie Wonder.

Con un sonido que fusiona estilos diversos, como soul, funk o R&B, comenzó interpretando canciones de otros autores hasta que en los setenta empezó a grabar composiciones propias. También comenzó en esa época a tocar prácticamente todos los instrumentos que aparecían en sus discos: voz, piano y teclado, sintetizadores (bastante inusuales en la época), armónica o batería, encargándose también de la composición, arreglos y la producción musical. Comenzaba una nueva etapa para Stevie Wonder, donde no paraba de crecer en un constante flujo creativo.

Tiene más de 20 discos a sus espaldas, la gran mayoría grabados en los sesenta y los setenta, cuando aún no había cumplido los 30 años de edad. Coleccionista de premios, entre ellos nada más y nada menos que 25 Grammys, de los cuales 14 los ganó en un período de sólo 4 años (dejemos al margen lo que pueda representar un premio Grammy; cuántos artistas de primera ni siquiera han optado a ello... pero no hay que dejar de reconocerlo, en este caso sí hablamos de un músico con mayúsculas).

Una clara muestra de su talento son discos como "For once in my life" (1968, con el que, podríamos decir, da comienzo esa segunda etapa musical más personal y con más identidad), "Music of my mind" (1972), "Innervisions" (1973) o "Fulfillingness' first finale" (algo así como "Primer final de la plenitud", de 1974).
Y el doble-triple disco (dos LP con un EP) "Songs in the key of life" de 1976, muy esperado por el público y sobre todo por su discográfica, la Motown, que había firmado con él un contrato de 13 millones de dólares (la mayor cantidad pagada hasta el momento). La espera valió la pena, ya que es uno de los discos con más éxito de los setenta).

Numerosos temazos, entre los que cabe destacar Superstition, Higher Ground, Master Blaster (Jammin'), Living for the City, I Wish, Signed Sealed Delivered I'm Yours, Isn't She Lovely, For Once in My Life, Pastime Paradise, You Are the Sunshine of My Life, Uptight, You've Got it Bad Girl, I Just Called to Say I Love You o I Was Made to Love Her, entre muchos otros.

Os dejo con el exitazo Superstition, en un genial vídeo del mítico programa Soul Train, donde podemos ver el poder de su música para mover al público (¡eso sí que es bailar!) y con Master blaster (Jammin'), jugando con el reggae como homenaje a Marley.

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Hiromi Uehara - Energía desbordante

Bajo una apariencia delicada y frágil, nos encontramos con un torbellino: Hiromi es pura energía, potente y al mismo tiempo sensible y emotiva. Esta formidable pianista japonesa despliega una brillante técnica sin dejar de lado la expresividad en sus composiciones e improvisaciones (ni su sonrisa durante sus interpretaciones).

Sus temas abarcan distintos estilos, hay de todos los colores, lejos de clichés y música predecible: acelerados y rítmicos con aires de ragtime o stravinskianos, lentas baladas jazzeras, tintes más clásicos, sonoridades de videojuego manga, otras con toques de rock progresivo casi inclasificables...

Desde muy joven ha tocado música 'clásica' y jazz, estudiando con Óscar Peterson y Ahmad Jamal, y con solo 17 años ya tocaba con Chick Corea.

Hasta la fecha tiene publicados 7 discos: cuatro como Hiromi, dos como Hiromi Sonic's boom (¡y tanta explosión sónica...!) y uno con su nueva formación, The Trio Project. Una carrera muy prometedora a la que, esperemos, aún le quede un largo recorrido.

He escogido Edge, del disco "Spiral" (2006), que nada más escucharla me atrapó con su inquietante ritmo y cambios de acentuación constante, ¡exquisito! En este enlace podréis verla en una actuación en directo. También os dejo con Reverse, del mismo disco y con la misma esencia. E igualmente espectacular.

Abróchense los cinturones...

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"Natural blues/Trouble so hard" - Moby vs Vera Hall

 

Probablemente, si Moby no hubiera tomado como base de su Natural blues la canción popular de los años treinta Trouble so hard, prácticamente nadie reconocería esta melodía, exceptuando algunos estudiosos.

Vera Hall nació a principios de siglo y murió en 1964, pero han quedado para la posteridad numerosas grabaciones suyas. No era una cantante profesional, sino que colaboró con numerosos etnomusicólogos cantando multitud de canciones de estilos muy diversos: de juego, de trabajo, blues, religiosas...

La verdad es que cuando escuché el tema original de Hall por primera vez me quedé paralizada. ¡Esa melodía que había escuchado tantas veces de la mano de Moby tenía su raíz muchos años atrás y en un contexto totalmente diferente! Y a pesar de estar grabada a capella, sin acompañamiento, suena igual de hermosa.

La armonización que hizo Moby funciona muy bien con la melodía, y la verdad es que con el pulso estupendo de Vera Hall apenas habrá tenido que tocarla, se mantiene constante en su interpretación.

Aquí os dejo con las dos versiones: la de Moby (buena, aunque con una estructura altamente previsible como en todas sus canciones) y la de Vera Hall.

Y tú, ¿conocías el origen de este tema?

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The Cinematic Orchestra - Nu-jazz de cine

El sonido de Cinematic Orchestra es una mezcla interesantísima de estilos diversos: jazz, trip-hop, algo de electrónica, un punto de drum&bass e incluso chillout... Todo en su punto para conseguir sonoridades cálidas e íntimas dentro de una, podríamos decir, intensidad contenida.

Con Jason Swinscoe al frente, crean una atmósfera donde todo fluye, a menudo empleando bucles rítmicos o melódicos que de pronto se rompen, cambiando el tempo, la rítmica, la melodía... Dentro de una sonoridad idílica, rasgan nuestras entrañas de manera muy sutil y, sí, elegante...

DJ, saxo, teclado, trompeta, bajo, batería, percusiones...

De sus cuatro discos hasta el momento, es a mi parecer "Everyday" (2002) el que tiene un sonido más elaborado y definido, expresión y fuerza, tiene alma. Sus temas están llenos de profundidad, con desarrollos muy progresivos y al mismo tiempo rompedores, y con unas melodías de aparente sencillez. Un disco muy recomendable.

Desde el primer tema del disco, el sensual y aplastante All that you give (con la colaboración de Fontella Bass), pasando por el retrospectivo Man with the movie camera hasta acabar con la penetrante Everyday, donde el contrabajo lleva la voz cantante.

The Cinematic Orchestra compusieron música para acompañar una película/documental soviética de 1929 traducida en España como "El hombre con la cámara", y la interpretaron en directo en 2001 con la proyección de la película. Publicaron el disco con la música, "Man with a movie camera", y posteriormente modificaron algunos elementos, incluyendo algunas de estas nuevas versiones en "Everyday".

All that you give y Man with a movie camera.
Relájense y disfruten.

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The Whitest Boy Alive - Intimismo para días tranquilos

The Whitest boy alive es un cuarteto berlinés liderado por el cantante Erlend Oye (también líder de Kings of convenience, más popis-blandos-empalagosos). Aunque al principio comenzaron como un proyecto de música electrónica, acabaron haciendo todo lo contrario: música acústica con guitarra, batería, piano rhodes, bajo y voz. Crean un ambiente ensoñador que conmueve y remueve durante su escucha.

Su disco "Dreams" (2006) es una gran muestra de cómo hacer temas de carácter bailable pero que resultan intimistas y delicados al mismo tiempo. Ritmos sencillos y líneas simples sostenidos por un discreto aunque profundo bajo, y una voz que desprende cierta nostalgia e inocencia en su timbre.
Un carácter evocador que se aleja totalmente de complicaciones virtuosísticas para mostrar la belleza de la sencillez y cómo ésta puede movernos con gran ímpetu.

Temas como Burning, Golden cage, Figures, Fireworks, Inflation... Bocanadas de aire fresco que hacen honor al título del disco, "sueños".

Su segundo disco y último hasta el momento, "Rules" (2009) no me ha atrapado tanto, y aunque mantiene gran parte de esa delicadeza bailable, sus temas no tienen tanta fuerza como los anteriores ni el conjunto de éstos es tan equilibrado.

Os dejo como muestra el vídeo original (e inquietante) de Golden cage y el de Fireworks.
¡Que viva el 'trasteo' guitarrero!

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El plagio a King Crimson

Aún estoy en estado de shock.

La televisión de fondo y, de pronto, escucho Larks' tongues in aspic, magnífico tema de King Crimson, pero con un sonido muy diferente al original. Levanto la vista y me encuentro con una escena de una violación, mientras continúa sonando un calco de este tema. Es la película francesa "Emmanuelle",  de 1974.

He buscado información sobre este asunto y parece que los autores de la banda sonora de la película, Pierre Bachelet y Hervé Roy, se acreditaron la autoría del mismo, por lo que Robert Fripp, compositor del tema para King Crimson, los denunció y ganó el juicio.

Según dijo el propio Fripp en una entrevista de aquellos años:

                 “Dos personas me hablaron del parecido. Una fue el bajista de King Crimson, John Wetton, y el otro fue Richard Williams. Así que me fui a un cine a Leicester Square en Londres y lo grabé. La película me pareció bastante aburrida, pero me di cuenta que cada vez que había una escena de sexo allí aparecía “Larks’ Tongues in Aspic, Part Two”. [...] Así que demandamos a sus autores. Parece ser que los compositores habían estado trabajando en la banda sonora durante seis meses, y una semana después de que King Crimson apareciésemos en la televisión francesa tocando “Larks’ Tongues in Aspic, Part Two” ¡compusieron toda la música! Todavía me llegan cantidades obscenas de dinero de las reposiciones de la película en todo el mundo”.

Mi pregunta es... ¿acaso pensaban que no se enterarían? ¿Tanto costaba pedir permiso a Fripp y comunicarle que iban a hacer una versión?

Esto me recuerda al caso de "2001: Una odisea en el espacio" de Stanley Kubrick, donde el director utilizó sin permiso varias obras de György Ligeti. Éste interpuso una demanda por 1 dólar, dejando claro que no era por cuestión de dinero, sino por no pedirle permiso para usarlas en su película. Dicho sea de paso, gracias a la fama que alcanzó la película, Ligeti se hizo mucho más conocido, y además años después Kubrick volvió a emplear música suya (eso sí, con permiso del compositor).

Os dejo con las dos versiones de Lark's tongues in aspic Part 2.  No encuentro el audio del disco de King Crimson, así que os dejo con un directo de 1973, y con uno de los temas de la película donde aparece el plagio, Rape Sequence.

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Joe Tex - El enemigo de Brown

No podía dejar de lado a Joe Tex, autor e intérprete de dos de las canciones más sensuales, emotivas y palpitantes que se han escrito nunca: The love you save (may be your own) y I'm a man.

Tex empezó con la música a principio de los cincuenta, pero con un estilo diferente al soul que le caracteriza, más cercano al rock&roll o al r&b. Ya en los sesenta, con la llegada del soul al panorama musical, Tex demostró su talento y musicalidad.

Tras un período de retirada, regresó en los setenta, y aunque algunos de sus nuevos temas fueron relevantes y tuvieron éxito, sus mejores canciones son, a mi parecer, los que hizo una década antes.

Como muchos otros, siempre ha estado en un segundo plano a pesar de dejarnos un gran número de temas de gran calidad: Papa was too, I want to do everything for you, Show me, You got what it takes, One monkey don't stop no show, A sweet woman like you, I gotcha...

Versátil, Tex cuenta con temas movidos, muy rítmicos, vibrantes y bailables, pero también con otros más lentos y sensuales, baladas con mayúsculas. En todo momento destaca su particular voz, rasgada pero melodiosa, junto con esos 'sermones' que soltaba en ciertos momentos instrumentales, que inevitablemente nos recordarán a otro grande del soul, James Brown, aunque en este caso no es muy apropiado compararlos...

¿Por qué? Porque ambos fueron grandes enemigos. Parece que todo empezó porque se culpaban mutuamente de que el otro había copiado sus movimientos en el escenario. Para empeorar las cosas, Brown se fue con la novia de Tex, y durante mucho tiempo se criticaban y burlaban públicamente el uno del otro. De hecho, la situación llegó hasta tal punto que, tras una burla que hizo Tex en un concierto, poco después Brown le disparó en un club. No le hirió, pero sí a varias personas que se encontraban allí.

Escuchamos la deliciosa I'm a man, donde nos cuenta que si fuera una guitarra le gustaría ser tocado por BB.King, y que si fuera una canción le gustaría ser de los Rolling Stones. Y ahí también deja su dedicatoria a Brown: algo así como "si yo fuera una pista de baile, James Brown podría aplastar patatas sobre mí toda la noche".

Espero que tengáis a alguien al lado para bailar bien agarrados... es la canción perfecta para acabar entre besos y sábanas.
Y si os entra la fiebre de baile, aquí tenéis Show me.

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"Babe I'm gonna leave you" - Led Zeppelin vs Joan Baez

Aquí tenemos un grandísimo tema que provoca un torbellino de sensaciones al escucharla: Babe I'm gonna leave you, de Led Zeppelin, quienes la publicaron en 1969 basándose en la versión de Joan Baez de 1962.

A pesar de figurar como canción popular en los discos de ambos músicos, es una composición de los años cincuenta de Anne Bredon, quien años después consiguió los derechos de autor. La canción original no estaba registrada en ningún disco, sino que la interpretó por la radio en los años 60, y posteriormente fue reinterpretada en directo por otra cantante folk, Janet Smith. Fue esta versión la que llegó a oídos de Baez.

La versión de Baez, para voz y guitarra, es melancólica y profunda, pero con un desarrollo demasiado básico y repetitivo y, a mi parecer, con un timbre que acaba saturando demasiado.
Led Zeppelin hacen un arreglo más elaborado y auténtico con más contrastes, creando un tema nuevo con identidad propia de más de 6 minutos de duración (en su línea...). En esta re-composición pasan de la calma al frenesí, con la característica fuerza instrumental del grupo, la gran expresividad de la voz de Robert Plant y las líneas evocadoras de la guitarra de Jimmy Page.

Os dejo ambas versiones (no consigo encontrar la grabación del original de Bredon).

 

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Tokyo Ska Paradise Orchestra - Ska nipón

Si te gusta el ska enérgico y vibrante no puedes perderte a los Tokyo Ska Paradise Orchestra. Mantienen un sonido tradicional pero a la vez sorprenden por su originalidad, siempre acompañando cada tema de diversión y buen rollo. Llevan desde finales de los años 80 deleitando con su saber hacer, convirtiéndose así en uno de los grupos de referencia del ska actual, tanto en Japón como en el resto del mundo.

Con más de 10 discos publicados y más de mil conciertos (que se dice pronto...) tienen un amplísimo repertorio donde la gran mayoría son temas instrumentales. De hecho no tienen un vocalista oficial, sino que cantan distintos miembros del grupo y otras veces cuentan con colaboraciones.

Aunque tienen temas originales, gran parte de su encanto proviene de sus particulares versiones de temas conocidos, de standards o de series de televisión.

En 1990 editaron su primer disco, "Ska-para tôjô" (Skapara es como también les conoce mucha gente) y poco a poco fueron llegando a más cantidad de público, hasta convertirse en grupo de referencia del ska en Japón en una época donde no era habitual encontrar allí grupos que buscasen revivir y propulsar de nuevo el ska.

Coincidiendo con la publicación en el año 2000 de su gran disco "Full-Tension Beaters", hicieron una pequeña pero intensa gira por Europa (visitaron nuestro continente por primera vez aquel año), mostrando a occidente la vitalidad y energía de su música.

De entre todos sus temas podría destacar algunos como Russian cowboy, Filmmakers bleed, Vampire, su versión de El Padrino Love theme from the Godfather, Hit the road Jack (mítico tema de Ray Charles), Skaravan (del standard Caravan, fantástica versión que ya hicieron los Skatalites), Pedorazu (Tetris-ska), Tin tin deo (de Dizzy Gillespie), "Sesame street" (como su propio nombre indica, de Barrio Sésamo), Lightening sword, Monster rock, 5 days of Tequila... Y un largo etcétera.

Como muestra de su sonido y de esa visión del ska que combina tradición y novedad, os dejo con su gran version de The Godfather y con el enérgico Filmmakers bleed.
¡Despeja tu salón y a saltaarrr!

 

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Dorothy Ashby - La arpista versátil

Si hablamos de instrumentos empleados en el jazz, pocas veces (o ninguna) pensamos en el arpa como uno de ellos. Aunque ha habido y hay más músicos que lo han empleado dentro del género, Dorothy Ashby fue una de las pioneras (y también tocaba otros instrumentos, como piano, saxo y contrabajo).

En los años 50 empezó a vincular el arpa al jazz como nadie lo había hecho hasta el momento, convirtiéndose posteriormente en una referencia e influencia para muchos.

En su afán de exploración y búsqueda de nuevos sonidos fue adaptando el arpa a diversos estilos musicales, descubriendo nuevas posibilidades gracias a su visión innovadora y su creatividad.
Al principio resultaba complicado tocarlo con otros músicos de jazz que se mostraban reacios a incluirlo, ya que todavía estaba muy vinculado la música clásica. Pero más adeltante mantuvo una gran actividad musical: dio numerosos conciertos, grabó 11 discos como líder y colaboró como músico de sesión en discos de artistas de diversos estilos, como Bill Withers, Stevie Wonder o Freddie Hubbard.

En su discografía podemos escuchar el arpa en contextos muy distintos, moviéndose en géneros y sonoridades variadas pero siempre con elegancia y versatilidad. Por poner algunos ejemplos, encontramos discos como "Hip hard" y "In a minor groove" (ambos de 1958). Intimistas, apacibles y con un aporte muy personal al mundo del swing. Ambos demuestran cómo instrumentos delicados (junto al arpa, la flauta de Frank Wess) se adaptan a la perfección al sonido más jazzístico.

En 1968 creó el fascinante "Afro harping", donde podemos escuchar una fusión de soul, jazz, funk e incluso psicodelia. Un disco donde cada tema es atrapante e hipnotizador. Personalmente, lo mejor de Ashby.
Dos años más tarde sorprende con el exótico "The Rubaiyat of Dorothy Ashby", con sonoridades e instrumentos orientales, como el koto japonés (interpretado también por ella) o la kalimba.

Así, Ashby estuvo en constante evolución y renovación, enfrentándose a los prejuicios musicales que originó inicialmente su instrumento para conseguir crear músicas muy diversas que vibraban en sintonía con estilos y músicos diferentes.

Como ejemplo de este sonido tan especial, os dejo con Soul vibrations, hipnótico y sensual tema que sirve de introducción en "Afro harping", y con el tema que da nombre al álbum.
¿Cómo? ¿Qué el arpa es aburrido...? ¡Escucha esto!

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Anita O'Day - La voz de las Big Bands

Anita O'Day es una de las mejores voces del jazz. Y no por su técnica vocal, sino por su cálido y particular timbre, sus fraseos y sentido del swing, su sensual musicalidad... Supo adaptarse a las dificultades del bebop del momento, improvisando y siendo una de las referentes del scat (una buena muestra es Hershey bar, donde hace solis y cuatros con los vientos, algo que no hacían muchas cantantes de jazz). Como curiosidad, de pequeña le extirparon la campanilla por error junto a las amígdalas, por lo que no podía mantener frases largas con vibrato.

Consiguió llegar a lo más alto desde lo más bajo. En sus primeros años actuando, cambió su apellido Colton por O'Day, que en argot significaba 'pasta', dinero, lo que ella esperaba conseguir para salir de la pobreza en la que vivía con su familia.

Años después, cuando actuaba en un club de jazz, se fijo en ella el batería Gene Krupa (muy conocido por su toque de timbales en Sing, Sing, Sing, con la orquesta de Benny Goodman) y la invitó a cantar con su recién creada Big Band. Esta unión musical dio fama tanto a la agrupación como a ella, interpretando juntos numerosos éxitos a principios de los años 40.

Anita dejó bien claro que no era un cantante "de adorno", sino que funcionaba como un músico más. Llegó incluso a cambiar la vestimenta típica de las divas del jazz hasta el momento: sustituyó los largos vestidos de gala por una chaqueta, como el resto de los músicos, y con faldas que mostraban sus piernas. La Big Band de Krupa mantenía el estilo de swing clásico: temas con estructuras sencillas, ritmos y melodías sin complicaciones, siguiendo con la tradición de música para bailar: Just a little bit south of North Carolina, Thanks for the boogy ride, How do, Georgia on my mind, That's what you think...

Después de estar con Krupa cantó con otras Big Bands, como la de Stan Kenton en 1944, quien interpretaba temas nuevos con algo más de riqueza rítmica y melódica, y estructuras moderadamente más complejas donde Anita podía mostrar mejor sus cualidades, convirtiéndose en referencia para futuras cantantes y favorita de muchos músicos. Y lo mejor estaba por llegar...

Dejaron temas como I'm going mad for a pad, Ride on, Tabby the cat, In a little spanish town o Are you livin' old man.

Tras la publicación y éxito de su primer disco en 1955 "This is Anita" (que además fue el primero del sello Verve), comienza una etapa de numerosas grabaciones en pequeñas agrupaciones y con otras Big Bands, la mayoría en la misma discográfica. Su actuación en el Festival de Jazz de Newport en 1958 le dio a conocer en todo el mundo, ya que quedó plasmada en la película documental que se grabó allí esos días, "Jazz on a Summer's day".

Desde mi punto de vista, hay dos discos que contienen los temas de mayor calidad y donde Anita realmente despliega todas sus facultades e impregna cada tema con su toque especial. Uno es junto a Billy May: "Anita O'Day swings Cole Porter" (1959). Grandes arreglos que dan una identidad propia a estos temas, saliéndose de su típico desarrollo y a los que se suma la personalidad musical de Anita. Contiene auténticas joyas: Love for sale, All of you, Just one of those things, I get a kick out of you, I've got you under my skin, It's de-lovely, You're the top, You'd be so nice to come home to, From this moment on...

El otro disco es del mismo año, "Cool heat: Anita O'Day sings arrangements by Jimmy Giuffre". También estupendos arreglos que dotan a estos standards de un color especial, y que son interpretados por grandes músicos como los saxofonistas Bud Shank y Art Pepper o el guitarrista Jim Hall.

Hershey bar, Mack the knife, Gone with the wind, The way you look tonight, Come rain or come shine o My heart belongs to daddy son algunos de los temas del disco.

Pero la vida que llevaba Anita era un torbellino: enganchada al alcohol, posteriormente en su intento de dejarlo se volvió adicta a la heroína, fue detenida por posesión de marihuana... Tuvo un parón musical durante los años sesenta, en los que se sometió a un tratamiento de rehabilitación y tras la cual volvió a estar en activo hasta los 86 años (ya con la voz desgastada y deteriorada).

Para que la veáis en acción, con su talento y picardía, os dejo con las versiones de Easy to love y All of you, ambas del maravilloso Cole Porter y con los arreglos del Sr. May.

 de Love for sale junto a la Big Band japonesa All-Star Orchestra, en directo en Tokyo en 1963, y con You're the top, con los estupendos arreglos del Sr. May.

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