Chic - Cuando una puerta se cierra, F**k off!

Aquí tenemos un ejemplo más de cómo en la vida un problema o una mala noticia puede convertirse en algo muy positivo, capaz incluso de cambiar el rumbo de tu futuro hacia algo mucho mejor.

Chic fue un grupo de música disco de finales de los 70 (se disolvieron a principios de los 80) cuyos temas tuvieron un gran éxito, tanto en aquellos años como lo siguen teniendo en la actualidad, especialmente el tema del que vamos a hablar hoy: Le Freak.

En 1977 Chic empezaban a hacerse conocidos gracias a varios temas que estaban cosechando cierto éxito entre los seguidores de la fiebre disco: Dance dance dance (Yowsah yowsah yowsah) y Everybody's dance (por si quedaban dudas de que eran temas para bailar...). Ambos formaban parte de su primer disco, "Chic".

La Nochevieja de ese año, Nile Rodgers (guitarra) y Bernard Edwards (bajo), creadores y líderes del grupo, esperaban en la cola del legendario Studio 54, templo de la música disco en Nueva York. Iban a reunirse con Grace Jones, que ese mismo año se había convertido en un icono tras publicar su primer disco, principalmente por su tema I need a man y su look masculino de aire extravagante y duro. La podéis ver también como actriz en varias películas de los 80, como Conan el Destructor (impone más que el propio Chuache) y James Bond Panorama para matar.

El caso es que Jones les había citado esa noche para hablar sobre la posibilidad de que escribieran y produjeran su próximo álbum, lo cual era una gran oportunidad para ellos, por lo que os podéis imaginar la emoción y el ansia por entrar en la discoteca y hacer el que habría sido su mayor negocio hasta el momento...

Pero sus nombres no estaban en la lista y no les dejaron pasar (a pesar de que algunos de sus temas sonaban en las noches del club...). La clientela de Studio 54 era muy selecta y había un gran control sobre a quién dejaban pasar. Muchas personas, famosos incluidos, no podían acceder a bailar y disfrutar de los desfases, parrandas y excesos que se vivían dentro.

Además, era la última noche del año, había aún más gente de fiesta esperando a entrar y no pudieron convencer al portero porque aún no eran suficientemente conocidos. 

Si esta situación hubiera ocurrido ahora, una época donde todos tenemos teléfonos móviles, habría bastado una simple llamada o un mensaje, "¡Eh Grace, el tipo de la puerta no nos deja pasar!". Pero en aquel momento lo único que pudieron hacer después de ese gran palo fue marcharse. Compraron dos botellas de champán, fueron a la casa de uno de ellos y se pusieron a tocar e improvisar.

La parte del tema donde cantan "Aaaaaa Freak out!" fue originalmente "Aaaaaa Fuck off!" ('Que os follen' o 'Vete a tomar por culo'), en represalia a la actitud del puerta con ellos.

Poco después decidieron cambiarlo por dos motivos: por un lado, Edwards no estaba muy a gusto diciendo eso en una canción (aunque a Rodgers, como ex Pantera Negra no le afectaban ese tipo de cosas) y por otro lado, en aquellos años las radios eran bastante cerradas con lo que se cantaba. Así que finalmente cambiaron el "Fuck off!" por "Freak out!".

El tema apareció meses después  bajo el título Le Freak dentro de su segundo álbum, "C'est chic", y al poco tiempo se convirtió en un auténtico éxito, siendo número uno en las listas de EEUU y vendiéndose millones de copias. Y cosas de la vida, Le Freak sonaba dentro de Studio 54 convertido en el gran rompepistas del momento. 

Allí, en el mismo lugar donde meses antes les habían prohibido el paso, Chic pudieron finalmente entrar, e incluso tomar copas gratis y tener su propio espacio reservado. 

Así que, ¡gracias por vuestra negativa, Studio 54!

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Bruna Sonora - Recomponiendo la tradición

Bruna Sonora es un grupo que rompe con lo tradicional a pesar de que la semilla de sus composiciones son precisamente la tradición. Se les etiqueta a menudo dentro del folk, ya que las melodías de las que parten sus temas pertenecen principalmente al folklore español, pero muy alejado del sonido folk habitual, con muchos otros elementos de estilos tan diversos como el jazz, el flamenco, la música clásica, klezmer, turca o bereber.

Su lema es "Creaciones, alquimias y aleaciones musicales", y es que las composiciones de Javier Bruna, líder de esta banda de 12 músicos, recorren muchos paisajes sonoros diferentes, con grandes contrastes de estilo, de carácter, de tempo, de color... Tan pronto pasan de un momento ambiental y evocador como rompe un pasaje rítmico de naturaleza flamenca o turca; escuchamos un tutti con múltiples capas simultáneas y acto seguido a una pequeña sección de la banda que nos envuelve en la intimidad trasladándonos a un lugar totalmente diferente... El desarrollo es inesperado, y como si se tratara de una banda sonora de película, acompaña a las imágenes que el oyente podrá llegar a visualizar al escucharlos.

Su primer y único disco hasta la fecha es "Tarareando", presentado a principios de este año. El diseño, muy cuidado, ya nos advierte de que no es un disco al uso. Original, fresco y sorprendente, además de ser muestra del gran trabajo compositivo e interpretativo que hay detrás. 

Además del disco principal, nos obsequian con otro disco extra llamado "Miniaturas", donde suenan pequeños temas (por duración e instrumentación, no por calidad) que son la semilla de los temas 'grandes' del disco. Una delicada delicia para paladares minimalistas.

Entre los temas de Bruna Sonora encontramos Creaciones, cuya melodía raíz bien podría ser tradicional por sonoridad y carácter, pero que son originales de la banda. El Zoco, cantado en bereber, o uno de los temas que tocan en directo y que probablemente será parte de su siguiente disco, Gira o mundo, en portugués a ritmo de fandango. 

Alquimias, que son transformaciones y recomposiciones que surgen desde melodías tradicionales pero con un sentido único y muy distinto a su sonido tradicional, como La Tarara en África (la universal Tarara que parece pasear por África encima de un camello), Danza sonora (a partir de la melodía de la Danza española nº5 de Granados, con tintes jazzísticos muy evocadores y envolventes), El burro (que deja a la Tía vinagre a paso de zambra) o El cant dels ocells (que coquetea con ritmos Stravinskianos y, como si un ser bipolar se tratara, cambia de carácter cada poco tiempo, pero siempre con gran sentido musical).

Y las Aleaciones musicales, donde varias melodías se combinan y entrelazan jugueteando en un mismo tema, en un perfecto ensamblaje compositivo: El Vito anda de Jaleo (las populares El vito + Anda jaleo) u otro tema que interpretan en algunos directos pero no está incluído en este disco, La danza ritual de Carmen (la Habanera de Carmen de Bizet fusionada con La danza ritual del Fuego de Falla).

Otro punto maravilloso de Bruna Sonora es la conexión de sus miembros, algo que se nota dentro y fuera del escenario. Complicidad, empaste, sentimiento y buen rollo, además de tener un sólido directo en el cual nos transportan de un paisaje a otro con mucha fluidez.

Con todos estos ingredientes, uno se queda embriagado, viajando de una escena a otra, con muchos detalles a los que prestar atención (si uno quiere profundizar más en cada composición tiene material de sobra...), un cuidadísimo desarrollo y una concepción única sobre el significado de la palabra 'tradición'. Una música auténtica y sincera sin un referente previo al que poder asemejarse (o al menos, yo no lo he encontrado).

Os invito a deleitaros con dos de sus temas, La Tarara en África y Danza sonora.

Aquí empieza vuestro viaje sonoro. ¡Disfrutad y dejaos llevar!

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Laura Mvula - Pura evocación

Recuerdo el primer día que escuché a Laura Mvula. Nada más sonar los primeros compases de Like the morning dew, tema que abre su disco "Sing to the moon", me atrapó, me dejó prendada, envuelta en ese halo tan hipnótico, tan evocador, delicado pero al mismo tiempo con cierta fuerza contenida. Y con cada tema que pasaba, más me embriagaba. Desde aquel día, he escuchado este disco muchas veces, siendo de lo mejor que he podido degustar en los últimos años. Me alegro mucho de que haya sido tan bien recibido por la crítica y el público.

A raíz de esto escuché sus otros discos, esperando quedar igualmente fascinada. "With Metropol Orkest" es estupendo, ya que contiene los mismos temas pero grabados con la Orquesta Metropol, que ha tocado y grabado con numerosos artistas desde hace décadas, funcionando tanto como una Big Band como una Orquesta Sinfónica. 

Su tercer disco (y último hasta la fecha) "The dreaming room" no me ha llegado tanto, ni de lejos. Aunque es un buen trabajo, eso no puede negarse, toma un camino diferente y su carácter general está más alejado de los anteriores. Es curioso porque sus temas sí mantienen la esencia compositiva de Mvula, pero el resultado final desprende un sonido más frío y menos sugerente, lo cual probablemente tenga que ver con la producción, menos intimista y más, podríamos decir, eléctrica (que no electrónica).

Así que voy a centrarme en el delicioso "Sing to the moon" (2013), un álbum que, me atrevo a decir, es pionero en cuanto a concepción, abriendo un camino nuevo y desafiando convencionalismos pero desde la pura sencillez y elegancia, e interpretado con gran exquisitez. 

Melodías interesantísimas que ensamblan perfectamente con coros e instrumentos, tan envolventes gracias al timbre de Mvula, su particular fraseo y su modo de emplear los contrastes de dinámicas y registros. Encontramos también contrastes entre secciones y una cuidada instrumentación que aporta un rico sonido orquestal.

No resulta fácil clasificar esta música, pues tiene un sonido muy personal que hace que sea única y auténtica. Podríamos decir que es en esencia soul (pero alejada del estilo de las cantantes soul que están tanto tiempo en los agudos luciendo chorrazo), con tintes gospel y pop y un sinfonismo clásico que en algunos momentos adquiere cierto aire marcial.

Entre las composiciones de Mvula destacaría Can't live with the world, I don't know what the weather will be, She, Like the morning dew, Make me lovely o Sing to the moon y algunos cortes más rítmicos, como That's alright o Green garden.

Como muestra de este magnífico disco, os dejo con Make me lovely y I don't know what the weather will be. 
Mágico.

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"White Rabbit" - Jefferson Airplane vs. The Great Society

¿Quién no ha escuchado alguna vez White Rabbit? Quizá no sepas cómo se llama o quién lo interpreta, pero seguramente haya sonado en algún momento de tu vida.
Este tema fue compuesto por Grace Slick, la carismática cantante de los Jefferson Airplane. Apareció en el disco "Surrealistic pillow" de 1967, aunque el año anterior ya lo había interpretado junto a su anterior banda, The Great Society.

La melodía y la letra son las mismas, pero la base y el desarrollo musical es muy diferente.

White rabbit se convirtió en tema de referencia en aquellos años: una canción por la libertad, en una época donde muchos jóvenes tenían que irse a la Guerra de Vietnam, aunque fueran pacifistas en contra de la guerra. Durante aquellos años crecía el movimiento hippie, así como también aumentaba la experimentación con todo tipo de drogas psicodélicas.

La letra hace referencia a las aventuras de Alicia de Lewis Carroll, y aunque tiene una lectura relacionada con el tema bélico, parece principalmente basada las drogas, como el LSD, el cual Grace consumía. A pesar de que en la época de Carroll aún no se había fabricado, se dice que pudo haber sido consumidor de opio. Muchos mantenían (y mantienen) que Carroll en realidad relataba los efectos de las drogas camuflados en historias fantásticas para niños.

Aparece el cambio de tamaño después de tomar unas pastillas ("One pill makes you larger / and one pill makes you small"), la oruga que fuma de una cachimba ("Tell 'em a hookah-smoking caterpillar"), o el consumo de setas ("And you've just had some kind of mushroom / and your mind is moving low / go ask Alice, I think she'll know"). Y en relación con el cuento de Carroll, se habla de la Reina Roja de Corazones, que además no tiene corazón con su incansable "¡que le corten la cabeza!" ("And the Red Queen's off with her head") y la persecución del conejo blanco ("If you go chasing rabbits").
 Quizá "The man of the chessboard get up and tell you where to go" se refiera a los políticos que obligaban a los jóvenes a luchar en esa guerra en la que no querían estar. Y como broche final, rompe con "Feed your head". 

Había un gran control sobre la música que se emitía en las radios y los mensajes que transmitían la letras de las canciones, que según los altos mandos podían "revolucionar" a la juventud. Pero el contenido de White Rabbit fue pasado por alto y pudo sonar en las emisoras de radio y programas de televisión.
El éxito que obtuvo ha perdurado hasta nuestros días, y durante décadas ha sido versionado por grupos de estilos muy diversos. También ha aparecido en películas (como la mítica escena en la bañera de "Miedo y asco en Las Vegas") y series de televisión.

Personalmente, me quedo con la versión que hizo con Jefferson Airplane, aunque la original tampoco tiene desperdicio.
Vayamos a por el conejo blanco...

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Menahan Street Band - Los chicos de Daptone

Estos neoyorkinos desprenden un sonido muy particular y evocador: música instrumental que combina elementos soul y funk, y que recuerda en numerosas ocasiones a las películas clásicas o a los westerns. Sus temas no tienen cambios bruscos ni grandes contrastes, todos fluyen con cierta sutileza, combinando ostinatos y líneas melódicas en los vientos para recrear atmósferas que mantienen el interés sin apenas viariación, siempre con la batería y el bajo manteniendo el groove y el constante latir de la música. 

Sus componentes están simultáneamente en The Dap-Kings, The Budos Band y Antibalas, todos del sello Daptone y su filial Dunham Records (donde todos los aparatos son analógicos, para conservar el sonido de antaño). Ellos son Thomas Brenneck (guitarra), Nick Movshon (bajo), Homer Steinweiss (batería), David Guy (trompeta) y Leon Michels (saxo tenor), con colaboraciones a la percusión y los teclados. 

Su primer disco, "Make the Road by Walking" (2008) es maravilloso de principio a fin, no tiene desperdicio. Cada tema nos llega directo a las entrañas, ofreciéndonos un recorrido por delicados y siempre estimulantes sonidos. Make the road by walking, The Traitor, The Contender, Karina, Home again, Birds... Una delicia que tras la primera escucha necesitarás volver a disfrutar.

"The Crossing" (2012) puede resultar aún más evocador si cabe, con sonoridades siempre plácidas pero excitantes. The Crossing, Bullet for the Bagman, Keep Coming Back, Sleigh of Hand o Seven is the Wind son muestra de ello.

También podemos escuchar a Menahan Street Band acompañando al cantante Charles Bradley (aunque más bien es Bradley quien les acompaña a ellos) en los discos "No time for dreaming" (2011) y "Victim of love" (2013).

Os dejo con The Contender y The Crossing. 

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Björk - Innovación y experimentación constante

 

Björk tiene un sonido único y claramente identificable. Es difícil dejar pasar su música sin que capte nuestra atención, para posteriormente conquistarnos y arrastrarnos a su particular universo sonoro.

Imparable en su afán de experimentación e innovación, su música es muy ecléctica, jugando con multitud de géneros y estilos diferentes: electrónica, dance, pop, folklore, música 'clásica'... 

Nos envuelve con una gran riqueza de texturas y ritmos, junto con las melodías atípicas pero deliciosas de su voz, tan expresiva, y que resulta delicada pero al mismo tiempo potente.

Solo por sus primeros discos, especialmente "Post", "Homogenic" y "Vespertine", merece un gran reconocimiento. Esos discos, junto al anterior, "Debut", rebosan personalidad, imaginación y creatividad, haciendo que la complejidad de su música aparente sencillez.

Esta islandesa (de apellido Gudmundsdóttir) publicó su primer álbum con 11 años, "Björk" que tuvo bastante éxito en su país. Con un sonido altamente infantil y temas en islandés, resulta curioso aunque no es especialmente reñesable más allá del hecho de escucharle cantar y tocar la flauta en su niñez. En él aparece una particular versión de Fool on the hill de los Beatles, Alfur ut ur holl. 

Después de ese disco se retiró de los escenarios y tras estudiar en el Conservatorio pasó por diversas agrupaciones de tintes punk, hasta llegar a Sugarcubes, grupo más pop con quienes grabó tres discos y que consiguió mucha popularidad tanto en Islandia como en el Reino Unido y EEUU.

Se mudó a Londres y fue acercándose a un estilo más dance y house, lo que mostró en su disco "Debut" de 1993, que tuvo una gran acogida. Un disco original donde combina temas bailables con otros más sensuales, y donde desplegó toda su versatilidad vocal. Contiene varios de sus grandes éxitos: Human behaviour, Venus as a boy y Violently happy.

Dos años después publicó "Post", un fantástico disco para el que contó con varias colaboraciones para la composición y producción, y que se alejaba de la música que podía escucharse en ese momento. En él se combinan temas electrónicos con cierto sonido industrial (como los tremendos Army of me, Hyper-ballad, Enjoy o I miss you) con otros más delicados y evocadores (Possibly maybe, Isobel y Cover me). Aparece también su versión del tema de los 40 It's oh so quiet, que parece una creación original de Björk, ya que le viene como un guante.

Los temas de "Post" fueron remezclados y publicados bajo el título de "Telegram".

En esos años Björk ya era muy reconocida y tenía muchos seguidores, entre ellos un fanático que podía haber acabado con su vida. Durante meses éste grabó un perturbador video en el que mostraba su obsesión por la cantante, la fabricación de un paquete bomba con una carta en ácido sulfúrico que después envió a Björk, y finalmente grabó su suicidio mientras escuchaba una de sus canciones. Por suerte no cumplió su objetivo, ya que la policía encontró el cuerpo y el vídeo antes de que el paquete llegase a su destino. En esos días, Björk se marchó a España, impactada y trastornada por lo sucedido, y durante su estancia en Andalucía grabó el conmovedor tema So broken junto a Raimundo Amador.

Pocos meses después del disco de remezclas publicó "Homogenic", grabado en España, y de nuevo arropada por diversas colaboraciones. Resulta fascinante de principio a fin. Repleto de temas muy expresivos y experimentales, donde predomina un sonido más ambiental y atmosférico que llega directo a las entrañas y el corazón. Contiene grandísimos temas como Joga, Hunter, Unravel, Bachelorette, Immature o All is full of love. Pluto aporta una gran dureza y punto psicótico a este disco envolvente y embriagador.

En el año 2000 tuvo una incursión en el cine actuando en una película de Lars von Trier, "Bailando en la oscuridad" ("Dancer in the dark"), para la cual además compuso la música junto a Mark Bell ("Selmasongs"). Hubo una gran lucha de egos, y decidió que no volvería a hacer una película. En sus propias palabras, "fue como si Napoleón intentara dirigir a Pipi Calzaslargas".

Para su siguiente disco se encargó de la mayoría de la producción y arreglos, prescindiendo de tantas colaboraciones. "Vespertine" (2001) suena íntimo y delicado, y en ciertos momentos muy minimalista, con un juego constante de texturas y atmósferas que nos hace pensar que estemos en un sueño o una fantasía. Con temas como Pagan poetry, Hidden place, Undo, Unison o It's not up to you.

Sus cuatro álbumes siguientes me han dejado bastante indiferente. No puedo negar que son innovadores y arriesgados, pero para mi gusto resultan demasiado vanguardistas y abstractos, poco fluídos y carentes del gancho que tenían los anteriores y de la fuerte personalidad que emanaba cada uno de sus temas de antaño.
Son sorprendentes y diferentes, sí, pero su escasa coherencia hace que no dejen la misma huella que los anteriores. Quizá porque no son tan 'cantables', más complejos de asimilar y recordar, demasiado 'extraños'. Quién sabe, lo mismo estamos ante la música del futuro y puede que no esté preparada... sin duda, a muchos les parecerán fabulosos.
"Medulla" sorprendió en 2004 con el poco uso de instrumentos, predominando la interpretación vocal con coros y temas a capella, donde juega con la voz entre susurros, sonidos guturales y líneas melódicas más atípicas de sus ya de por sí atípicas melodías. Un disco interesante aunque personalmente no me atrapó, al igual que me ocurrió con "Volta", cuyos ritmos y estructuras altamente abstractas provocan que los temas me resulten demasiado pesados y cargantes. 

"Biophilia" (2011) rebosa exploración y experimentación, aunque creo que Björk se está perdiendo entre tanto vanguardismo y la musicalidad está cada vez más lejana, siendo de compleja degustación. Es el primer disco de la historia en lanzarse como 'App-album', con aplicaciones, videos e imágenes de diferentes agencias espaciales. Así, suena muy 'espacial' y atmosférico en su juego con las texturas, aunque de nuevo no encuentro ningún tema que esté dotado de una personalidad y carácter especiales, sonando -podríamos decir- como una base ambiental sobre la que se mueve imprevisible una voz que narra cantando. Me resultaron curiosos Cosmology, Thunderbolt y Virus, pero poco más que eso.
El año pasado publicó "Vulnicura" que no he podido escuchar con detalle, pero bajo una primera impresión, me resulta más interesante. Si alguno lo habéis podido degustar con más tiempo y queréis opinar, vuestros comentarios serán enormemente bienvenidos (¡como siempre!). He podido ver también el videoclip de Stonemilker, grabado en una playa y que sorprende por haber sido grabado en 360º grados, por lo que podemos movernos a lo ancho y alto del mismo mientras el video sigue su curso. Björk continúa innovando más allá de lo puramente musical, como ha ocurrido siempre con sus videoclips y sus estrambóticas vestimentas.

Para que disfrutéis de esta música tan personal y atrapante, os dejo con dos de los mejores temas de su gran época: Joga y Army of me. Bienvenidos al universo Björk.

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"Tired of Waiting" - The Kinks vs. The Flock

Ya que hemos hablado de la versión que hicieron The Flock en 1969 del tema Tired of waiting for you, original de The Kinks de 1965 (y versionado por diversos grupos), os dejo con las dos visiones del tema.

Como dije, en mi opinión la versión de The Flock supera con creces a la original, que resulta mucho más plana. Aunque el tema compuesto e interpretado por The Kinks fue número 1 en el Reino Unido y tuvo también un gran éxito en EEUU, The Flock la renuevan con más dinamismo, con un aire mucho más enérgico, una mayor elaboración y un sentido más directo y profundo. Es una concepción totalmente nueva del tema.

Pero que cada uno escuche, sienta y valore...

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The Flock - Creatividad desbordante

The Flock es una de esas bandas que merece un mayor reconocimiento del que ha recibido, tanto por su originalidad como por su excelente calidad. Se les considera unos de los precursores del llamado jazz-rock, aunque en realidad su sonido tiene más bien poco de jazzístico... Aunque cuentan con la improvisación como elemento importante en su música, su sonido es más cercano al rock progresivo, la psicodelia, el blues o el folk.

A mediados de los 60 y principios de los 70 el rock evolucionaba con una mayor libertad, había más innovación y un gran despliegue de creatividad y originalidad. Muchos grupos eran, más que pequeñas bandas, pequeñas orquestas, por lo que a algunos les llamaban "macrobandas". Empleaban instrumentos por entonces atípicos dentro del rock, llegando a ser en ocasiones el líder del grupo, como sucedía por ejemplo con Jethro Tull (liderado por un flautista) o The Flock (por un violinista y acompañado de saxofones y trompeta). 

Sus dos primeros discos son un grandísimo ejemplo de originalidad y creatividad, fusionando elementos y estilos muy diversos. La mayor parte de las canciones están llenas de contrastes, con secciones totalmente diferentes pero que, con gran habilidad, hilvanan y combinan para hacer que se desarrollen de manera insólita, lejos de los rudimentos típicos del género, manteniéndonos siempre expectativos de lo que podrá venir después. 

The Flock nació a mediados de los 60 en Chicago. El violinista y guitarrista Jerry Goodman, apodado "el violín del diablo", es el alma del grupo, y no solo por su virtuosismo, sino por su concepción del instrumento y su gran cantidad de recursos, además de su particular estilo camino entre lo clásico y lo moderno. Los demás miembros de la banda tampoco tienen desperdicio: Fred Glickstein (guitarra, teclados y voz), Rick Canoff (saxo tenor), Jerry Smith (bajo), Ron Karpman (batería), Tom Webb (saxo tenor y armónica, en el primer disco), Frank Posa (trompeta) y John Gerber (saxo alto y tenor, flauta y banjo en el segundo disco), y antes de llegar Goodman, Rick Mann (guitarra). Y casi todos ellos también coristas, enriqueciendo las armonías vocales en cada tema.

"The Flock" (1969), su primer disco, es sencillamente maravilloso, la joya del grupo. Con su evocadora introducción, de tintes clásicos, nos adentran en un camino lleno de expresividad y profundidad, con grandes temas como los explosivos "Store Bought - Store Thought" o "Clown", la versión de "Tired of waiting" de los Kinks  (que, en mi opinión, supera al original) o el blues de 15 minutos "Truth" (donde muestran una personal concepción de este género).

Al año siguiente publicaron "Dinosaur Swamp", todavía más experimental. Cada tema es una amalgama de ideas muy diversas, con estructuras aún más atípicas y en ciertos momentos algo caóticas, como si a lo largo de una sola canción hubiese múltiples personalidades. A algunos podrá parecerles demasiado 'denso', pero sin duda es una delicia para paladares exquisitos.
Con un sonido más psicodélico, destacan el fascinante y enérgico "Crabfoot", o "Hornschmeyer's Island" y "Lighthouse", llenos de contrastes. También hay ecos country, como en "Big Bird".

Tras este disco Goodman se marchó del grupo para formar parte de Mahavishnu Orchestra (con el guitarrista John McLaughlin), y el grupo se apagó durante varios años. Algunos miembros trataron de resurgirlo en 1973 haciendo una breve gira (sin la presencia de Goodman, pero también con violín), pero no editaron ningún disco hasta 1975: "Inside Out". Con un sonido más electrónico, siguen innovando pero a un menor nivel que en los dos anteriores. Aún así tiene buenos temas, como "Metamorphosis" o "Back to you". Tras él, The Flock acabó por disolverse definitivamente. 

Os dejo con dos de sus joyas: Crabfoot y Store bought-store thought. ¡Caos irresistible y aplastante!

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Lettuce - Clichés con gusto

Lettuce son en esencia funk, y pueden estar tocando prácticamente lo mismo durante minutos sin decaer ni hacerte perder el interés. Se conocieron en 1992 mientras realizaban un curso de verano en la prestigiosa escuela de música moderna Berklee, en Boston. Siendo aún unos jovenzuelos, comenzaron a tocar bajo el nombre de Lettuce (al parecer porque iban por los locales de jazz de la ciudad preguntando "Will you let us play?"). Al marcharse de Boston cada uno siguió su camino en la música, hasta que finalmente se reunieron años más tarde.

A lo largo de sus tres discos, Lettuce ha ido evolucionando desde un funk más convencional, hasta encontrar un sonido más personal. Erick Coomes, su bajista, es fascinante, la gasolina del grupo, tanto por sus solemnes líneas de bajo como por la presencia que tiene en el escenario. Aunque por supuesto también tienen un papel crucial en este sonido los demás miembros: Eric Krasno y Adam Smirnoff (guitarras), Neal Evans (teclados), Sam Kininger y Ryan Zoidi (saxos), y Adam Deitch (batería). Colaboran con ellos Rashawn Ross (trompeta) y Nigel Hall (voz).
Deitch es además el co-fundador de la Royal Family Collective, como bien dice su nombre, un colectivo donde todo queda en familia: músicos profesionales que, dentro de un mismo círculo, forman parte de diversos grupos musicales que combinan funk, soul, jazz y hiphop.

El primer disco de Lettuce es "Outta here" (2001). Podría verse como una colección de recursos y clichés del funk de los años setenta, combinados para hacer un disco que podría servir como play-along... Los grooves de bajo, las líneas de los vientos y los riffs de guitarras no aportan nada especialmente nuevo, aunque como buenos músicos que son, muestran su consistencia y precisión manteniéndose firmes durante todo el disco.
Aun con ese exceso de clichés, contiene temas de calidad como Back in Effect, The Flu (con John Scofield), Reunion o Superfred (una visión del Superbad de James Brown).

El sonido Lettuce empezará a brotar en su siguiente disco, "Rage!" (2008), más elaborado. Los temas son más dispares entre sí, utilizan nuevos sonidos y efectos, más variedad de riffs y melodías, y contrastes más marcados de secciones (dentro de esa 'simplicidad' que les caracteriza). En este aparecen grandes temas como Blast Off (encargado de abrir el disco), Last Suppit, Need to Understand, o Sam Huff's Flying Ragin' Machine. 

Su tercer y último disco hasta el momento, "Fly" (2012), es a mi parecer el que tiene un sonido más rico y más identidad propia. Existe una mayor creatividad, con arreglos más elaborados y algunos contrastes inesperados, manteniendo el groove a lo largo del disco. Imperdibles Ziggowatt, Bowler, Lettsanity, Fly, Ghost of Jupiter, Let it Gogo o Jack Flask. 

Quería dejaros con Lettsanity y Ziggowatt, esperando que nos deleiten con un nuevo disco pronto, y sobre todo, que vengan a España alguna vez para gozarlos en vivo.

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"Evil hearted you" - The Yardbirds vs. The Pixies

El autor de Evil Hearted You es Graham Gouldman, bajista, guitarrista, y componente de 10 CC, grupo al que recordaremos sobre todo por su refrescante Dreadlock Holiday o la conocida balada I'm Not in Love (ambas también suyas, junto a otro miembro de la banda, Eric Stewart).

Fueron los Yardbirds quienes hicieron de esta canción un éxito en 1965. Este grupo contó con tremendos guitarristas, hoy auténticos referentes: primero Eric Clapton, y tras su marcha del grupo, Jeff Beck y Jimmy Page. Es Jeff Beck quien nos regala el sonido de su guitarra en este tema, y quien más influyó y experimentó con el sonido del grupo, dándole una mayor identidad y tintes de psicodelia (algo poco habitual en la música británica por entonces).

Los Yardbirds (en cierto modo, semilla de Led Zeppelin), empezaron tocando blues, y poco a poco fueron alejándose de él para tener más acceso al mercado musical, dominado en aquel momento por los Beatles, y llegaron a convertirse en un referente de esos años. Otros de sus temas también son composiciones de Gouldman, como el tremendo For Your Love, que se convirtió en su primer éxito y que tuvo mucho que ver en el nuevo rumbo que seguirían tras él, una referencia de cómo sonarían a partir de ese momento. 

La verdad es que siempre que la escucho me imagino una escena de Leone, con esos rudos y solemnes acordes que presentan el tema (sucios, simples y directos), y esos coros mezcla de spaghetti-western y canto gregoriano, además del solo con slide de Beck...

Os dejo con la versión original de los Yardbirds y la que hicieron los Pixies casi treinta años después, en 1991. Una vez más, Frank Black (o Black Francis) nos deleita con su particular español, que aprendió cuando vivió unos meses en Puerto Rico. Hace una traducción de la letra casi literal, lo que trae, con gusto y disgusto al mismo tiempo, frases como "pero te quiero sin embargo y te deseo quedar a mi lado, y verás lo que significas para mí". ¡Grande!

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Dave Pike Set - El vibráfono guatequero

Dave Pike, vibrafonista autodidacta, forma parte de aquellos músicos de los sesenta que buscaban renovar la música para vibráfono, entonces liderada por el gran Milt Jackson. Pike comenzó tocando en EEUU junto a grandes intérpretes del panorama jazzístico del momento: el guitarrista Kenny Burrel ("Bossanova Carnival", exquisito álbum), el pianista Bill Evans ("Pike's Peak") o el también pianista Tommy Flanagan ("Limbo Carnival"), así como acompañando al flautista Herbie Mann en sus discos, o con su propia orquesta ("Manhattan Latin"). 
De estos años es su disco "Jazz for the Jet Set" una joyita que podría ser la banda sonora del sarao más guatequero o de un idílico ascensor. Siempre acompañados por su voz canturreando en la distancia...

La música de Dave Pike se vuelve aún más interesante y genuina durante su estancia en Europa: en Alemania formó su propio grupo, el cuarteto Dave Pike Set: cuatro músicos que se complementan a la perfección logrando un particular e innovador concepto musical. Volker Kriegel (indispensable para el sonido del Set: guitarra y sitar), J.A. Rettenbacher (bajo y contrabajo) y Peter Baumeister (batería).

Este sonido tan auténtico, personal y vanguardista no solo le da identidad a ellos, sino, en cierto modo, también a la sociedad cosmopolita de aquellos años sesenta, la mezcla de culturas, costumbres, raíces y sonidos. Hicieron una pequeña fisura en el jazz para abrir su propio camino: una amalgama de influencias unidas en una innovadora visión del género, ya sea con las composiciones propias del grupo o reinterpretando standards.
Estuvieron en activo menos de cuatro años, de 1969 a 1972, pero nos dejaron un magnífico legado de 6 discos, con un repertorio más que variado e imprevisible. Reseñables son (junto al mencionado "Jazz for the Jet Set") "Noisy Silence-Gentle Noise", "Got the Feelling" e "Infra Red". 

A su vuelta de Europa a Estados Unidos, continuó (y continúa, después de un largo período de silencio) tocando y sacando discos, como "Times Out of Mind" (de nuevo con Kenny Burrell), "Pike's Grooves", el fresquísimo "Album" (1971) o "Bluebird" (más bebopero). 

No podemos más que deleitarnos con esta particular visión del jazz, aderezado con especias de psicodelia, bossa, música afro-cubana (ya de por sí fusión de ritmos cubanos con elementos del jazz), o de la India.

Como primer acercamiento os recomiendo auténticos hits como: Sittin' on my knees, los guatequeros Jet Set y Sweet tater pie, Big Schleep, Country Shit, Nobody is Afraid of Howard Monster, la atrapante y dispar Send Me the Yellow Guys, Mathar, la bossa Sono, o los temas con los que os dejo hoy, Walkin' Down the Highway in a Raw Red Egg (con sección en 13/4) y But anyway.

¡Id preparando los mojitos!

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Roy Hargrove Quintet - Más que jazz

Dentro del panorama actual encontramos al versátil Roy Hargrove, un trompetista que ha colaborado con grandes músicos de jazz como Herbie Hancock, Jimmy Smith o Shirley Horn, y al que podemos encontrar tocando el jazz más clásico (como en la Roy Hargrove Big Band, donde además es director y arreglista) o combinándolo con elementos más modernos procedentes del funk, soul o del hip-hop (The Roy Hargrove Quintet o, más claramente, en The RH Factor). Eso sí, siempre rodeado de músicos de primera, como lo es él, por supuesto.

El tema con el que os dejo hoy, Strasbourg St. Denis, es un tema indispensable para disfrutar con un jazz fresco y actual de corchea recta, y como dice el propio nombre del disco en el que aparece, "Earfood", es auténtico alimento para nuestros oídos. 

Los demás componentes del quinteto no tienen desperdicio: el gran pianista Gerald Clayton, Danton Boller al contrabajo, Montez Coleman a la batería y Justin Robinson al saxo alto (a mi parecer, el más discreto, basándose demasiado en patrones y licks y dejando a un lado una mayor creatividad melódica a la hora de improvisar; pero no se puede negar que es un gran músico). 

Los temas que forman este disco son en su mayoría composiciones de Hargrove, con algunas versiones, como el que abre el disco, el implacable I'm not sure (de Cedar Walton) o Speak Low (de Kurt Weill, de quien podéis encontrar una entrada en este blog). Desde baladas con sonoridades evocadoras y melodías finas y delicadas, a otros con una gran fuerza rítmica y melodías más beboperas. Mr. Clean, Brown, The Stinger o Starmaker son algunos de ellos.

Aquí está Strasbourg St.Denis, con una melodía llena de buenrrollismo que, junto al groove de base del grupo, hará bailar vuestros cuellos. Sobre todo esta versión en directo. Pura crema.
(Y por si os quedáis con ganas de más, I'm not sure).

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Sharon Jones & the Dap Kings - Reviviendo el soul

Estamos ante uno de los grupos soul-funk con más energía y vitalidad de los últimos tiempos. Y no solo por la increíble fuerza de su cantante, Sharon Jones, sino también por la magnífica banda que la acompaña, los Dap Kings.

Juntos nos deleitan con temas que nos remontan a mediados de los años sesenta y los setenta, manteniendo la estética e intensidad de ese soul que tanto se añora. Además su sonido es impecable, tanto por el alto nivel de interpretación como por la calidad de sonido (graban con equipos analógicos, pudiendo así mantener y emular la calidez de las grabaciones clásicas de soul).

El grupo está en la discográfica Daptone Records, co-fundada por el bajista y líder del grupo, productor y compositor de la mayor parte de los temas: Gabriel Roth, más conocido como Bosco Mann (quien, por cierto, aparece siempre con gafas de sol debido a un accidente de tráfico que le dañó los ojos).
Junto a él, la banda la completan dos guitarristas, dos saxofonistas, un trompetista, un batería y un percusionista, y entre todos no dejan que el groove deje de fluir (lo cual pude comprobar con gran admiración y placer en el Festival de Jazz de San Sebastián de este año...).

Y junto a esta perfecta ejecución instrumental, la enérgica voz de Sharon Jones, quien a sus 56 años resplandece e impresiona en el escenario. ¡Era como ver al mismísimo James Brown, pero con un vestido plateado de flecos a lo Tina Turner...!

Sus cinco discos son de gran calidad, manteniendo un sonido que nos traslada atrás en el tiempo (incluso algunas de sus portadas captan perfectamente la estética de la década de los sesenta, fruto de la nostalgia y añoranza de los vinilos de esa época).
Su primer disco muestra un sonido más funk, "Dap Dippin' with Sharon Jones and the Dap Kings" (2002), y tres años después presentaron "Naturally", donde comienza a tener más presencia el soul. Sus siguientes discos fueron "100 Days, 100 Nights" (2007) y "I Learned the Hard Way" (2010), un disco cuya música suena aún más expresiva, profunda y podríamos decir, emocional, con un sonido menos funk, en el cual Sharon muestra una fuerza aún mayor, fruto de su evolución y de una identidad más definida. Su último disco hasta la fecha es "Soul time!" (2011), compilación de rarezas y caras B.

Temas imperdibles son This Land is Your Land, Got a Thing on my Mind, Genuine, 100 Days 100 Nights, If You Call, Better Things to Do, Give me a Chance, Something's Changed... entre tantos otros.

Varios miembros de los Dap Kings fueron además los músicos de estudio del "Back to Black" de Amy Whinehouse, y algunos de ellos (entre ellos Bosco Mann) están de forma paralela en el grupo Menahan Street Band (muy recomendables), que mantienen parte de la esencia de los Dap Kings.

Todos sus discos y temas dan buena muestra de la gran calidad de la banda, la elegancia y nivel interpretativo, y también la enorme fuerza y personalidad de su cantante, una auténtica diva del soul cuya voz encaja a la perfección con las composiciones del señor Bosco Mann.

Sharon Jones se dio a conocer hace una década, ya que antes no tuvo la oportunidad de grabar como solista. Durante su vida cantó en coros gospel, acompañó a algunos artistas y trabajó durante años como funcionaria de prisiones (no sé por qué no me sorprende demasiado... escúchala y admírala en directo y probablemente entenderás por qué).

Uno de los vídeos que os enlazo, aunque no es el mejor tema (al menos melódicamente, porque rítmicamente es un cañón), es una magnífica muestra de la energía que desbordan Sharon Jones y los Dap Kings. ¿No es fantástico escuchar este sonido a día de hoy? Si no supiésemos nada del grupo y los escuchásemos por primera vez, podríamos pensar que es una grabación de hace décadas, tan 'James Brown'.

Este tema es Soul Train (como el programa de televisión americano que estuvo décadas en activo, presentando artistas de soul, R&B y funk entre otros estilos), donde nos invitan a coger ese Tren del Soul, viajando junto a ellos parada tras parada (con baile del pollo incluído).

No aparece en ninguno de sus discos, y sinceramente, no consigo averiguar si es composición propia del grupo o es una versión (al final de este tema podemos escuchar parte de When I come home, tema del grupo). Si alguien lo sabe, su comentario será enormemente agradecido.
El otro video contiene su tema Genuine, energía contenida con una fabulosa línea de bajo.

¡¡Miss Sharon Jones and the Dap Kings!!

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"Pastime/Gangsta's Paradise" - Stevie Wonder vs Coolio

Ya que la entrada anterior es referida a Stevie Wonder, aprovecharé para incluir uno de sus temas en el recopilatorio de versiones de este blog. Podría poner muchos ejemplos de temas suyos versionados, hay montones de músicos que han escogido canciones suyas, pero os dejo con esta no porque la versión sea especialmente buena, sino porque habrá quienes desconozcan el tema original y solo hayan escuchado el más moderno. 

Si hablamos de Coolio, seguramente nos venga a la cabeza Gangsta's Paradise (1995), que fue el tema principal de la película "Mentes peligrosas". Con él consiguió un grandísimo éxito en su momento, vendiendo millones de copias de este single. Este tema está basado en Pastime Paradise (1976) de Stevie Wonder, que como curiosidad, fue uno de los primeros temas en utilizar un sintetizador para imitar a una sección de cuerdas.

La base rítmico-armónica y las melodías son prácticamente las mismas en ambos, aunque la letra es diferente. El original trata sobre la nostalgia del pasado y la búsqueda de un nuevo futuro, y la versión de Coolio, que incluye partes rapeadas (colaboró el rapero L.V.) habla sobre la dureza de la vida en las calles y la violencia.

Esta versión de Coolio tiene, a su vez, una versión-parodia hecha por el incansable Weird Al Yankovic, llamada Amish Paradise, por la que tuvo un pequeño enfrentamiento con el rapero por derechos y autorizaciones.

Tú, ¿con cuál te quedas?

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Stevie Wonder - El chico de los hits

¿Quién no conoce a Stevie Wonder? Un talentoso músico, de sonrisa permanente, que cuenta con una impresionante carrera a sus espaldas (y que aún sigue en activo), convirtiéndose en referencia para muchos.

Con 5 años ya tocaba la armónica y el piano. El fundador de la Motown lo fichó a principios de los sesenta cuando tenía tan solo 11 años, un chaval con el ritmo fluyendo por las venas y una fabulosa voz. Fue rebautizado artísticamente como Little Stevie Wonder (maravilloso, sí), y poco después pasó a llamarse simplemente Stevie Wonder.

Con un sonido que fusiona estilos diversos, como soul, funk o R&B, comenzó interpretando canciones de otros autores hasta que en los setenta empezó a grabar composiciones propias. También comenzó en esa época a tocar prácticamente todos los instrumentos que aparecían en sus discos: voz, piano y teclado, sintetizadores (bastante inusuales en la época), armónica o batería, encargándose también de la composición, arreglos y la producción musical. Comenzaba una nueva etapa para Stevie Wonder, donde no paraba de crecer en un constante flujo creativo.

Tiene más de 20 discos a sus espaldas, la gran mayoría grabados en los sesenta y los setenta, cuando aún no había cumplido los 30 años de edad. Coleccionista de premios, entre ellos nada más y nada menos que 25 Grammys, de los cuales 14 los ganó en un período de sólo 4 años (dejemos al margen lo que pueda representar un premio Grammy; cuántos artistas de primera ni siquiera han optado a ello... pero no hay que dejar de reconocerlo, en este caso sí hablamos de un músico con mayúsculas).

Una clara muestra de su talento son discos como "For once in my life" (1968, con el que, podríamos decir, da comienzo esa segunda etapa musical más personal y con más identidad), "Music of my mind" (1972), "Innervisions" (1973) o "Fulfillingness' first finale" (algo así como "Primer final de la plenitud", de 1974).
Y el doble-triple disco (dos LP con un EP) "Songs in the key of life" de 1976, muy esperado por el público y sobre todo por su discográfica, la Motown, que había firmado con él un contrato de 13 millones de dólares (la mayor cantidad pagada hasta el momento). La espera valió la pena, ya que es uno de los discos con más éxito de los setenta).

Numerosos temazos, entre los que cabe destacar Superstition, Higher Ground, Master Blaster (Jammin'), Living for the City, I Wish, Signed Sealed Delivered I'm Yours, Isn't She Lovely, For Once in My Life, Pastime Paradise, You Are the Sunshine of My Life, Uptight, You've Got it Bad Girl, I Just Called to Say I Love You o I Was Made to Love Her, entre muchos otros.

Os dejo con el exitazo Superstition, en un genial vídeo del mítico programa Soul Train, donde podemos ver el poder de su música para mover al público (¡eso sí que es bailar!) y con Master blaster (Jammin'), jugando con el reggae como homenaje a Marley.

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Hiromi Uehara - Energía desbordante

Bajo una apariencia delicada y frágil, nos encontramos con un torbellino: Hiromi es pura energía, potente y al mismo tiempo sensible y emotiva. Esta formidable pianista japonesa despliega una brillante técnica sin dejar de lado la expresividad en sus composiciones e improvisaciones (ni su sonrisa durante sus interpretaciones).

Sus temas abarcan distintos estilos, hay de todos los colores, lejos de clichés y música predecible: acelerados y rítmicos con aires de ragtime o stravinskianos, lentas baladas jazzeras, tintes más clásicos, sonoridades de videojuego manga, otras con toques de rock progresivo casi inclasificables...

Desde muy joven ha tocado música 'clásica' y jazz, estudiando con Óscar Peterson y Ahmad Jamal, y con solo 17 años ya tocaba con Chick Corea.

Hasta la fecha tiene publicados 7 discos: cuatro como Hiromi, dos como Hiromi Sonic's boom (¡y tanta explosión sónica...!) y uno con su nueva formación, The Trio Project. Una carrera muy prometedora a la que, esperemos, aún le quede un largo recorrido.

He escogido Edge, del disco "Spiral" (2006), que nada más escucharla me atrapó con su inquietante ritmo y cambios de acentuación constante, ¡exquisito! En este enlace podréis verla en una actuación en directo. También os dejo con Reverse, del mismo disco y con la misma esencia. E igualmente espectacular.

Abróchense los cinturones...

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