Miles Davis es uno de los grandes músicos que ha conocido el mundo, y sin duda, su disco "Kind of blue" es uno de los pilares del jazz, una joya que marcó un antes y un después en la historia de la música.
Miles tenía una larga experiencia como músico de jazz desde muy joven, acostumbrado a tocar complejos temas, con numerosos cambios de acordes a gran velocidad. Pero encontró algo nuevo para el jazz de la época, una manera diferente de concebir la creación musical y la improvisación: el jazz modal, dando una mayor importancia a la creación de líneas melódicas basándose en escalas y dejando más a un lado las progresiones típicamente beboperas e improvisaciones con arpegios que marcaran los cambios.
Así, casi sin saberlo, estableció unas nuevas bases para el jazz posterior, inspirando a músicos de distintos géneros durante décadas.
Para la grabación de este disco, Miles tenía la esencia de los temas y qué quería en cada uno, pero apenas les dio material previo a los músicos, solo algunas líneas y pautas, y les pidió que no ensayaran demasiado antes de tocar juntos. Se reunieron en el estudio en 1959, Miles les comentaba cómo plantear cada tema y... ¡directos a grabar!
Esto podía haber dado lugar a numerosos problemas y dificultades entre los músicos, pero durante las dos sesiones hubo un gran entendimiento, una conexión y comunicación sublime, y por supuesto, mucho talento reunido bajo el mismo techo. Grandes músicos que conectaron bajo una nueva forma de entender el jazz.
Las composiciones de Miles Davis cobran una vida especial gracias a la perfecta conjunción de estos músicos: él con su particular y evocador sonido de trompeta, unas líneas fascinantes y un cuidado uso de la sordina; John Coltrane al saxo tenor y Cannonball Adderly al alto, impregnando el disco de calidez, muy inspiradores. Bill Evans al piano, elegante, equilibrado y como siempre deslumbrante; Paul Chambers al contrabajo, con gran presencia en cada una de las líneas; y Jimmy Cobb a la batería. Wynton Kelly participó en Freddie the freeloader al piano.
Sus cinco temas (pocos, pero que suman 45 minutos) conforman una obra maestra que está llena de equilibro y buen gusto. So What abre el disco, con su característica línea de bajo, alimentando nuestros oídos y atrapándonos desde
el comienzo. Le siguen Freddie Freeloader, Blue in Green, All blues y Flamenco Sketches. Todas composiciones de Miles, excepto Blue in green y Flamenco Sketches, que compuso junto a Bill Evans.
Este disco ha sido el más vendido de la historia del jazz, y si quieres sentir por qué, no tienes más que escucharlo y caerás rendido a esta exquisitez musical. Como muestra So what, un estupendo ejemplo del color modal, cálido y de calidad.
16 compases de D dórico, 8 de Eb dórico y de nuevo 8 de Dm. Y con esto, los músicos crean una delicia como esta. Relajaos y disfrutad.
Grauzone (Zona Gris en alemán) es un grupo suizo de música electrónica que formó parte de la Nueva Ola Alemana, movimiento surgido en los ochenta donde todos los grupos cantaban en alemán (algo novedoso en esa época, ya que la mayoría de los grupos alemanes cantaban en inglés).
Formado en sus inicios por Martin Eicher (voz, guitarra y sintetizadores), Marco Repetto (percusión) y GT (bajo), más tarde se unieron al grupo el hermano de Eicher, Stephan (guitarra y sintetizador), Ingrid Berney (bajo) y Claudine Chirac (saxo). También añadieron efectos de iluminación y un proyector de super-8.
Tuvieron una brevísima carrera musical, estando en activo tan solo desde 1980 a 1982. Obtuvieron una gran fama en 1981, al editar el temazo Eisbär (Oso polar), que se ha convertido en un himno que aún hoy suena con tanta fuerza como antaño, y que continúa llenando las pistas de baile, sobre todo tras haber sido recuperado y versionado por muchos Djs.
Un tema con una concepción, podría decirse, bastante minimalista: una caja de ritmos, guitarra, una melodía simple entonada por una voz que se muestra bastante fría y algo ruda, y en cuyo comienzo nos evocan los vientos árticos. Un tema que no ha caducado y que se ha convertido en todo un clásico. Apareció por primera vez en el recopilatorio "Swiss Wave - the album", con grupos en este caso de la Nueva Ola Suiza.
En 1982 recorrían los ambientes underground haciendo conciertos, de los cuales muchas veces el público salía muy decepcionado porque el grupo no quería tocar su gran éxito, ya que preferían experimentar haciendo improvisaciones y tocando otros temas. Un miembro del grupo ya lo dijo una vez: "Si quieren escuchar Eisbär, que se compren el disco". Más claro agua.
Así, el grupo, al que el éxito no le había gustado demasiado y que no quería basarse en las exigencias comerciales, acabó disolviéndose en 1982.
Pero no debemos pensar que Grauzone fue un grupo de un solo éxito, ya que tienen otros grandes temas como Film 2, Wütendes glas o el electrizante Raum, todos basados en ritmos marciales con melodías simples pero de una increíble fuerza.
Aquí está la visionaria y legendaria Eisbär. ¡¡Quiero ser un oso polar!!
Las Ciruelas Eléctricas (por suerte ya no traducimos en España todos los títulos de los grupos ni las canciones, como hace unas décadas) son los responsables de algunos de los temas más emblemáticos de los años 60 en el ámbito de la música garage y el pop-rock psicodélico.
Su primer disco tuvo una gran relevancia, el homónimo "Electric Prunes" (1967), donde se encuentran sus dos mayores éxitos, I had too much to dream (last night) y Get me to the world on time. Además de estos temas aparecen otros también grandes como Are you lovin' me more (but enjoy it less), Bangles o Train for tomorrow. Con este disco influyeron notablemente en los grupos psicodélicos y de garage rock de la época.
Su segundo disco, "Underground" (del mismo año) tenía un sonido más 'ácido' y algo más oscuro, y la mayoría de los temas eran composiciones suyas (en el disco anterior la mayor parte de los temas fueron compuestos para ellos). Aunque no tuvo ningún gran hit como el anterior, suena consistente y elaborado, con buenos temas como Dr. Do-Good, The Great Banana Hoax o Hideaway. Los resultados de las ventas no fueron como los del primer disco.
A partir del tercer disco todo cambió para Electric Prunes. Su música fue totalmente diferente, y de hecho, la agrupación también. En este trabajo estaba como productor un tipo llamado David Axelroad, que quiso dar un giro al estilo del grupo. Para conseguirlo se le ocurrió la idea (bastante surrealista de primeras) de hacer una misa psicodélica, con motivos religiosos, letras en latín y melodías con canto gregoriano (lo típico, vamos...). Los miembros del grupo fueron abandonando el proyecto durante la grabación ya que, según ellos, como músicos de garage que eran no estaban a la altura de las ideas de su productor. Así que Axelroad, que tenía los derechos del nombre legal de Electric Prunes, se valió de músicos de estudio y de los miembros de otro grupo, The Collectors, para terminar el álbum: "Mass in F minor"(1968).
Así que realmente esto no sería un álbum puramente de Electric Prunes, más allá del nombre y de lo que quedara registrado de sus grabaciones. La verdad que es un disco cuanto menos curioso, muy interesante por su peculiar concepción y restultado. Aunque puede resultar demasiado ¿excéntrico? hay partes muy aprovechables, como el Kyrie eleison, que aparece en la película "Easy Rider", de la misma época.
Lo poco que quedaba del grupo en "Mass in..."desapareció por completo después de esto. Sacaron otros dos discos en 1969 con la nueva formación, y después de treinta años inactivos volvieron al ataque en 2001, sacando desde entonces tres discos más.
Así, estamos ante un grupo que comenzó fuerte con éxitos potentes, pero que rápidamente se evaporó hasta convertirse en otros Electric Prunes (en el sentido más literal de la palabra 'otros'...). Vale la pena escuchar sus dos primeros discos, una excelente muestra del sonido garage y psicodélico de esos años, y la peculiar embarcada de la Misa.
Os dejo con Get me to the world on time. Quería poner una actuación en vivo (aunque no en directo) para que les viérais en acción, con sus pelos de playmobil y el look de James Lowe (voz) al más puro estilo 'novio de Barbie' (estética de la época, es lo que había). Pero la calidad de audio es demasiado mala, así que enlazo uno del disco.
Y para que degustéis un poco de su proyecto de la Misa, el Kyrie Eleison.
Cake es uno de estos grupos de difícil clasificación. Formado en 1991, su música combina estilos muy diversos, como el rock, country, pop, indie... Una línea de bajo muy clara y definida, detalles de trompeta que aportan cierta frescura, y unas melodías vocales de peculiar vocalización y muy lineales, entonadas a la manera del canto-hablado.
La contra que tienen Cake es que hay demasiado contraste entre la calidad de sus temas: tan pronto encontramos temas buenos y con gancho, como
escuchamos otros que no pasan de ser 'interesantes' (o ni siquiera
eso...). Por supuesto, es una percepción personal, ya que actualmente es
un grupo muy valorado y que cuenta con un gran reconocimiento, sobre
todo en Estados Unidos, donde ocupan altos puestos en las listas y
muchos de sus temas aparecen en series de televisión y películas. Pero personalmente, no creo que sea un grupo que pueda realmente sorprendernos con cada trabajo que hagan.
Durante su trayectoria, ha habido unos cuantos cambios en su formación, pero siempre liderados por el cantante John McCrea, miembro tan identificativo de la banda.
El primero de sus seis discos de estudio (hasta el momento) fue "Motorcade of Generosity", de edición y distribución propia, y que posteriormente fue relanzado en 1994 por una discográfica. En él se aprecia ya el guitarreo, trompeteo y melodías característicos, aunque con un sonido más country y ranchero que en sus discos posteriores. Algunos temas rescatables son You part the waters, Haze of love o Is this love?.
El verdadero reconocimiento de Cake surgió en 1996 con su disco "Fashion nugget" (de lo mejor del grupo). Con buenos temas como The distance, la versión del tema de Gloria Gaynor I will survive, Race car Ya-yas, Frank Sinatra, Nugget o Friend is a four leter word.
En 1998 presentaron"Prolonging the magic", a mi parecer, menos elaborado que el anterior, y con menos temas realmente buenos, entre los que extraería algunos como Never there, Where would I be o Hem of your garment.
En su cuarto disco presentaron un trabajo de nuevo interesante, "Comfort eagle"(2001), con un carácter más rítmico y con algo más de potencia (siempre dentro de una contención considerable). Canciones como Commissioning a Symphony in C, Long line of cars, Comfort Eagle, Love you madly o Arco arena (prácticamente instrumental). Short skin/long jacket tiene un videoclip bastante curioso: en él
se muestra la canción a distintas personas de la calle a través de unos
cascos de música, y mientras lo escuchan dan su opinión o hacen sus
comentarios al respecto (podemos ver reacciones muy diversas: personas
entusiasmadas, que sonríen, bailan o mueven la cabeza al ritmo, u otras
personas más críticas y reacias...). Bueno, probablemente esté preparado
y no sean reacciones reales, pero ciertamente es original (y en momentos
el tema recuerda demasiado al Sweet Jane de Lou Reed...).
La primera vez que escuché su siguiente disco, "Pressure chief", de 2004, fue como si ya hubiera escuchado la
mayoría de esos temas. No es que sean malos o resulte un
mal disco, pero no sorprende, no aporta nada nuevo ni temas que, aunque mantuvieran la línea anterior, tengan cierto interés. A principios de este mismo año han presentado nuevo disco, "Showroom of compassion". Aún no he tenido ocasión de escucharlo con mucha atención ni exprimirlo, pero su sonido está bastante cambiado, y sinceramente, me ha dejado bastante indiferente una vez más. De él rescataría apenas un par de temas, nada especialmente reseñable.
Os dejo con Long line of cars y Friend is a four leter word. Una anotación: four-letter word hace referencia a una palabra que puede
considerarse vulgar u ofensiva, como palabras escatológicas, sexuales...
(tales como cunt, dick, cock, fuck, piss, butt... todas de cuatro
letras). Así es como sienten Cake la palabra 'amigo' cuando ella
se la dice, como una de esas palabras de cuatro letras, y 'end', el
final de la palabra, es la única parte que realmente tiene sentido...
Espero que no sigan conformándose con hacer temas 'decentes' y 'pasables', y compongan algo que pueda perdurar más allá de unos minutos, porque sus ideas son buenas, pero quizá no cómo las desarrollan. ¿Vosotros qué opináis?
REM (que tomaron el nombre de Rapid Eye Movement, una fase del sueño), se han convertido en uno de los grupos claves de la historia del rock. Con 15 discos a sus espaldas hasta el momento (sin contar recopilatorios ni directos) han demostrado que hacen música de calidad, y muchos de sus temas se han convertido en clásicos del siglo XX. Es complicado etiquetarlos en un estilo concreto; sonarán más o menos rock, más o menos folk, más íntimos o más cañeros, pero durante décadas han conseguido seguir manteniendo su sonido REM, a pesar de las ligeras variaciones de estilo según la etapa de su carrera.
Durante mucho años fueron un cuarteto (posteriormente trío), formado por Michael Stipe (voz), Mike Mills (bajo, teclado y coros), Bill Berry (batería) y Peter Buck (guitarra). Su sonido es una mezcla de rock y pop con toques folk y country (sobre todo en sus comienzos), y son características sus líneas melódicas, que tienen una identidad única gracias a la inconfundible voz de Stipe.
Hablar detenidamente de cada uno de sus discos sería un trabajo demasiado largo y complejo, así que haré un rápido recorrido sobre su trayectoria, llena de discos que fueron viendo la luz con poco tiempo de diferencia entre uno y otro, y que son una clara muestra de la evolución del grupo durante unos 30 años.
Su primer disco"Murmur" (1983) recibió muy buena acogida. Sonaba muy fresco, con grandes temas como Catapult, Radio free Europe, We walk o 9-9. Al año siguiente publicaron "Reckoning", un disco rítmico con bastante fuerza (So. Central Rain o Pretty perssuasion son algunos de sus temas). Continuaban a toda velocidad sacando un disco por año: "Fables of reconstruction" (1985) seguía la misma línea que los anteriores aunque algo más tranquilo: contiene muy buenos temas como Maps and legends, Driver 8 o Crazy.
Sin perder las buenas costumbres, un año después llegó "Lifes rich pageant", considerado por muchos como uno de los mejores discos de los 80. Más rockero que el anterior y con un sonido que empieza a definir más claramente el 'color REM': Superman, Cuyahoga o Fall on me son algunos de sus temas.
En 1987 sorprendieron con el gran disco "Document", donde aparecen los clásicos It's the end of the world as we know it y The one I love. En ese momento, REM ya eran muy reconocidos y valorados, y contaban con una gran cantidad de seguidores.
Con "Green" (1989) ficharon para la multinacional Warner Bros (con la que siguen hasta ahora), y ya se situaban en lo más alto de los grupos del momento. En él podemos escuchar Orange crush, I remember California o Stand.
Es entonces cuando comienza una nueva etapa para el grupo (a mi parecer, en la que sacan sus mejores discos, consiguiendo un sonido puramente suyo, tan característico y lleno de vitalidad). "Out of time" (1991) es algo más tranquilo y elaborado que los anteriores, y cuenta con temas que son ya símbolo del grupo, como Losing my religion o Shiny happy people (junto con Kate Pierson, cantante de B-52s, que colabora en otra de las canciones del disco). Otros menos conocidos, pero también muy buenos temas de este disco son Texarkana, Low o Radio song.
Al año siguiente sacaron el discazo "Automatic for the people" (uno de sus mejores discos), más delicado y tranquilo, absorvente y puro, con auténticos temazos (muchos de los cuales son ya míticos) como Drive, Everybody hurts, Try not to breathe, Man on the Moon o The sidewinder sleeps tonite. Por cierto, este disco fue arreglado por el mismísimo John Paul Jones, bajista de los Zeppelin.
Y en 1994 sacan el que, para mí, es su mejor disco junto con el anterior: el increíble "Monster", que contrasta totalmente con el sonido acústico y tranquilo de los anteriores. En "Monster" hay un carácter más rockero y abunda la distorsión, dando un sonido verdaderamente peculiar a cada canción (ya no solo suena 'a Rem', sino a 'Monster'). Temazos como What's the frequency Kenneth, King of comedy, Bang and blame, Circus envy, Crush with eyeliner... Vamos, que ninguno de los temas del disco tiene desperdicio, creedme. Un sonido intenso que llega directo a las entrañas para conquistarnos a la primera escucha.
Comienzan entonces una grandísima gira mundial, después de más de cinco años sin hacer ninguna, y la cual tuvo que interrumpirse debido a un cúmulo de problemas de salud que sufrieron los miembros del grupo: Berry sufrió una aneurisma cerebral, Mills tuvo que operarse para quitarse un tumor intestinal y Stipe fue operado de una hernia. Afortunadamente, todos se recuperaron y posteriormente continuaron con la gira.
En 1997 REM presentaban "New adventures in Hi-Fi". Reconozco que en un principio fui bastante reacia a este disco, infravalorándolo y dejándolo en un segundo plano. Probablemente se debió a que "Monster" era tan potente, tan absorvente y único, que esperaba un carácter parecido, pero en cambio era muy diferente (dejándome indiferente). Con canciones de estilos muy variados que, reconozco, me ha ido gustando más con los años. A día de hoy, puedo decir que tiene buenos temas como Binky the doormat, New test leper, Undertown, Leave o Bitersweet me.
En ese momento, Berry dejó el grupo (al parecer por la necesidad de reposo tras su enfermedad pasada y por la falta de motivación para continuar con giras y discos) y se marchó con su familia a vivir una vida más tranquila. A partir de ese momento, REM pasa a ser un trío, contando con baterías externos para grabaciones y directos.
"Up" (1998) surgió con un sonido más experimental que el que habían tenido hasta el momento (al margen de sus ligeros cambios estilísticos), menos tradicional y con un mayor empleo de sintetizadores. Aunque en su día me ocurrió igual que con el anterior, decepcionándome en sus primeras escuchas (probablemente por mi ansia de escuchar otro "Monster"), es otro buen disco, con canciones como Lotus, At my most beautiful, You're in the air o The apologist.
En los años siguientes publicaron "Reveal" y "Around the sun", discos que me dejaron (y aún hoy me siguen dejando) indiferente, con algún tema que puede resultar interesante, pero poco más, no dejaban una huella especial.
Empezaba a penar que REM iban a ir disipándose poco a poco hasta perderse en la nada, con un montón de nuevas canciones que iban a sonar siempre a lo mismo, como si fuera una misma cancion standarizada que modificaban un poco pero sin nada importante que aportar. Por suerte, cuando escuché su siguiente disco, "Accelerate" (2008) me alegré bastante porque el carácter de REM iba
de nuevo más allá de las baladas insulsas y excesivamente monótonas de los
últimos discos, era más potente, algo más furioso y parecía que tenían algo que contar. Tengo que escucharlo un poco más, y aunque como digo, me ha dado ciertas esperanzas de poder revivir el sonido REM de antaño, tampoco me ha enganchado completamente en su primera escucha.
Muy recientemente ha visto la luz "Collapse into now" (2011), el cual no he tenido ocasión de escuchar aún. ¡Si lo has catado ya, te animo a comentarlo!
Así que, viendo esta extensa producción musical y abarcando estilos algo diversos, es realmente complicado escoger solo dos de sus temas para ponerlos como muestra (bueno... todos les habéis escuchado seguro, aunque no sepáis que son ellos).
Por un lado, pondré uno del álbum "Monster", teniendo en cuenta que rompió bastante con lo que venían haciendo hasta el momento y que para mí es su mejor disco. Cualquiera sería una buena muestra; escojo el que abre el disco, What's the frequency Kenneth, el que me dio la vuelta a la cabeza nada más meter el cd en el radiocassette.
Y para que escuchéis uno que camine más cercano a su, digamos, estilo general, The one I love, un tema con una estructura sencilla y pocos cambios, pero que muestra muy bien la esencia del grupo. Os invito a adentraros en su música para que sintáis su recorrido desde vuestra propia percepción. Porque ya sabemos: para gustos, los colores.
Para continuar este compendio de imperdibles, qué mejor opción que hablaros del increíble concierto que dieron Primus en el Azkena Rock Festival de Vitoria el pasado 24 de junio. Como era de esperar, estuvieron impresionantes.
Es la primera vez que los veo en directo, y sinceramente, pensaba que nunca llegaría a hacerlo, después de tantos años con una actividad tan irregular. Somos muchos los fervientes seguidores de esta banda que durante años hemos gozado con su tan particular estilo y los hemos defendido alzándolos como uno de los grandes grupos de la historia del rock, aunque su música tiene también elementos metaleros o funk. Pero también hay muchos a los que su sonido no les atrae en absoluto, o a quienes les parecen aburridos o demasiado incoherentes.
Ley Claypool, eje fundamental de Primus, nos deleitó con su voz gangosa y nasal, con su creatividad desenfrenada y virtuosismo a las cuatro cuerdas; Larry Ler Lalonde con sus guitarreos y punteos tan característicos; y los pontentes ritmos de Jay Lane, batería original que ha regresado al grupo.
Claypool fue el alma del concierto, y además del bajo tocó el contrabajo eléctrico y la impactante whamola: una especie de contrabajo con una sola cuerda que se golpea con una baqueta, mientras con la otra mano se maneja una palanca que cambia la tensión de la cuerda y, así, su afinación. Había visto a Les tocarlo en más ocasiones, pero fue maravilloso verlo en directo ataviado además con una máscara de cerdo...¡momentazo!
Tocaron temas nuevos del disco que saldrá a la luz en unos meses, "Green Naugahyde", y como era de esperar (y para deleite de nosotros sus seguidores de tantos años) otros ya míticos pertenecientes a discazos como "Pork soda", "Sailing the seas of cheese" o "Suck on this": Here come the bastards (con el que arrancó el concierto), el esperadísimo My name is Mud, John the fisherman, Tommy the cat... Faltaron muchos otros, sí, pero son tantos temas emblemáticos que necesitaríamos una maratón primusiana para poder escucharlos todos, y además tenían que presentar material de su próximo disco. El concierto duró unos 70 minutos, que por cierto, pasaron volando.
Primus hicieron que valiera la pena asistir al festival. Yo fui expresamente para verlos a ellos, aunque hubo también actuaciones de otros grupos de gran calidad, como Queens of the Stone Age (que deleitaron con un magnífico concierto) o
Bad Brains (muy auténticos, después de más de 30 años tocando). También estuvieron Ozzy Osbourne y Rob Zombie, junto a sus fieles seguidores.
En mi cámara quedaron registrados algunos momentos del concierto de Primus (gracias a mi querida amiga Caroline, que grabó momentos del concierto mientras yo no paraba de saltar y bailar, absorbida por la energía y talento de estos músicos, ¡gracias!). La calidad no es muy buena, pero ahí queda.
Os dejo con una de estas grabaciones: uno de los nuevos temas que más me gustó del concierto, que finalmente, tras mucho buscar en internet (probando y probando, "she won't be coming back for holidays"...), encontré su nombre: Jilly's on smack, una gran muestra de lo que podrá ser su próximo y esperado disco.
Os enlazo también un video del mismo concierto donde podéis verle en acción con la whamola. ¡Concierto inolvidable!
