Aunque de primeras pueda no sonaros en absoluto esta canción, seguro que todos los que habéis visto"El silencio de los corderos"no la habéis olvidado desde entonces, ambientando la mítica escena donde Buffalo Bill se desea a sí mismo mientras se maquilla y se mira frente al espejo, bailando como una mariposa bajo su deseo de transexualidad.
La canción, escrita por William Garvey, fue interpretada por Q Lazzarus, una cantante (sí, habéis leído bien, UNA cantante) con voz profunda, de tesitura bastante grave, de la que se conoce muy poco. Antes de dedicarse a la música era taxista en Nueva York y según parece (cosas de la vida) un día subió al taxi Jonathan Demme (director de la película) y fue ahí donde escuchó una demo de la canción.
Q Lazzarus es conocida principalmente por este tema, Goodbye horses, que salió a la luz en 1988 en la película "Casada con todos", también de Demme. Después de aparecer en 1991 en "El silencio de los corderos" fue relanzado como single en una versión extendida. En esta película formó una parte indispensable para la concepción de esa increíble escena, gracias a la oscuridad de su sonido y a la temática tan profunda y en cierto modo compleja de la letra.
Es curioso que las pocas canciones que podemos encontrar de Q Lazzarus aparezcan precisamente en cuatro películas del mismo director: además de las dos mencionadas, podemos encontrar el tema The candle goes away en la película "Algo salvaje" y la versión de un tema de Talking Heads, Heaven, en la película "Philadelphia" (donde podemos verla cantándola mientras Tom Hanks y Antonio Banderas están bailando juntos). Otro de sus temas es White lines, que aparecía en la cara-b del vinilo de Goodbye horses.
Estamos ante un grandísimo tema que se ha convertido en icono para muchos, inolvidable, oscuro, profundo e hipnótico, imposible de olvidar. Aquí tenéis la versión extendida. Absolutamente imperdible.
Hoy quiero hablaros de The Sound, un excelente grupo inglés que a pesar de haber estado muy a la altura de los grandes músicos de los ochenta obtuvieron un mínimo reconocimiento, siendo siempre infravalorados y estando a la sombra de otros grupos de aquellos años (excepto en Holanda y Alemania).
Pertenecientes a la corriente del post-punk de los ochenta, poco a poco fueron acercándose a la new-wave y el pop. En su música podemos encontrar profundas melodías, unas suaves y tenues y otras más agresivas y potentes, todo cubierto de un halo de melancolía y sensibilidad que apasiona y atrapa. Sus letras son demoledoras, en las que se habla de miedos, temores, angustias y deseos del ser humano.
Surgieron en 1979 como una evolución del grupo punk The Outsiders, liderados por Adrian Borland (voz y guitarra). Después de grabar un Ep, The Sound sacó en 1980 su primer álbum, "Jeopardy", un enérgico disco cercano al post-punk de los Outsiders, pero donde ya se empezaba a notar el singular carácter del grupo. En él encontramos grandes temas como Heartland, I can't escape myself o Unwritten law.
Al año siguiente grabaron "From the lions mouth", un disco brillante y potente, imprescindible tanto para los amantes de la música de los ochenta como para los que no lo son. A pesar de contener buenísimos temas como el intenso Winning, Sense of purpose, Possession, The fire o Contact the fact, no obtuvo tampoco éxito.
La discográfica del grupo, Korova (con quienes grababan los aclamados Echo & the Bunnymen) les exigió que para su siguiente disco tenían que conseguir un sonido más comercial y llegar a las masas, ya que las ventas dependían del gran público. Pero The Sound no se dejaban manipular así como así y grabaron en 1982 su nuevo disco, "All fall down", donde se alejaban totalmente de lo que les había pedido la discográfica: era un álbum con una sonoridad más compleja, oscura y áspera, y que surgía como respuesta a esas exigencias comerciales. El disco tuvo muy pocas ventas, y claro, ese fue su final en la discográfica. En él hay joyitas musicales como Party of my mind, Red paint o Calling the new tune.
Tras "All fall down", The Sound firmó con otra discográfica independiente y sacaron su cuarto disco en 1985: "Heads and hearts", algo más flojo que los anteriores.
Por estas fechas los problemas mentales de Borland se iban acentuando: tenía un trastorno esquizoafectivo, es decir, sufría un trastorno anímico con profundas depresiones y brotes psicóticos. Éstos se ven en cierto modo reflejados en sus composiciones de estos años en adelante, con obras más frenéticas, 'tortuosas' y melancólicas, tanto las letras como la música.
The Sound sacaron en 1986 un doble disco grabado en directo, "In the Hothouse", y tras quebrar su compañía discográfica y fichar con una belga, editaron el último de la banda, "Thunder up"(personalmente, junto con "Heads and hearts", los más 'pobres' en cuanto a sonoridad y fuerza). Seguían tocando en locales alternativos, pero su merecido reconocimiento no llegaba.
La salud mental de Borland seguía empeorando, teniendo incluso que cancelar varios conciertos ese año, hasta que finalmente el grupo se disolvió en 1988. Pero la imparable creatividad de Borland hizo que continuase su carrera en solitario, grabando cinco discos más, aunque sin conseguir que se fijaran en su música. Y finalmente, un trágico final, ya que Borland se suicidó en 1999 arrojándose a las vías de un tren.
Pero entonces ¿qué falló? ¿Qué le faltaba a The Sound para poder estar en un mejor lugar y no en un constante segundo (o tercer) plano? ¿Influiría su falta de imagen 'prediseñada'? Es algo que no es imprescindible pero sí muchos grupos se benefician de ella para darse a conocer, alimentando también la vista... ¿O su admirable decisión de anteponer sus ideas y proyectos a los intereses comerciales de las discográficas?
En cualquier caso, aunque su éxito fuera modesto, ahora está aquí, en nuestras casas, en nuestros altavoces. Escuchémoslos y demos el valor que merecen. Os recomiendo especialmente los dos primeros, "Jeopardy" y "From lions mouth".
Os dejo con Party of my mind y Winning. Que disfrutes con El Sonido...
¿Quién no conoce a Led Zeppelin? Uno de los grupos más impresionantes y fundamentales de la historia de la música, que alcanzaron un enorme (y bien merecido) reconocimiento durante sus años en activo y aún en la actualidad, y que han tenido una influencia decisiva en muchísimos grupos posteriores, siendo piezas clave en la trayectoria y evolución del rock.
Ningún grupo había despertado realmente tanta pasión en aquellos años 70. El sonido Led Zeppelin hacía reaccionar al público, poner a la gente en movimiento y desatar su energía.
A finales de los sesenta el rock sonaba cada vez con más fuerza, era rock duro, heavy rock, un preludio de lo que más tarde sería el heavy metal (que tuvo su mayor estallido a finales de los setenta y principios de los ochenta). Así, muchos grupos se decantaron por la investigación y experimentación sonora (como hicieron también King Crimson o Pink Floyd) y Led Zeppelin demostraron que el rock estaba todavía en desarrollo, que le quedaba mucho por evolucionar. Ellos crearon algo más novedoso de lo que había sido el rock hasta el momento, con un sonido en el que se fusiona rock, blues, folk o heavy (e incluso en algún momento funk y reggae), todo marcado por una gran potencia y, a cada año que pasaba, probando elementos nuevos.
El grupo surgió en Inglaterra en 1968 cuando Jimmy Page (el último guitarrista de los Yardbirds, que acababan de disolverse) buscaba nuevos miembros para formar otro grupo. Page, excelente guitarrista, tenía una gran técnica y era un reconocido músico de sesión, cuyo sonido impresionaba con multitud de riffs únicos que han sido emulados por muchos otros guitarristas.
A Page se unió Robert Plant, por entonces un casi desconocido cantante que dio al grupo un toque inigualable con una voz única llena de personalidad, y que también influyó en otros cantantes. Con un amplio registro, moviéndose normalmente por los agudos, es capaz de combinar crescendos potentes, gritos desgarrados y gemidos con melodías más suaves.
Plant fue además el autor de las letras de las canciones, que tratan temas fantásticos y místicos (las del primer disco también son suyas, pero tenía un contrato vigente y no pudo aparecer en él como autor de las letras). Poco después de unirse Plant, completaron el grupo con John Paul Jones y John "Bonzo" Bonham.
Jones era un músico de sesión que además del bajo tocaba otros instrumentos (como piano, órgano, mandolina o sintetizadores) y que aportó a Led Zeppelin una sonoridad mucho más completa gracias al uso y combinación de diferentes timbres.
Bonham tenía fama de ser el batería más ruidoso de toda Inglaterra, y aportó una poderosísima base rítmica al grupo. Una anécdota cuenta que, antes de formar parte de Led Zeppelin, en una ocasión el director de un estudio lo echó porque 'hacía demasiado ruido' y le advirtió de que así no iba a llegar nunca a ninguna parte como batería. Años más tarde, Bonham le envió una carta de 'agradecimiento' por su predicción, junto con un disco de oro del grupo.
El cuarteto que surgió así del proyecto inicial The New Yardbirds dio lugar a Led Zeppelin, quienes se convertirían en un grupo excepcional, único y de gran influencia, y en cuyos conciertos lo daban todo. Conciertos que se llenaban con masas ingentes de público, siendo de los más largos de la historia del rock (incluso de 3 y 4 horas), con canciones de extensos desarrollos (e improvisaciones) de hasta 20 minutos, donde mostraban su gran fuerza, contundencia y técnica, haciendo enloquecer al público (y siempre rodeados de sus incondicionales groupies). Se negaron a actuar en programas comerciales y evitaron las entrevistas en la mayor parte de su trayectoria.
En su discografía encontramos diez discos, sin contar recopilaciones posteriores ni ediciones especiales. Sus primeros 6 discos (hasta 1975) son verdaderamente imperdibles, y muy especialmente los cuatro primeros. En ellos muestran su gran talento, la identidad y esencia de su personal carácter. Cada uno de los temas de estos discos son una composición auténtica y exquisita.
“Lez Zeppelin”(1969) es el excelente disco con el que debutaron, el cual tuvo un recibimiento arrollador (sobre todo en EEUU, no tanto en Inglaterra). En él se notan claramente la mezcla de estilos que caracteriza al grupo, con temas fascinantes como Dazed and confused, Communication breakdown, la deliciosa y contrastante Babe I'm gonna leave you o Good times bad times. Como curiosidad, comentar que cuando iban a actuar en Dinamarca, la condesa Eva von Zeppelin, sobrina del inventor del zeppelin, se opuso a que un grupo de (como ella misma decía) 'monos chillones' utilizara el prestigioso apellido de su familia, y más aún después de ver la portada de este disco, donde aparece el zeppelin Hindenburg en llamas durante su accidente en los años 30. Así que el grupo actuó allí bajo el nombre de The Nobs.
Ese mismo año sacaron también “Led Zeppelin II”, que los consagró. Ha sido un disco muy citado por otros grupos como una de sus referencias, sobre todo los potentes riffs de guitarra, que calaron en generaciones posteriores. Magnífico, en él encontramos la ya clásica Whole lotta love, Heartbreaker, Moby Dick o Living loving maid.
“Led Zeppelin III”(1970) tiene un sonido más íntimo y acústico, más tranquilo y algo más folk. Considerado como uno de los discos más importantes del grupo, recibió críticas no demasiado buenas al principio, como las que aparecieron en su momento en la revista Rolling Stone (críticas que posteriormente fueron eliminadas de la base de datos debido a su arrepentimiento...). Contiene grandes temas como Inmigrant song, Celebration day o Out on the tiles.
Al año siguiente editaron un disco que aparece sin título ni ninguna letra que lo identifique, salvo cuatro símbolos o runas que representan a cada uno de los miembros del grupo. Ha sido uno de los discos más vendidos de la historia y es conocido como “Led Zeppelin IV”(siguiendo la cuenta...), “Runes” o“Untitled”. En él aparece uno de los clásicos más mega-clásicos de la historia del rock, la reconocidísima Stairway to heaven, además de otros temazos como Black dog, When the levee breaks, Misty mountain hop, Four sticks o Rock and roll.
Led Zeppelin seguían vendiendo muchísimos discos, consiguiendo discos de oro, un gran reconocimiento y admiración y ganando muchos millones de beneficio (merecidos, sin duda).
“Houses of the holy” (1973), aunque continúa con la esencia rock, blues y folk, incluye trazos reggae (como en el tema Dyermaker) y funk (The crunge), ampliando la sonoridad habitual. Encuentro este disco algo más flojo que los anteriores, aunque sigue siendo un disco de referencia, con otros grandes temas como Dancing days o The song remain the same.
“Physical Graffiti” (1975) es el primer disco en su propia discográfica, Swan Records, creada un año antes. Un doble disco más experimental, resultado de una búsqueda de nuevas sonoridades pero sin perder sus rasgos característicos. Además de temas nuevos, se empleó material descartado de discos anteriores: grandes temas como la impresionante y genuina Kashmir, The wanton song, In my time of dying, Houses of the holy o Custard pie.
Pero en aquel año el ritmo y las giras masivas del grupo se vieron afectadas por varios problemas: Plant sufrió un accidente de coche junto a su mujer e hijos, y Jones se rompió una mano. Aún así, no tardaron mucho en retomar el ritmo, y al año siguiente grabaron “Presence” (en el que Plant estuvo trabajando aún en silla de ruedas). En él no hay ninguna canción acústica ni teclados, y personalmente lo considero de bastante menos calidad y menos sorprendente que los anteriores. Ese mismo año se estrenó la película “The song remains the same”, cuya banda sonora es una grabación de un concierto dado años antes en el Madison Square Garden, y con la cual se editó un disco doble, titulado como la película.
En 1977 anunciaron una nueva gira que era esperada ansiosamente tanto por el público (sus conciertos continuaban rompiendo récords aplastantes de público) como por la crítica (quien los consideraba el mayor grupo de la historia del rock). Pero la gira se suspendió debido a la muerte del hijo de Plant, de 5 años.
Tras un par de años de silencio, en 1979 retomaron sus actuaciones y presentaron nuevo disco, “In through the out door”, con toques más pop y más sintetizadores, rompiendo aún más con lo que estaban haciendo hasta el momento. Les resultó difícil de terminar debido a las adicciones de Page a las drogas y de Bonham al alcohol. Contiene algunos temas interesantes como South bound saurez, All my love o In the evening.
Un año después, cuando parecía que el grupo estaba ante un nuevo renacer tocando en grandes giras, se produjo el último gran drama: Bonham muere por una intoxicación etílica. Se especulaba entonces sobre la posibilidad de que incorporaran un nuevo miembro a la batería, pero el grupo decidió que Led Zeppelin no podía continuar sin uno de ellos. Así que como tenían un contrato firmado que les obligaba a sacar un disco más, y al no querer grabar temas nuevos sin Bonham, buscaron material archivado. Así, presentaron “Coda”(1982), un disco compuesto por temas inéditos y grabaciones de conciertos, por lo que es más cercano al sonido puramente Zeppelin que sus dos discos anteriores. Temas destacables del disco son Poor Tom, Darlene, Ozone baby o Bonzo's montreux, donde escuchamos un solo de batería de 4 minutos al que Page añadió posteriormente efectos de sonido (imagino, un homenaje al entonces recién fallecido Bonham...).
Así, llegó el fin de la actividad del grupo y su disolución definitiva, pero nunca quedaron ni quedarán en el olvido. Una conjunción perfecta de talentos que nos han obsequiado con auténticas joyas musicales que forman parte de la historia de la música. Inigualables, auténticos y absolutamente imprescindibles.
No puedo despedirme sin dar las gracias a mi hermano Arturo, fiel seguidor de los Zeppelin desde que tengo uso de razón: gracias por descubrirme a este pedazo de grupo cuando aún era una enana.
Es difícil escoger entre tantos temas de tal calidad... Os dejo con Celebration day, que a punto estuvo de no aparecer en el “Led Zeppelin III” debido a un error en la grabación: se había eliminado por error el comienzo de la batería, pero pudo ser 'arreglado' usando el sintetizador que aparecía en el tema anterior. La verdad es que este resultado es atrapante, ya que cuando entra finalmente la batería resulta fulminante, el tema arranca de manera imprevisible desbordado de energía.
Y para que los podáis ver actuando en directo, la profunda Dazed and confused.
¡Tremendos!
Pocos son los que no conocen a Nirvana, trío que sorprendió poco antes de los años 90 con un estilo de rock menos convencional, más sucio y, sí, reconozcámoslo, bastante básico (el cual estamos acostumbrados a escuchar a partir de mediados de los noventa, pero que en aquellos años rompía con lo que sonaba en el panorama musical del momento).
No fueron los creadores del grunge, pero sí quienes lo hicieron mundialmente conocido, convirtiéndose en su máximo exponente. Musicalmente Nirvana fueron una gran influencia para jóvenes generaciones de grupos e incluso para grupos ya veteranos, como por ejemplo Sonic Youth, quienes les apoyaron en su crecimiento como banda. Consiguieron un importantísimo ascenso, sonando y tocando en los medios y llenando estadios, algo que no buscaban y que además no les entusiasmaba demasiado.
Es de los pocos grupos cuyos temas son todos valiosos; no hay una sola canción de Nirvana que me deje indiferente, que no me llene o me revuelva el estómago por muy tosca o 'pobre' musicalmente que sea, y eso se debe a la enorme personalidad que emana su música. Fueron una gran parte de la banda sonora de mi adolescencia (seguramente al igual que para muchos de vosotros) formando parte de mis vivencias juveniles, acompañando sus buenos y malos momentos, y quizá por esto también mi apego al grupo es tan intenso, porque los conocí en el momento perfecto.
Liderados por Kurt Cobain (de personalidad compleja y sobrepasado por el éxito) dejaron un numeroso legado de temas que hablan por sí solos sobre el gran carisma del grupo y que vieron la luz en un corto período de tiempo. A menudo los medios de comunicación se han centrado excesivamente en la vida privada de Kurt, dejando a un lado su talento y su sentido único para la música, capaz de transmitir una gran diversidad de emociones mediante un sonido crudo y aparentemente simple.
Y no solo él: no olvidemos que Nirvana era un trío, todos parte de ese sonido.
Su tema Smells like teen spirit ha sido demasiado exprimido (y
cuando digo demasiado me refiero a ¡demasiado!), y lo hemos escuchado
hasta la saciedad en multitud de medios, pero no podemos obviar que fue
un himno para los jóvenes de principios de los noventa, dedicado a la
falta de esperanza de una generación que no encontraba su camino. Y por
supuesto, no es ni de lejos lo mejor del grupo. En su breve carrera
sacaron cuatro discazos (sin contar con los discos posteriores a la muerte de Kurt).
El sonido Nirvana, posteriormente icono de la corriente grunge, surge como búsqueda de algo diferente al heavy metal, tanto en sonoridad como en actitud, con un sonido duro pero al mismo tiempo más melódico. Bebieron de influencias del rock duro de los 70, como Black Sabbath o Led Zeppelin, del punk-rock y de otros grupos como los Beatles.
Kurt tenía montones de grabaciones caseras de temas suyos que necesitaban salir de las cuatro paredes de su cuarto y a mediados de los ochenta formó un grupo con un amigo suyo, Chris Novoselic (que posteriormente pasaría a llamarse Krist). Rodeados de la decadencia de Aberdeen, su ciudad (donde había una gran tasa de alcoholismo, drogadicción, desempleo y una visión de futuro casi nula más allá de la industria maderera) empezaron a tocar por algunos locales. Chris tocaba la guitarra y Kurt la batería junto a bajistas que no eran miembros fijos del grupo. El grupo tuvo muchos nombres: Fecal Matter, Ted Ed and Fred, Bliss, Windowpane, Throat Oyster, Pen Cap Chew, Skid Row... Finalmente se decantaron por un nombre definitivo, más sencillo, contundente y sonoro: Nirvana.
En 1988 grabaron una maqueta y la mandaron a diversas discográficas independientes, siendo Sub Pop quien los fichó (los temas de esta maqueta aparecerían después en dos de sus discos, "Bleach" y "Incesticide"). En ese momento, se unió al grupo Chad Channing como batería, pasando Kurt definitivamente a la voz y guitarra y Chris al bajo, formando así las raíces de Nirvana.
Sub Pop editó un álbum ese mismo año que fue decisivo, "Sub Pop 200", donde Nirvana aparecía con Spank Thru. Recuerdo tenerlo en cinta y las emociones tan contrarias que me provocaba esucharlo: sus temas me encantaban y al mismo tiempo los detestaba, un sentimiento complejo y extraño, y la verdad es que no había escuchado nada igual hasta entonces... Este disco benefició muchísimo al reconocimiento del movimiento underground que estaba surgiendo en distintos puntos de Estados Unidos, siendo Seattle el símbolo de esta nueva corriente, posteriormente llamada Grunge. En Sub Pop estaban por entonces grupos como Beat Happening, Screaming Trees o Green River (donde tocaban miembros de los futuros Mudhoney, Temple of the Dog o Pearl Jam). Todos compartían un sonido potente y sucio, y una estética desaliñada que acompañaría a los futuros grungeros.
Al mes siguiente sacaron su primer single, compuesto por la fantástica versión de los holandeses Schocking Blue, Love buzz (el original es un temazo) y otro potente tema con gran parte de su sonido característico, Big cheese. En sus primeros conciertos, Kurt empezaba a aficionarse por romper sus guitarras en cada actuación (lo cual, la verdad, no les venía demasiado bien con el escaso presupuesto que tenían...)
En 1989 sacaron su primer disco, "Bleach", con un sonido más duro que el que tendrían más adelante, combinando la potencia y desgarro del punk con melodías más suaves y pegadizas (y un acento muy cerrado) que contrastan con estribillos fuertes y a menudo chillones, pero que a pesar de ello contienen cierta 'delicadeza'. En este disco figura el guitarrista Jason Everman (que pasó luego por Soundgarden), aunque posteriormente se ha sabido que no tocó nada en la grabación, pero que había pagado los 600 dólares que hicieron falta para grabar el disco y lo incluyeron como compensación.
En él tenemos grandísimos temas, como los mencionados Love buzz y Big cheese, Negative creep, Paper cuts, Blew, Floyd the barber, Mr. Moustache o School. Este es el origen de Nirvana: temas rabiosos y muy oscuros, junto con el delicado About a girl, popularizado posteriormente por su interpretación en el Unplugged in New York. El disco obtuvo cierto reconocimiento en el ámbito de la música alternativa, aunque nada comparado con lo que conseguirían sus discos posteriores.
En 1990 les contrató Geffen, junto al que sería el batería definitivo de Nirvana: Dave Grohl. Sacaron entonces un nuevo single con Sliver y Dive, y telonearon a sus colegas de Sonic Youth por Europa (como comenté en otra entrada, estos momentos de la gira aparecen en el imperdible documental "1991 the year punk broke").
En 1992 publicaron el mítico disco "Nevermind", que fue producido por Butch Vig (productor de numerosos grupos muy relevantes y futuro miembro de Garbage), quien se encargó de aportar un sonido más pulido y de distribuir y promocionar el disco y al grupo con su Smells like teen spirit, que se convirtió en un auténtico éxito que catapultó al grupo. "Nevermind" se convirtió en un clásico y un símbolo del movimiento grunge. En él podemos escuchar algo muy característico de la banda: el contraste entre melodías calmadas con estribillos potentes. Incluso su portada se ha convertido en un clásico, con la imagen de un
bebé nadando en el agua, como si quisiera alcanzar el billete de 1 dólar
que tiene delante.
Con este disco comenzó a producirse un cambio en el panorama musical de la época, alejándose cada vez más de la música puramente ochentera y del pop comercial, alzando el rock alternativo y el movimiento grunge. En este disco encontramos temas ya clásicos como In bloom, Come as you are, On a plain, Polly, Breed, Lithium, Territorial pissings, Drain you o la emotiva Something in the way, haciendo que se convirtiera en disco indispensable (y que por cierto, desplazó del nº1 al mismísimo Michael Jackson y su disco "Dangerous").
Nirvana odiaba toda la parafernalia comercial (lo cual es un problema si haces un disco que arrasa en ventas y tiene tantísimo éxito como "Nevermind"...) y hay numerosas muestras de ello. Por ejemplo, en una de sus apariciones en televisión tenían que actuar con Smells like... en un obligado playback instrumental, así que decidieron hacer un playback descarado y burlón, tocando como si fueran marionetas, sin tocar lo que correspondía en ninguno de los tres instrumentos y con Kurt cantando en un registro excesivamente grave; vamos, rompiendo 'el super-hit' que todo el mundo esperaba escuchar en su versión habitual.
Otro ejemplo lo encontramos en la entrega de premios de la MTV de 1992. Les pidieron que tocaran ese mismo éxito, pero ellos querían tocar Rape me (que significa "viólame"). Como no se lo permitieron, pactaron interpretar Lithium, y cuando iban a comenzar Kurt tocó los acordes iniciales de Rape me y empezó a cantarla, ante las miradas perplejas de los ejecutivos y de parte del público, aunque luego pasó al tema pactado. Como curiosidad, en ese mismo concierto, Chris lanzó el bajo al aire y al ir a cogerlo le dio en toda la cabeza, cayéndose al suelo y quedándose medio aturdido.
Como muestra del inconformismo de Nirvana con las normas de las grandes compañías, que les pedían grabar un nuevo disco al más puro estilo 'Nevermind 2', en su lugar sacaron "Incesticide" ese mismo año, un disco de rarezas y antiguas grabaciones de estudio con temazos como Been a son, Aneurysm, Son of a gun, Stain, Turnaround (versión de Devo), Molly's lips (versión de los Vaselines), Beeswax o los dos temas editados anteriormente en su single, Silver y Dive. Es un gran disco, pero seguro que no era lo que los grandes empresarios esperaban escuchar.
Al año siguiente, 1993, sacaron "In utero", mucho menos comercial que "Nevermind" y más ruidoso, mezclado por el productor Steve Albini (colaborador de los Pixies). De nuevo temas ya míticos y de calidad como Heart-shaped box, Very ape, Serve the servants, Rape me, Dumb, Milk it, Scentless apprentice, All apologies o la impactante y fascinante Frances Farmer will have her revenge on Seattle. Otro disco imprescindible lleno de temazos. Durante sus conciertos en esta época contaron con la colaboración del guitarrista Pat Smear (que posteriormente formó parte de Foo Fighters, junto a Dave Grohl), que tocaría con ellos también en el "Unplugged in New York" (1993).
A medida que Nirvana había ido ascendiendo, Kurt cada vez estaba más aislado y deprimido, yendo a contracorriente de toda esta fama y estrellato. Hacía unos años que había empezado a consumir drogas y además se casó con la insufrible, egocéntrica y manipuladora Courtney Love (se nota que me cae bien), quien le utilizó como medio para conseguir la fama que tanto había ansiado tener desde muy joven. Kurt tuvo varios intentos de rehabilitación, pero nunca acabó con su adicción a las drogas fuertes y en aquellos momentos estaba llegando a los límites.
En 1994, tras una sobredosis de heroína estando de gira, ingresó en una clínica de desintoxicación, de la cual se escapó para volver a su casa de Seattle, donde apareció muerto por un disparo de escopeta con tan solo 27 años. La causa oficial fue el suicidio, aunque hay muchas teorías en contra de esto, asegurando que fue asesinato (podéis encontrar libros y documentales al respecto), pero en esta entrada voy a centrarme en lo musical. Así que... continuamos.
El mismo año de la muerte de Kurt salió a la venta el "Unplugged in New York" (grabado un año antes), un concierto acústico donde tocan versiones de diversos grupos: de los Meat Puppets, que colaboran tocando con ellos en el concierto (Lake of fire, Oh me y Plateau), de David Bowie (The man who sold the world), de los Vaselines, de los cuales habían hecho ya algunas versiones en discos anteriores (Jesus doesn't want me for a sunbean) y del cantante de blues Leadbelly (Where did you sleep last night).
A partir de ese momento se han editado recopilatorios del grupo, como "From the muddy banks of wishkah" (con temas en directo), "Nirvana" (que arranca con un tema inédito, You know you're right, que pudieron incluir tras las disputas judiciales entre Grohl, Novoselic y Courtney Love, ya que ésta no quería editarlo tan pronto y prefería usarlo más adelante en otro disco de grandes éxitos), la serie de "Outcesticide" (cinco discos con rarezas y directos, algunos de ellos de malísima calidad de grabación, pero de gran valor para los más fervientes seguidores) o "With the lights out" (con caras-b y material inédito).
Es triste que años más tarde viera la luz un libro llamado "El Diario de Kurt Cobain", con sus notas, pensamientos, dibujos, cartas... Considero terrible que sea su propia mujer, su viuda, la que ceda estos documentos para que sean editados sin respetar su intimidad (y recibiendo a cambio cuatro millones de dólares...).
Tras la muerte de Kurt la fama de Nirvana creció aún más y años más tarde los otros dos miembros del grupo (cuyo talento, de algún modo, siempre estuvo a la sombra de Kurt debido sobre todo a los medios) continuaron con su actividad musical. Dave formó Foo Fighters al año siguiente, y Chris creó Sweet 75 y años más tarde Eyes Adrift. Muchos les criticaron de estar aprovechando el tirón de 'el batería' o 'el bajista de Nirvana', pero si eres músico, la muerte de un compañero de grupo no puede dejarte sin volver a tocar, ¿o acaso ya no podían montar ningún grupo más ni seguir en activo?. Se comenta que Novoselic, retirado ya del mundo musical, participa en el último disco de Foo Fighters, que se editará a lo largo de este año (producido de nuevo por Butch Vig).
Me resulta muy complicado escoger un par de temas de Nirvana como muestra, pero finalmente me decanto por Aneurysm (en una grabación en vivo)y Frances Farmer will have her revenge in Seattle (Frances, nombre que puso a su hija, y homenaje a la actriz Frances
Farmer, nacida en Seattle y que fue acusada, entre otras cosas, de ser
comunista y atea, y la cual acabó en un hospital psiquiátrico debido a
una esquizofrenia y depresión). .
Son ellos. Auténticamente hondos y directos. Son NIRVANA.
Si pensamos en la música soul de los años 60 probablemente entre los primeros nombres que nos vengan a la cabeza (si no el primero) estará Otis Redding: el Rey del Soul. No, el Rey no es James Brown, él es el Padrino del Soul...
En el poco tiempo que duró su carrera musical nos dejó un amplio legado de canciones que se han convertido en clásicos del género, muchas de ellas memorables baladas y otros más potentes y bailables. El estilo de su música no era realmente novedoso, pero sí su increíble voz, tan expresiva y emotiva, capaz de pasar de tener un timbre delicado y lleno de sentimiento a una voz más rasgada y rota.
Su carrera comenzó cuando colaboraba con Johnny Jenkins y su banda. Un día, durante una grabación de éste en los estudios de la discográfica Stax (una de las más importantes en la música soul de esos años) terminaron antes de lo previsto y sobraba un poco de tiempo, durante el cual Redding grabó These arms of mine. El tema encantó a los miembros de la discográfica y le contrataron como cantante, convirtiéndose en muy poco tiempo en referente e icono. Durante sus años en esta compañía estuvo arropado por la gran banda Booker T & the MGs, quienes se sorprendían de la capacidad que tenía para pensar arreglos de vientos, sabiendo qué quería que sonara en cada momento.
Cuando Redding actuó en el Festival de Monterey de 1967 (compartiendo cartel con Jimi Hendrix, Janis Joplin o The Who entre otros) hizo una fantástica actuación, enérgica y sentida, que hizo entusiasmar al público, una multitud de jóvenes hippies con una estética muy alejada a la "anticuada" de Redding. Y es que su música llegaba y llega a personas de gustos muy diferentes porque sus temas son auténtico caramelo para nuestros sentidos.
A finales de ese mismo año ocurrió una gran e inesperada tragedia: se estrelló el avión donde viajaba Redding junto a cinco de los seis miembros de Bar-Keys (autores del conocido Soul Finger, con los que estaba de gira). Murieron Redding y cuatro miembros del grupo (el trompetista, que sobrevivió al accidente, y el bajista que viajaba en otro avión, retomarían el grupo más tarde con otros músicos).
Redding tenía 26 años y solamente habían pasado 4 desde que se dio a conocer. Había grabado 6 discos de estudio entre 1964 y 1967: "Pain in my heart", "The great Otis Redding sings soul ballads", "Otis blue: Otis Redding sings soul", "The soul album", "Complete & Unbelievable: the Otis Redding dictionary of soul" y "King & Queen" junto a Carla Thomas (cantante apodada "la Reina del soul de Memphis").
En ellos aparecen decenas de versiones exquisitas de grandísimos temas de aquellos años: de Sam Cooke (Shake,You send me y Wonderful world), Solomon Burke (Home in your heart y Down in the valley),los Temptations (My girl), Ben E. King (Stand by me), e incluso se llevó al soul Satisfaction de los Rolling Stones o Day Tripper de los Beatles. Y muuuuchas más.
Pero por encima de todas esas versiones destacan sobre todo sus composiciones propias, que van desde delicadas baladas (Pain in my heart, These arms of mine, I've been loving you too long, That's what my heart needs -¡que alguien baje ese plato por dios!-)hasta temas más movidos o rítmicos (Mr. Pitiful, Any ole way, Respect -que se hizo más famoso por la fabulosa versión de Aretha Franklin-, Security o Fa-Fa-Fa-Fa-Fa Sad Song).
A raíz de su muerte se editaron otros cuatro discos en los que aparecieron más composiciones suyas, auténticos temazos, algunos de ellos más enérgicos de lo habitual y que mostraban una evolución en su estilo. Entre estas composiciones están su mayor éxito Sittin' on the dock of the bay (escrito poco antes del accidente), Love man, I can turn you loose, Groovin' time (con una batería más groovie de lo que solía aparecer en sus temas), Let me come on home, I'm coming home to see about you, That's a good idea, Open the door, Your feeling is mine o I'm a changed man (donde hace un pequeño scat con 'yayayayas')
Por supuesto, se han editado posteriormente multitud de discos con recopilaciones y grabaciones de directos.
Un dato curioso y fascinante: desde muy joven Redding participó en un concurso de talentos de su ciudad donde se le prohibió volver a participar en él tras ser el ganador nada más y nada menos que ¡15 veces seguidas! Pues sí, realmente talento tenía el chaval...
Para cerrar esta entrada quiero dejaros con Hard to handle, uno de mis temas preferidos de Redding (que vio la luz después de su muerte) y la balada These arms of mine. ¡Larga vida al gran Otis! (y grande también físicamente, por cierto... 1'85 m.)
El trip-hop es un término que empezó a utilizarse a principios de los 90 para definir cierta música que mezclaba hip-hop lento con electrónica. Se ha utilizado casi constantemente para definir la música de Portishead, aunque en realidad se queda corto, ya que ellos van más allá. Al grupo no le gusta definir su música de esta manera, ya que opinan que este término es una invención de los medios para catalogar su inclasificable música. Y bueno, aunque les pese, ellos son uno de los motivos por los cuales el género trip-hop comenzó a usarse con más regularidad.
Surgieron en 1991 en Bristol, formado inicialmente por Beth Gibbons a la voz y Geoff Barrow, teclista y dj que había colaborado anteriormente con Massive Attack y Tricky. Posteriormente se unió al grupo el guitarrista Adrian Utley, que tenía una larga trayectoria en el mundo del jazz. El nombre del grupo lo tomaron de la ciudad donde vivió Barrow: Portishead.
Su música tiene un sonido muy envolvente y que recuerda muchas veces a las bandas sonoras de las películas clásicas de cine negro, pero con elementos de hip-hop y electrónica lenta (lo que, como he comentado, conocemos como trip-hop) además de melodías soul y elementos jazzísticos. Todo arropado por la delicada y sensual voz de Gibbons, siempre expresiva y llena de sentimiento y aparente dolor, mientras se agarra fuerte a su micrófono.
Antes de editar su primer disco, rodaron el cortometraje en blanco y negro "To kill a dead man", donde además de realizar la música actúan (sin hablar). Me recuerda a la música de los spaguetti western combinada con ese particular sonido que los identifica. Este corto es un homenaje al cine negro que tanto ha influenciado en su estilo musical.
En 1994 presentaron "Dummy", fantástico e inigualable disco que consiguió un enorme éxito. Elegante y sensual pero al mismo tiempo desgarrador,
capaz de ponernos la piel de gallina con solo oír unos segundos de cada
tema: Mysterons (haciendo honor a su nombre, un tema muy misterioso que viene a la perfección para introducir el disco), Sour times y Glory box (que nos trasladan a una época pasada en un viaje sonoro conmovedor), Strangers, Wandering star, Pedestal y Numb (más electrónicos), It could be sweet, Roads, It's a fire y Biscuit (baladas con su color personal). Todas las canciones de este álbum son obras de gran exquisitez que lo convierten en un disco de escucha obligada.
En alguno de sus temas toman como base samples pero dotándolos de una identidad propia. Por ejemplo, Wandering star contiene un fragmento de Magic Mountain
de Eric Burdon & War, y aunque éste forma la base del tema de
Portishead, ellos le dan el toque adecuado para hacerlo lucir como un tema muy diferente y propio. Otro ejemplo es la aclamadísima Glory Box, una joya cuyo bajo y melodía del violín están extraídas literalmente de Ike's rap II,
un tema de Isaac Hayes (famoso sobre todo por ser el autor de la banda
sonora de Shaft).
Tres años después, 1997, sacaron "Portishead", más oscuro y 'pesante', fruto de probablemente de una madurez musical. Los consolidó como grupo de referencia en el panorama musical de los noventa, incluyendo temazos como Only you, Over, Undenied o All mine (que fue versionado un par de años más tarde por el mismísimo Tom Jones, con quien colaboraron en 1999).
Al año siguiente editaron "Roseland NYC Live", grabación de un concierto que habían realizado en Roseland, Nueva York, acompañados de una orquesta de cuerda y donde interpretaban temas de los dos discos anteriores.
Beth Gibbons trabajó en 2003 como solista junto con Paul Webb (alias Rustin Man, ex bajista de Talk Talk) en un disco llamado"Out of season", más acústico e íntimo, con cierto aire soul y más alejado del sonido Portishead. En 2005 el grupo volvió a dar conciertos (los primeros en siete años) y comenzaron a grabar su tercer disco, "Third", que vio la luz en 2008 (diez años después del último disco). Aunque se percibe todavía su particular sonido, tiene un aire nuevo, más electrónico y en cierto modo 'agónico', y apenas contiene scratches ni samples. Aunque tiene temas interesantes, como Silence, Magic doors o Hunter, considero que no está a la altura de sus dos primeros discos (y es que el listón estaba muy alto...)
Tras mucho pensar cuál enlazar y teniendo "Dummy" como preferido, me he decantado por Sour times, elegante y emotivo tema que también utiliza un sample de otro músico, en este caso de Lalo Schifrin, Danube incident. Al final del videoclip aparecen los créditos como si de una película se tratara.
Y por Glory box, del mismo disco, pero en la versión del concierto en Roseland. También con sample que conforma toda la base de este tema, Ike's rap 2 de Isaac Hayes, pero enriquecido con la sensual voz de Gibbons.
Disfrutad y sentid el cosquilleo...
Si estamos hablando de grupos imprescindibles en la historia de la música, no podían faltar los genuinos, innovadores y magistrales Sonic Youth, gran influencia para muchos grupos de rock alternativo de los 90 (y para muchos que los tuvimos como banda sonora de nuestra juventud).
Pocas bandas podemos encontrar de la índole de Sonic Youth, que realmente hagan lo que les salga de las entrañas sin rendir cuentas a nadie, al margen de si venderá o no. Desde sus comienzos en 1981 han estado experimentando y dotando a cada uno de sus temas de una gran personalidad, de sonidos y formas distintas que suenan contundentes y directos, tanto los más agresivos y potentes (como la mayoría) o más evocadores y, de algún modo, delicados.
Estuvo formado inicialmente por Thurston Moore (guitarra y voz) y Kim Gordon (bajo, voz y guitarra) junto a otros dos miembros, que poco tiempo después se marcharon dejando paso a Lee Ranaldo (guitarra y voz en algunos temas) y Steve Shelley (batería).
En sus 30 años de carrera han sacado 16 discos de estudio, además de sencillos, recopilatorios y colaboraciones en bandas sonoras. A día de hoy siguen en activo (su último disco vio la luz hace dos años), en forma y con ideas, aunque considero que sus últimos discos son de menor calidad.
Los ochenta fue una época donde destacaba el uso de las nuevas tecnologías en la música, y la electrónica tuvo una vertiente más comercial y otra más experimental. Pocos años atrás había surgido un movimiento llamado No Wave que iba en contra de cualquier género y estilo, experimentando con los sonidos y armonías como reacción al género New Wave, tan de moda con sus sintetizadores. Los grupos que pertenecían a la No Wave eran de estilos muy diversos, manteniéndose firmes a su idea de no encasillarse.
Sonic Youth pertenecían a este movimiento, explorando las posibilidades del sonido y el ruido, haciendo lo que más tarde se conoció como noise-rock. Se les ha clasifica muchas veces dentro del rock, punk y underground del momento, pero eso es en cuanto a actitud, porque musicalmente siempre han ido más allá.
Han sido siempre muy vanguardistas, consiguiendo un sonido único y atípico que está íntimamente ligado al ruido, usando fuertes distorsiones, disonancias (a menudo con numerosas guitarras en el escenario con distintas afinaciones) y efectos sonoros (los hemos podido ver tocar las guitarras golpeando las cuerdas con baquetas, un arco de violín o herramientas varias como destornilladores).
En sus primeros años el sonido se acerca al post-punk y noise, de color ochentero pero con su habitual ruidismo y más salvajismo que en discos posteriores. Estructuras complejas que más tarde se simplificaron (bueno, en cierto modo...) y fueron apareciendo temas más evocadores donde hay un mayor juego con las texturas.
Es difícil escoger uno de sus discos como referencia. Lo mejor para el que no los conozca, es escuchar todo su material para impregnarse de su sonido y apreciar su personal concepción de crear música. Pero si de primeras queréis adentraros en este universo sónico con sus momentos más brillantes, os recomiendo que empecéis por algunas de sus mayores joyas:
- "Goo" 1990 (Dirty boots, Kool thing, Cinderella's big score, Titanium expose, My friend goo...)
- "Washing machine" 1995 (Panty lies, No Queen blues, el homónimo Washing machine, Becuz, Little trouble girl -con la colaboración de Kim Deal, de los Pixies-, Skip tracer, The diamond sea -un tema de casi 20 minutos de duración-...).
- "Daydream nation"1988 ('Cross the breeze, Teenage riot, Eric's trip, Candle, The sprawl, Kissability...)
- "Experimental Jet set, trash and no star"1994 (Bull in the heather, Screaming skull, Skink, Self obsessed and sexxee, Tokyo eye...)
Si escucháis uno de estos discos os quedaréis fascinados. Si escucháis
más de uno caeréis rendidos a sus pies. ¿Y cómo consiguen seguir en
activo después de treinta años? Además del buen entendimiento entre
ellos, musical y extramusical (por cierto, Moore y Gordon se casaron a los pocos años de formar la banda) es porque no se trata
de una innovación puntual, sino de su capacidad para experimentar y
crear música interesante y rompedora año tras año.
Los demás discos tampoco tienen desperdicio, sobre todos los anteriores a 1998: "Sister", "Bad moon rising", "Evol", "Confusion is sex", y los EP "Sonic Youth" y "Kill your idols".
A partir de 1998 se volvieron más melódicos, con estructuras más convencionales y perdieron parte de su carácter anterior. Aunque siguen siendo ellos y su personalidad sigue presente, considero que no tienen temas tan imprescindibles como los anteriores.
Como curiosidad, "NYC Ghosts & flowers" fue grabado después de que les robaran el camión de giras con todas sus guitarras, amplis y demás material.
Os animo a ver el documental "1991: The year punk broke", donde aparecen Sonic Youth en su gran gira por Europa tras la presentación de "Goo" junto a sus amigos de Nirvana, que aún eran relativamente poco conocidos. En él podemos ver momentos inolvidables, locos y llenos de conversaciones surrealistas y delirantes. También aparecen en este documental Dinosaur Jr. o Babes in Toyland entre otros. Existe una versión subtitulada en español (aún tengo el video en VHS, ¡aunque ya no tengo video para reproducirlo!). Vedlo porque es un documento que realmente vale la pena si os gusta lo que se estaba cociendo en la música alternativa de aquellos años.
Ya que os he hecho algunas recomendaciones de discos y temas para escuchar, os enlazo Becuz, de su disco "Washing machine" y Kool thing, de "Goo".
¡A gozar con esta juventud sónica!
Los Pixies es uno de los grupos clave y más influyentes para la oleada de rock alternativo de los años noventa y para una multitud de jóvenes que encontraron/mos en ellos un sonido único, ganándose una gran admiración. Su música es poco convencional y compleja de definir, un cóctel genuino que vio la luz gracias a la unión de Black Francis, posteriormente llamado Frank Black (voz y
guitarra), Kim
Deal (bajo y voz), Joey Santiago (guitarra) y David Lovering (batería).
Su música es una amalgama de elementos que contrastan y se complementan estupendamente, conformando esa identidad sonora que ningún grupo ha podido reproducir (aunque sí imitar o seguir bajo una fuerte influencia o inspiración). Una particular voz que combina melodías suaves y momentos narrativos con repentinos chillidos, guitarras distorsionadas con solos algo alocados y aparentemente torpes, una batería firme y sin demasiadas complicaciones, un bajo tosco con el duro toque de púa, los dulces coros de "Mrs. John Murphy" (como aparecía en los primeros discos
Kim Deal, tomando el nombre de su marido a modo de broma)... Todo esto unido a unas letras surrealistas que a menudo tratan un tema muy admirado por Frank Black, los ovnis y alienígenas, así como temas bíblicos y en ocasiones letras en un español poco entendible que resulta en cierto modo cómico, fruto de la admiración de Francis por lo hispano tras una breve estancia en Puerto Rico.
Si mezclamos bien todos estos elementos surge el sonido puramente Pixies, donde no brilla una gran técnica instrumental, sino talento compositivo y una particular concepción de la música que perdura y perdurará durante décadas. Cualquiera de sus discos son imprescindibles y de obligada escucha.
Después de grabar una demo ("The Purple Tape", que fue reeditada tras la disolución del grupo bajo el nombre de "Pixies EP") publicaron su primer disco en 1988, "Come on pilgrim", que ya mostraba el peculiar sonido del grupo. Un conjunto de temas llenos de identidad propia que hicieron de este primer disco un magnífico punto de partida. Nimrod's son, I've been tired, la evocadora Caribou, con un punto más punk encontramos Isla de Encanta y la absolutamente personal y bipolar Vamos (que aparece también en su siguiente disco)...
Éste se reeditó con el que fue su siguiente disco, "Surfer rosa", un disco muy revolucionario que marcó un antes y un después en la evolución del rock alternativo. En la primera escucha ya llega directo a las entrañas, y junto con el anterior disco constituyó los cimientos sobre los que se construiría y
desarrollaría la banda. Contiene temas enérgicos con marcados contrastes como Broken face, Oh my golly! o Tony's theme, y otros más tranquilos como el melancólico y profundo Where is my mind, Gigantic (composición de Deal, tema mítico de los Pixies), Break my body o Brick is red.
"Doolittle" (1999) tuvo una gran acogida y es, en cierto modo, más 'fácil' de escuchar. Un nuevo repertorio que amplía la colección de temazos de los Pixies: Monkey gone to heaven, el inquietante Tame, Hey, Debaser, Wave of mutilation, las envolventes Silver(Deal a la guitarra con slide y Lovering el bajo) y I bleed... Ninguno de los temas que componen este disco tiene desperdicio, otra joya que nos lleva por distintos paisajes durante su escucha.
En esos años comenzaron los roces entre Francis y Deal, una lucha de egos llena de discusiones y malos rollos incluso durante la grabación y los conciertos. En gran parte tuvo que ver que Kim se molestaba porque quería incluir más composiciones suyas y Francis, líder del grupo, se oponía. Además, después de tres discos en solo dos años y mucha actividad en giras, la tensión pasó factura al grupo y los enfrentamientos fueron constantes, por lo que se tomaron un descanso.
En esta época Kim montó otro grupo, The Breeders, y Francis hacía conciertos en solitario.
Poco después volvieron a la carga, con Francis más pendiente de limitar la participación como compositora de Deal, y en su siguiente disco "Bossanova" (1990) no hay ninguna canción de ella. Es un álbum muy particular con un sonido algo distinto, más surf y con tintes pop (y nada de bossanova, por cierto). Contiene también grandes temas como Velouria (con theremín), Is she weird, Blown away, The happening, Dig for fire o Hang wire.
Al año siguiente publicaron "Trompe le monde", otro discazo que aunque mantiene ciertos colores pop, vuelve a emanar esa rabia más punk de sus discos anteriores. Alec Eiffel, Planet of sound, Subbacultcha, U-mass, Space (I believe in), Lovely day...
Tras su gira con U2 la tensión era ya insostenible, por lo que a principios de 1993 Francis anunció por la radio que se disolvían, aunque aún no se lo había comunicado a la banda (después se lo dijo a sus compañeros por teléfono y fax, de lo cual se arrepintió más tarde ya que no había dado opción de poder buscar una solución).
Tras su disolución, los miembros de los Pixies crearon sus propios grupos: Francis/Black sacó discos en solitario y formó después la banda Frank Black and the Catholics (en total casi una veintena de discos). Kim Deal volvió a The Breeders y posteriormente formó The Amps. Santiago tocó la guitarra en los discos en solitario de Black y formó junto a su mujer The Martinis. Lovering trabajó como mago (abriendo en varias ocasiones actuaciones de Black y Deal) y tocó en uno de los discos de Tanya Donelly (componente de Breeders durante un tiempo).
Siempre hubo rumores que afirmaban que volverían, pero esto no ocurrió hasta 2004. Hasta el momento han hecho giras, actuado en festivales, y se ha publicado material recopilatorio y canciones idéditas en cd y dvd. Quién sabe si nos sorprenderán con un nuevo disco en años posteriores...
Para terminar, comentar una anécdota curiosa de su comienzo como banda. Después de ser compañeros de
habitación en la Universidad, Francis y Santiago pusieron un anuncio
buscando bajista "al que le gustara tanto el grupo folk Peter, Paul
& Mary como la banda de hardcore punk Hüsker Dú". La única persona
que respondió al anuncio fue Kim Deal, que se unió al grupo aunque nunca
había tocado el instrumento (cogió un bajo que tenía su hermana y
empezaron a ensayar). Poco después se incorporó Lovering, sugerido por
el marido de Deal.
Son tantas las joyas que nos han dejado Pixies que me cuesta muchísimo decidirme... Bien, Gouge away, en un directo de 1990 y Monkey gone to heaven, todo un himno.
Aquí están: los auténticos e inigualables Pixies.
Shocking Blue es un cuarteto holandés que vale la pena conocer. A pesar de que no fueron realmente innovadores, su música tenía y tiene algo especial, un sonido al estilo americano donde combinan rock, pop, blues y psicodelia rodeados de una leve oscuridad.
Surgieron en 1967 liderados por Robbie Van Leeuwen, guitarrista, sitarista y compositor de todos los temas, que acababa de dejar una conocida banda holandesa llamada The Motions. Un año después de formar Shocking Blue, su cantante se marchó para alistarse en el ejército y fue sustituido por la carismática Mariska Veres, quien inevitablemente ha sido comparada numerosas veces con Grace Slick, de los Jefferson Airplane, tanto por el color de su voz y su manera de cantar como por su aspecto y sensualidad.
Ella dotó al grupo de una mayor personalidad, y tras su incorporación Leeuwen dio un aire nuevo a sus composiciones con un sonido más rico, el que les caracterizó durante sus primeros años.
Uno de sus temas más conocidos es Venus, que fue número 1 en casi todo el mundo (curiosamente no lo fue en Holanda, donde llegó al número 3). Con él Shocking Blue consiguió ser el primer grupo holandés en ser número 1 en Estados Unidos. Hay cierta polémica en torno a este tema, ya que es un 'hijo bastardo' (por llamarlo de alguna manera) de The banjo song, del grupo The Big Three (con una por entonces desconocida Mama Cass). Y por desgracia, la mayoría de la gente tiene en la cabeza la edulcorada versión que
hicieron Bananarama en 1986... ¡pero no hay color!
Grabaron 7 discos desde la incorporación de Veres que contienen muy buenos temas, sobre todo los dos primeros. "At home" vio la luz en 1969 y en él encontramos muchas de sus mejores creaciones, como Long and lonesome road, Love buzz (que fue versionado por Nirvana veinte años después), Hot sand, California here I come, Love machine, The butterfly and Io la exitosa Venus.
Al año siguiente publicaron "Scorpio's dance",contenedor de grandes temas como el fantástico Send me a postcard, Mighty Joe, Little cooling planet, Daemon lover o Water boy.
Le siguió "Third album", el tercero con Mariska pero cuarto del grupo, con temas como el potente Shocking you, Never marry a railroad man, I'll follow the sun oBird or paradise, y para el cual contaron con el apoyo de otro guitarrista, formando un quinteto.
Su siguiente disco suena más pobre, "Inkpot", donde volvió a desaparecer la guitarra rítmica y cambiaron de bajista. A Leeuwen se le estaban agotando las ideas, y como él mismo declaró, estaba empezando a cansarse de escribir él toda la música y letras (de hecho varios de los temas de este disco son versiones). Destacan Navajo tears, I melt like butter, Who save my soul yThe Queen, que se intercalan con temas que ya empiezan a mostrar su futuro sonido, en momentos más cercano a ABBA. Este alejamiento de sus raíces queda aún más marcado en "Attila" que suena más pop que rock, y que aún así contiene buenos temas como Never release the one you love, Rock in the sea, A waste of time o When I was a girl.
A pesar de conseguir éxito con algunos de sus temas en Europa, Leeuwen
estaba desanimado y desilusionado porque no triunfaban en EEUU (uno de sus principales deseos), sobre todo después de haberlo conseguido años atrás con Venus. Llegó incluso a ser sustituido durante una de las giras del grupo, pero aún así al año siguiente grabaron "Dream on dreamer", y tras su presentación llegó el abandono definitivo del compositor y miembro esencial del grupo. Esto no impidió que editaran su último álbum al año siguiente, "Good times" con un sonido ya muy alejado del inicial y con temas más insulsos, quedando a la sombra de los anteriores.
Las canciones que os enlazo son Hot sand (con ese sonido saturado de fuzz en la guitarra, el encanto de las melodías de sitar, batería y bajo sin complicaciones pero que se mantienen firmes, y el sello de la voz que combina cierta dureza con sutileza y sensualidad) y Love buzz (con atmósferas exóticas e hipnóticas).
Adentraos en su música porque encontraréis muchos temas para no olvidar.
