Bruna Sonora es un grupo que rompe con lo tradicional a pesar de que la semilla de sus composiciones son precisamente la tradición. Se les etiqueta a menudo dentro del folk, ya que las melodías de las que parten sus temas pertenecen principalmente al folklore español, pero muy alejado del sonido folk habitual, con muchos otros elementos de estilos tan diversos como el jazz, el flamenco, la música clásica, klezmer, turca o bereber.
Su lema es "Creaciones, alquimias y aleaciones musicales", y es que las composiciones de Javier Bruna, líder de esta banda de 12 músicos, recorren muchos paisajes sonoros diferentes, con grandes contrastes de estilo, de carácter, de tempo, de color... Tan pronto pasan de un momento ambiental y evocador como rompe un pasaje rítmico de naturaleza flamenca o turca; escuchamos un tutti con múltiples capas simultáneas y acto seguido a una pequeña sección de la banda que nos envuelve en la intimidad trasladándonos a un lugar totalmente diferente... El desarrollo es inesperado, y como si se tratara de una banda sonora de película, acompaña a las imágenes que el oyente podrá llegar a visualizar al escucharlos.
Su primer y único disco hasta la fecha es "Tarareando", presentado a principios de este año. El diseño, muy cuidado, ya nos advierte de que no es un disco al uso. Original, fresco y sorprendente, además de ser muestra del gran trabajo compositivo e interpretativo que hay detrás.
Además del disco principal, nos obsequian con otro disco extra llamado "Miniaturas", donde suenan pequeños temas (por duración e instrumentación, no por calidad) que son la semilla de los temas 'grandes' del disco. Una delicada delicia para paladares minimalistas.
Entre los temas de Bruna Sonora encontramos Creaciones, cuya melodía raíz bien podría ser tradicional por sonoridad y carácter, pero que son originales de la banda. El Zoco, cantado en bereber,o uno de los temas que tocan en directo y que probablemente será parte de su siguiente disco, Gira o mundo, en portugués a ritmo de fandango.
Alquimias, que son transformaciones y recomposiciones que surgen desde melodías tradicionales pero con un sentido único y muy distinto a su sonido tradicional, como La Tarara en África (la universal Tarara que parece pasear por África encima de un camello), Danza sonora (a partir de la melodía de la Danza española nº5 de Granados, con tintes jazzísticos muy evocadores y envolventes), El burro (que deja a la Tía vinagre a paso de zambra) o El cant dels ocells (que coquetea con ritmos Stravinskianos y, como si un ser bipolar se tratara, cambia de carácter cada poco tiempo, pero siempre con gran sentido musical).
Y las Aleaciones musicales, donde varias melodías se combinan y entrelazan jugueteando en un mismo tema, en un perfecto ensamblaje compositivo: El Vito anda de Jaleo (las populares El vito + Anda jaleo) u otro tema que interpretan en algunos directos pero no está incluído en este disco, La danza ritual de Carmen (la Habanera de Carmen de Bizet fusionada con La danza ritual del Fuego de Falla).
Otro punto maravilloso de Bruna Sonora es la conexión de sus miembros, algo que se nota dentro y fuera del escenario. Complicidad, empaste, sentimiento y buen rollo, además de tener un sólido directo en el cual nos transportan de un paisaje a otro con mucha fluidez.
Con todos estos ingredientes, uno se queda embriagado, viajando de una escena a otra, con muchos detalles a los que prestar atención (si uno quiere profundizar más en cada composición tiene material de sobra...), un cuidadísimo desarrollo y una concepción única sobre el significado de la palabra 'tradición'. Una música auténtica y sincera sin un referente previo al que poder asemejarse (o al menos, yo no lo he encontrado).
Os invito a deleitaros con dos de sus temas, La Tarara en África y Danza sonora.
Aquí empieza vuestro viaje sonoro. ¡Disfrutad y dejaos llevar!
The Flock es una de esas bandas que merece un mayor reconocimiento del que ha recibido, tanto por su originalidad como por su excelente calidad. Se les considera unos de los precursores del llamado jazz-rock, aunque en realidad su sonido tiene más bien poco de jazzístico... Aunque cuentan con la improvisación como elemento importante en su música, su sonido es más cercano al rock progresivo, la psicodelia, el blues o el folk.
A mediados de los 60 y principios de los 70 el rock evolucionaba con una mayor libertad, había más innovación y un gran despliegue de creatividad y originalidad. Muchos grupos eran, más que pequeñas bandas, pequeñas orquestas, por lo que a algunos les llamaban "macrobandas". Empleaban instrumentos por entonces atípicos dentro del rock, llegando a ser en ocasiones el líder del grupo, como sucedía por ejemplo con Jethro Tull (liderado por un flautista) o The Flock (por un violinista y acompañado de saxofones y trompeta).
Sus dos primeros discos son un grandísimo ejemplo de originalidad y creatividad, fusionando elementos y estilos muy diversos. La mayor parte de las canciones están llenas de contrastes, con secciones totalmente diferentes pero que, con gran habilidad, hilvanan y combinan para hacer que se desarrollen de manera insólita, lejos de los rudimentos típicos del género, manteniéndonos siempre expectativos de lo que podrá venir después.
The Flock nació a mediados de los 60 en Chicago. El violinista y guitarrista Jerry Goodman, apodado "el violín del diablo", es el alma del grupo, y no solo por su virtuosismo, sino por su concepción del instrumento y su gran cantidad de recursos, además de su particular estilo camino entre lo clásico y lo moderno. Los demás miembros de la banda tampoco tienen desperdicio: Fred Glickstein (guitarra, teclados y voz), Rick Canoff (saxo tenor), Jerry Smith (bajo), Ron Karpman (batería), Tom Webb (saxo tenor y armónica, en el primer disco), Frank Posa (trompeta) y John Gerber (saxo alto y tenor, flauta y banjo en el segundo disco), y antes de llegar Goodman, Rick Mann (guitarra). Y casi todos ellos también coristas, enriqueciendo las armonías vocales en cada tema.
"The Flock" (1969), su primer disco, es sencillamente maravilloso, la joya del grupo. Con su evocadora introducción, de tintes clásicos, nos adentran en un camino lleno de expresividad y profundidad, con grandes temas como los explosivos "Store Bought - Store Thought" o"Clown", la versión de "Tired of waiting" de los Kinks (que, en mi opinión, supera al original) o el blues de 15 minutos "Truth" (donde muestran una personal concepción de este género).
Al año siguiente publicaron "Dinosaur Swamp", todavía más experimental. Cada tema es una amalgama de ideas muy diversas, con estructuras aún más atípicas y en ciertos momentos algo caóticas, como si a lo largo de una sola canción hubiese múltiples personalidades. A algunos podrá parecerles demasiado 'denso', pero sin duda es una delicia para paladares exquisitos.
Con un sonido más psicodélico, destacan el fascinante y enérgico "Crabfoot", o "Hornschmeyer's Island" y "Lighthouse", llenos de contrastes. También hay ecos country, como en "Big Bird".
Tras este disco Goodman se marchó del grupo para formar parte de Mahavishnu Orchestra (con el guitarrista John McLaughlin), y el grupo se apagó durante varios años. Algunos miembros trataron de resurgirlo en 1973 haciendo una breve gira (sin la presencia de Goodman, pero también con violín), pero no editaron ningún disco hasta 1975: "Inside Out". Con un sonido más electrónico, siguen innovando pero a un menor nivel que en los dos anteriores. Aún así tiene buenos temas, como "Metamorphosis" o "Back to you". Tras él, The Flock acabó por disolverse definitivamente.
Os dejo con dos de sus joyas: Crabfoot y Store bought-store thought. ¡Caos irresistible y aplastante!
Probablemente, si Moby no hubiera tomado como base de su Natural bluesla canción popular de los años treinta Trouble so hard, prácticamente nadie reconocería esta melodía, exceptuando algunos estudiosos.
Vera Hall nació a principios de siglo y murió en 1964, pero han quedado para la posteridad numerosas grabaciones suyas. No era una cantante profesional, sino que colaboró con numerosos etnomusicólogos cantando multitud de canciones de estilos muy diversos: de juego, de trabajo, blues, religiosas...
La verdad es que cuando escuché el tema original de Hall por primera vez me quedé paralizada. ¡Esa melodía que había escuchado tantas veces de la mano de Moby tenía su raíz muchos años atrás y en un contexto totalmente diferente! Y a pesar de estar grabada a capella, sin acompañamiento, suena igual de hermosa.
La armonización que hizo Moby funciona muy bien con la melodía, y la verdad es que con el pulso estupendo de Vera Hall apenas habrá tenido que tocarla, se mantiene constante en su interpretación.
Aquí os dejo con las dos versiones: la de Moby (buena, aunque con una estructura altamente previsible como en todas sus canciones) y la de Vera Hall.
Aquí tenemos un grandísimo tema que provoca un torbellino de sensaciones al escucharla: Babe I'm gonna leave you, de Led Zeppelin, quienes la publicaron en 1969 basándose en la versión de JoanBaez de 1962.
A pesar de figurar como canción popular en los discos de ambos músicos, es una composición de los años cincuenta de Anne Bredon, quien años después consiguió los derechos de autor. La canción original no estaba registrada en ningún disco, sino que la interpretó por la radio en los años 60, y posteriormente fue reinterpretada en directo por otra cantante folk, Janet Smith. Fue esta versión la que llegó a oídos de Baez.
La versión de Baez, para voz y guitarra, es melancólica y profunda, pero con un desarrollo demasiado básico y repetitivo y, a mi parecer, con un timbre que acaba saturando demasiado. Led Zeppelin hacen un arreglo más elaborado y auténtico con más contrastes, creando un tema nuevo con identidad propia de más de 6 minutos de duración (en su línea...). En esta re-composición pasan de la calma al frenesí, con la característica fuerza instrumental del grupo, la gran expresividad de la voz de Robert Plant y las líneas evocadoras de la guitarra de Jimmy Page.
Os dejo ambas versiones (no consigo encontrar la grabación del original de Bredon).
REM (que tomaron el nombre de Rapid Eye Movement, una fase del sueño), se han convertido en uno de los grupos claves de la historia del rock. Con 15 discos a sus espaldas hasta el momento (sin contar recopilatorios ni directos) han demostrado que hacen música de calidad, y muchos de sus temas se han convertido en clásicos del siglo XX. Es complicado etiquetarlos en un estilo concreto; sonarán más o menos rock, más o menos folk, más íntimos o más cañeros, pero durante décadas han conseguido seguir manteniendo su sonido REM, a pesar de las ligeras variaciones de estilo según la etapa de su carrera.
Durante mucho años fueron un cuarteto (posteriormente trío), formado por Michael Stipe (voz), Mike Mills (bajo, teclado y coros), Bill Berry (batería) y Peter Buck (guitarra). Su sonido es una mezcla de rock y pop con toques folk y country (sobre todo en sus comienzos), y son características sus líneas melódicas, que tienen una identidad única gracias a la inconfundible voz de Stipe.
Hablar detenidamente de cada uno de sus discos sería un trabajo demasiado largo y complejo, así que haré un rápido recorrido sobre su trayectoria, llena de discos que fueron viendo la luz con poco tiempo de diferencia entre uno y otro, y que son una clara muestra de la evolución del grupo durante unos 30 años.
Su primer disco"Murmur" (1983) recibió muy buena acogida. Sonaba muy fresco, con grandes temas como Catapult, Radio free Europe, We walk o 9-9. Al año siguiente publicaron "Reckoning", un disco rítmico con bastante fuerza (So. Central Rain o Pretty perssuasion son algunos de sus temas). Continuaban a toda velocidad sacando un disco por año: "Fables of reconstruction" (1985) seguía la misma línea que los anteriores aunque algo más tranquilo: contiene muy buenos temas como Maps and legends, Driver 8 o Crazy.
Sin perder las buenas costumbres, un año después llegó "Lifes rich pageant", considerado por muchos como uno de los mejores discos de los 80. Más rockero que el anterior y con un sonido que empieza a definir más claramente el 'color REM': Superman, Cuyahoga o Fall on me son algunos de sus temas.
En 1987 sorprendieron con el gran disco "Document", donde aparecen los clásicos It's the end of the world as we know it y The one I love. En ese momento, REM ya eran muy reconocidos y valorados, y contaban con una gran cantidad de seguidores.
Con "Green" (1989) ficharon para la multinacional Warner Bros (con la que siguen hasta ahora), y ya se situaban en lo más alto de los grupos del momento. En él podemos escuchar Orange crush, I remember California o Stand.
Es entonces cuando comienza una nueva etapa para el grupo (a mi parecer, en la que sacan sus mejores discos, consiguiendo un sonido puramente suyo, tan característico y lleno de vitalidad). "Out of time" (1991) es algo más tranquilo y elaborado que los anteriores, y cuenta con temas que son ya símbolo del grupo, como Losing my religion o Shiny happy people (junto con Kate Pierson, cantante de B-52s, que colabora en otra de las canciones del disco). Otros menos conocidos, pero también muy buenos temas de este disco son Texarkana, Low o Radio song.
Al año siguiente sacaron el discazo "Automatic for the people" (uno de sus mejores discos), más delicado y tranquilo, absorvente y puro, con auténticos temazos (muchos de los cuales son ya míticos) como Drive, Everybody hurts, Try not to breathe, Man on the Moon o The sidewinder sleeps tonite. Por cierto, este disco fue arreglado por el mismísimo John Paul Jones, bajista de los Zeppelin.
Y en 1994 sacan el que, para mí, es su mejor disco junto con el anterior: el increíble "Monster", que contrasta totalmente con el sonido acústico y tranquilo de los anteriores. En "Monster" hay un carácter más rockero y abunda la distorsión, dando un sonido verdaderamente peculiar a cada canción (ya no solo suena 'a Rem', sino a 'Monster'). Temazos como What's the frequency Kenneth, King of comedy, Bang and blame, Circus envy, Crush with eyeliner... Vamos, que ninguno de los temas del disco tiene desperdicio, creedme. Un sonido intenso que llega directo a las entrañas para conquistarnos a la primera escucha.
Comienzan entonces una grandísima gira mundial, después de más de cinco años sin hacer ninguna, y la cual tuvo que interrumpirse debido a un cúmulo de problemas de salud que sufrieron los miembros del grupo: Berry sufrió una aneurisma cerebral, Mills tuvo que operarse para quitarse un tumor intestinal y Stipe fue operado de una hernia. Afortunadamente, todos se recuperaron y posteriormente continuaron con la gira.
En 1997 REM presentaban "New adventures in Hi-Fi". Reconozco que en un principio fui bastante reacia a este disco, infravalorándolo y dejándolo en un segundo plano. Probablemente se debió a que "Monster" era tan potente, tan absorvente y único, que esperaba un carácter parecido, pero en cambio era muy diferente (dejándome indiferente). Con canciones de estilos muy variados que, reconozco, me ha ido gustando más con los años. A día de hoy, puedo decir que tiene buenos temas como Binky the doormat, New test leper, Undertown, Leave o Bitersweet me.
En ese momento, Berry dejó el grupo (al parecer por la necesidad de reposo tras su enfermedad pasada y por la falta de motivación para continuar con giras y discos) y se marchó con su familia a vivir una vida más tranquila. A partir de ese momento, REM pasa a ser un trío, contando con baterías externos para grabaciones y directos.
"Up" (1998) surgió con un sonido más experimental que el que habían tenido hasta el momento (al margen de sus ligeros cambios estilísticos), menos tradicional y con un mayor empleo de sintetizadores. Aunque en su día me ocurrió igual que con el anterior, decepcionándome en sus primeras escuchas (probablemente por mi ansia de escuchar otro "Monster"), es otro buen disco, con canciones como Lotus, At my most beautiful, You're in the air o The apologist.
En los años siguientes publicaron "Reveal" y "Around the sun", discos que me dejaron (y aún hoy me siguen dejando) indiferente, con algún tema que puede resultar interesante, pero poco más, no dejaban una huella especial.
Empezaba a penar que REM iban a ir disipándose poco a poco hasta perderse en la nada, con un montón de nuevas canciones que iban a sonar siempre a lo mismo, como si fuera una misma cancion standarizada que modificaban un poco pero sin nada importante que aportar. Por suerte, cuando escuché su siguiente disco, "Accelerate" (2008) me alegré bastante porque el carácter de REM iba
de nuevo más allá de las baladas insulsas y excesivamente monótonas de los
últimos discos, era más potente, algo más furioso y parecía que tenían algo que contar. Tengo que escucharlo un poco más, y aunque como digo, me ha dado ciertas esperanzas de poder revivir el sonido REM de antaño, tampoco me ha enganchado completamente en su primera escucha.
Muy recientemente ha visto la luz "Collapse into now" (2011), el cual no he tenido ocasión de escuchar aún. ¡Si lo has catado ya, te animo a comentarlo!
Así que, viendo esta extensa producción musical y abarcando estilos algo diversos, es realmente complicado escoger solo dos de sus temas para ponerlos como muestra (bueno... todos les habéis escuchado seguro, aunque no sepáis que son ellos).
Por un lado, pondré uno del álbum "Monster", teniendo en cuenta que rompió bastante con lo que venían haciendo hasta el momento y que para mí es su mejor disco. Cualquiera sería una buena muestra; escojo el que abre el disco, What's the frequency Kenneth, el que me dio la vuelta a la cabeza nada más meter el cd en el radiocassette.
Y para que escuchéis uno que camine más cercano a su, digamos, estilo general, The one I love, un tema con una estructura sencilla y pocos cambios, pero que muestra muy bien la esencia del grupo. Os invito a adentraros en su música para que sintáis su recorrido desde vuestra propia percepción. Porque ya sabemos: para gustos, los colores.
Si cogemos una coctelera y mezclamos elementos de estilos diversos como el rock, folk, country, rap, blues y psicodeli, y los aderezamos con un buen arsenal de samples, ¿qué resultado podría salir? No es una mezcla fácil, eso está claro. Pero con talento y creatividad (y buenas producciones) han podido ver la luz excelentes y exquisitos temas de estas características gracias a Beck, uno de los músicos más originales, sorprendentes y aclamados de los 90.
Beck (Hansen) bebió de estilos muy diversos durante su infancia y juventud, y tras dejar los estudios a los 16 años se dedicó a tocar por las calles y locales de Nueva York y Los Angeles con su guitarra y armónica.
El primer disco de estudio de Beck es un objeto de coleccionista, "Golden feelings", editado en 1993 solo en cassette, y años después en cd pero con una edición muy limitada de copias. En él ya empezaba a combinar el folk con elementos más atípicos que daban un punto de originalidad (diálogos, ruidos, sonidos de televisión...). Ese mismo año grabó Loser, un tema que llamó la atención de numerosas discográficas que querían a Beck con ellos, pero él rechazó las ofertas ante la posibilidad de que perdiera su independencia compositiva y tuviera que hacer una música más comercial. Pero entonces llegó Geffen (importantísima compañía que había fichado grupos como Nirvana o Guns n'Roses, entre muchos otros) que aunque le ofrecía menos dinero que las otras, le aseguró que podría mantener su identidad e incluso que podría grabar discos independientes con otras discográficas. Y claro, Beck aceptó y firmó con ellos.
1994 fue un año de gran producción por parte de Beck, con la publicación de nada más y nada menos que tres discos. Dos de ellos con discográficas independientes, "Stereopathetic soul manure" y "One foot on the grave", y el primero con Geffen, "Mellow Gold", donde incluyeron el exitazo Loser. Éste se convirtió entonces en un himno para los jóvenes, que coreaban su estribillo "Soy un perdedor, I'm a loser baby, so why don't you kill me". Aún recuerdo cuánto tiempo pensé que decía algo así como "so open the door"... y ¡resulta que estaba cantando en español!Otros temas de referencia de este disco, muy experimental, son Beercan o Fuckin' with my head.
Beck emprendió entonces un trabajo de artesano en la creación de su futuro disco y dos años más tarde publicó "Odelay": atrevido y sorprendente, con un original sonido que es para quitarse el sombrero, demostró que él no era uno de esos 'one-hit wonder'. Es su mejor álbum, lleno de experimentación con distintos estilos, tanto entre temas como dentro de una misma canción, con secciones muy diferenciadas que están perfectamente ensambladas.
Con la ayuda de The Dust Brothers (productores de grupos como los Beastie Boys y compositores de la banda sonora de "El club de la lucha"), Beck demostró que
podía engendrar temas nada previsibles que rompían con lo que se
escuchaba hasta el momento, empleando multitud de samples, ruidos, instrumentos acústicos y electrónicos, y voces que sonaban a veces casi robóticas. Tuvo una gran repercusión, con temazos como Devil's haircut, The new pollution, Hotwax, Derelict, Novacane, Sissyneck o Where it's at.
"Mutations", publicado en 1998, se grabó mucho más rápido, ya que su concepción es también más sencilla, con temas más acústicos y menos 'marcianos'. Cálido, tranquilo y con predominio de tintes más folkies, parece más un disco de cantautor al uso que una mezcolanza tan interesante y sorprendente como la que se dio en su disco anterior. Es también un gran disco, pero quizá la sensación de desilusión se acentúa porque, inevitablemente, después de haber escuchado "Odelay" cuando salió, esperaba una continuación, una especie de "Odelay2" y no fue para nada así: no sigue la línea del
anterior, sino es más bien un paréntesis, casi una música de ambiente de escucha fácil. Temas destacables son Tropicalia (con aires brasileños), Nobody's fault but my own, Cold brains o la increíble pista oculta al final del disco, Diamond Bollocks, lo mejor del disco.
Personalmente, encuentro que sus discos posteriores a "Mutations" son de una calidad bastante más baja. Su sonido se iba alejando más y tenía menos fuerza. De hecho su voz también cambió, teniendo momentos en los que cantaba en falsete al más puro estilo Prince (o el Artista antes conocido blablabla). Así, esa identidad y frescura que presentó en "Odelay" tampoco reaparecía en "Midnite vultures" (1999, más exuberante y colorido, y que personalmente no me fascinó demasiado, salvo algún tema como Broken Train, Beautiful way o Sexx Laws) ni en "Sea change" (2002, más acústico, tranquilo y melancólico, que incluye arreglos para cuerdas realizados por su padre, Dave Campbell, músico, compositor y orquestador de música para cine y arreglista para gran multitud de músicos de muy diferentes estilos).
Parece ser que durante una gira Beck escribió en pocos meses más de 30 canciones que iban por un camino diferente, y siempre las llevaba en su maleta con él, pero las perdió en un descuido, algo que sin duda fue (seamos claros) una auténtica putada.
En "Guero" (2005) vuelve a recordarnos el sonido de "Odelay", trabajando junto a los Dust Brothers de nuevo, aunque con temas menos impactantes. Algunos interesantes pueden ser Go it alone, E-pro o Girl. Le siguieron "Guerolito" (remixes de los temas del disco anterior), "The information" (2006, con temas llenos de sonidos 'enredados' de guitarras, máquinas y tecnología, entre los que se pueden reseñar Think I'm in love y Elevator music) y"Modern guilt" (2008, con un sonido más sesentero y oscuro, con buenos temas como el homónimo Modern guilt, Orphans, Volcano o Gamma ray).
Sea cual sea el rumbo musical que está llevando en los últimos años, no podemos negar que Beck es un músico original que siempre busca de nuevos caminos con su particular combinación de estilos, y que nos dejó dos de los discos más relevantes de los 90, "Odelay" y "Mutations", que aunque muy diferentes entre sí, muestran las dos mejores caras de Beck. Cada tema es auténtico e inigualable, muestra de una gran imaginación y creatividad (que parece que ha ido menguando con los años).
Os dejo con dos de sus mejores temas: Devil's haircut y el tremendo Diamond Bollocks, una peculiar y genuina canción llena de contrastes entre secciones, combinación de sonidos y ruidos, coros, y ya de paso, con pájaros incluidos...
¿Quién no conoce a Led Zeppelin? Uno de los grupos más impresionantes y fundamentales de la historia de la música, que alcanzaron un enorme (y bien merecido) reconocimiento durante sus años en activo y aún en la actualidad, y que han tenido una influencia decisiva en muchísimos grupos posteriores, siendo piezas clave en la trayectoria y evolución del rock.
Ningún grupo había despertado realmente tanta pasión en aquellos años 70. El sonido Led Zeppelin hacía reaccionar al público, poner a la gente en movimiento y desatar su energía.
A finales de los sesenta el rock sonaba cada vez con más fuerza, era rock duro, heavy rock, un preludio de lo que más tarde sería el heavy metal (que tuvo su mayor estallido a finales de los setenta y principios de los ochenta). Así, muchos grupos se decantaron por la investigación y experimentación sonora (como hicieron también King Crimson o Pink Floyd) y Led Zeppelin demostraron que el rock estaba todavía en desarrollo, que le quedaba mucho por evolucionar. Ellos crearon algo más novedoso de lo que había sido el rock hasta el momento, con un sonido en el que se fusiona rock, blues, folk o heavy (e incluso en algún momento funk y reggae), todo marcado por una gran potencia y, a cada año que pasaba, probando elementos nuevos.
El grupo surgió en Inglaterra en 1968 cuando Jimmy Page (el último guitarrista de los Yardbirds, que acababan de disolverse) buscaba nuevos miembros para formar otro grupo. Page, excelente guitarrista, tenía una gran técnica y era un reconocido músico de sesión, cuyo sonido impresionaba con multitud de riffs únicos que han sido emulados por muchos otros guitarristas.
A Page se unió Robert Plant, por entonces un casi desconocido cantante que dio al grupo un toque inigualable con una voz única llena de personalidad, y que también influyó en otros cantantes. Con un amplio registro, moviéndose normalmente por los agudos, es capaz de combinar crescendos potentes, gritos desgarrados y gemidos con melodías más suaves.
Plant fue además el autor de las letras de las canciones, que tratan temas fantásticos y místicos (las del primer disco también son suyas, pero tenía un contrato vigente y no pudo aparecer en él como autor de las letras). Poco después de unirse Plant, completaron el grupo con John Paul Jones y John "Bonzo" Bonham.
Jones era un músico de sesión que además del bajo tocaba otros instrumentos (como piano, órgano, mandolina o sintetizadores) y que aportó a Led Zeppelin una sonoridad mucho más completa gracias al uso y combinación de diferentes timbres.
Bonham tenía fama de ser el batería más ruidoso de toda Inglaterra, y aportó una poderosísima base rítmica al grupo. Una anécdota cuenta que, antes de formar parte de Led Zeppelin, en una ocasión el director de un estudio lo echó porque 'hacía demasiado ruido' y le advirtió de que así no iba a llegar nunca a ninguna parte como batería. Años más tarde, Bonham le envió una carta de 'agradecimiento' por su predicción, junto con un disco de oro del grupo.
El cuarteto que surgió así del proyecto inicial The New Yardbirds dio lugar a Led Zeppelin, quienes se convertirían en un grupo excepcional, único y de gran influencia, y en cuyos conciertos lo daban todo. Conciertos que se llenaban con masas ingentes de público, siendo de los más largos de la historia del rock (incluso de 3 y 4 horas), con canciones de extensos desarrollos (e improvisaciones) de hasta 20 minutos, donde mostraban su gran fuerza, contundencia y técnica, haciendo enloquecer al público (y siempre rodeados de sus incondicionales groupies). Se negaron a actuar en programas comerciales y evitaron las entrevistas en la mayor parte de su trayectoria.
En su discografía encontramos diez discos, sin contar recopilaciones posteriores ni ediciones especiales. Sus primeros 6 discos (hasta 1975) son verdaderamente imperdibles, y muy especialmente los cuatro primeros. En ellos muestran su gran talento, la identidad y esencia de su personal carácter. Cada uno de los temas de estos discos son una composición auténtica y exquisita.
“Lez Zeppelin”(1969) es el excelente disco con el que debutaron, el cual tuvo un recibimiento arrollador (sobre todo en EEUU, no tanto en Inglaterra). En él se notan claramente la mezcla de estilos que caracteriza al grupo, con temas fascinantes como Dazed and confused, Communication breakdown, la deliciosa y contrastante Babe I'm gonna leave you o Good times bad times. Como curiosidad, comentar que cuando iban a actuar en Dinamarca, la condesa Eva von Zeppelin, sobrina del inventor del zeppelin, se opuso a que un grupo de (como ella misma decía) 'monos chillones' utilizara el prestigioso apellido de su familia, y más aún después de ver la portada de este disco, donde aparece el zeppelin Hindenburg en llamas durante su accidente en los años 30. Así que el grupo actuó allí bajo el nombre de The Nobs.
Ese mismo año sacaron también “Led Zeppelin II”, que los consagró. Ha sido un disco muy citado por otros grupos como una de sus referencias, sobre todo los potentes riffs de guitarra, que calaron en generaciones posteriores. Magnífico, en él encontramos la ya clásica Whole lotta love, Heartbreaker, Moby Dick o Living loving maid.
“Led Zeppelin III”(1970) tiene un sonido más íntimo y acústico, más tranquilo y algo más folk. Considerado como uno de los discos más importantes del grupo, recibió críticas no demasiado buenas al principio, como las que aparecieron en su momento en la revista Rolling Stone (críticas que posteriormente fueron eliminadas de la base de datos debido a su arrepentimiento...). Contiene grandes temas como Inmigrant song, Celebration day o Out on the tiles.
Al año siguiente editaron un disco que aparece sin título ni ninguna letra que lo identifique, salvo cuatro símbolos o runas que representan a cada uno de los miembros del grupo. Ha sido uno de los discos más vendidos de la historia y es conocido como “Led Zeppelin IV”(siguiendo la cuenta...), “Runes” o“Untitled”. En él aparece uno de los clásicos más mega-clásicos de la historia del rock, la reconocidísima Stairway to heaven, además de otros temazos como Black dog, When the levee breaks, Misty mountain hop, Four sticks o Rock and roll.
Led Zeppelin seguían vendiendo muchísimos discos, consiguiendo discos de oro, un gran reconocimiento y admiración y ganando muchos millones de beneficio (merecidos, sin duda).
“Houses of the holy” (1973), aunque continúa con la esencia rock, blues y folk, incluye trazos reggae (como en el tema Dyermaker) y funk (The crunge), ampliando la sonoridad habitual. Encuentro este disco algo más flojo que los anteriores, aunque sigue siendo un disco de referencia, con otros grandes temas como Dancing days o The song remain the same.
“Physical Graffiti” (1975) es el primer disco en su propia discográfica, Swan Records, creada un año antes. Un doble disco más experimental, resultado de una búsqueda de nuevas sonoridades pero sin perder sus rasgos característicos. Además de temas nuevos, se empleó material descartado de discos anteriores: grandes temas como la impresionante y genuina Kashmir, The wanton song, In my time of dying, Houses of the holy o Custard pie.
Pero en aquel año el ritmo y las giras masivas del grupo se vieron afectadas por varios problemas: Plant sufrió un accidente de coche junto a su mujer e hijos, y Jones se rompió una mano. Aún así, no tardaron mucho en retomar el ritmo, y al año siguiente grabaron “Presence” (en el que Plant estuvo trabajando aún en silla de ruedas). En él no hay ninguna canción acústica ni teclados, y personalmente lo considero de bastante menos calidad y menos sorprendente que los anteriores. Ese mismo año se estrenó la película “The song remains the same”, cuya banda sonora es una grabación de un concierto dado años antes en el Madison Square Garden, y con la cual se editó un disco doble, titulado como la película.
En 1977 anunciaron una nueva gira que era esperada ansiosamente tanto por el público (sus conciertos continuaban rompiendo récords aplastantes de público) como por la crítica (quien los consideraba el mayor grupo de la historia del rock). Pero la gira se suspendió debido a la muerte del hijo de Plant, de 5 años.
Tras un par de años de silencio, en 1979 retomaron sus actuaciones y presentaron nuevo disco, “In through the out door”, con toques más pop y más sintetizadores, rompiendo aún más con lo que estaban haciendo hasta el momento. Les resultó difícil de terminar debido a las adicciones de Page a las drogas y de Bonham al alcohol. Contiene algunos temas interesantes como South bound saurez, All my love o In the evening.
Un año después, cuando parecía que el grupo estaba ante un nuevo renacer tocando en grandes giras, se produjo el último gran drama: Bonham muere por una intoxicación etílica. Se especulaba entonces sobre la posibilidad de que incorporaran un nuevo miembro a la batería, pero el grupo decidió que Led Zeppelin no podía continuar sin uno de ellos. Así que como tenían un contrato firmado que les obligaba a sacar un disco más, y al no querer grabar temas nuevos sin Bonham, buscaron material archivado. Así, presentaron “Coda”(1982), un disco compuesto por temas inéditos y grabaciones de conciertos, por lo que es más cercano al sonido puramente Zeppelin que sus dos discos anteriores. Temas destacables del disco son Poor Tom, Darlene, Ozone baby o Bonzo's montreux, donde escuchamos un solo de batería de 4 minutos al que Page añadió posteriormente efectos de sonido (imagino, un homenaje al entonces recién fallecido Bonham...).
Así, llegó el fin de la actividad del grupo y su disolución definitiva, pero nunca quedaron ni quedarán en el olvido. Una conjunción perfecta de talentos que nos han obsequiado con auténticas joyas musicales que forman parte de la historia de la música. Inigualables, auténticos y absolutamente imprescindibles.
No puedo despedirme sin dar las gracias a mi hermano Arturo, fiel seguidor de los Zeppelin desde que tengo uso de razón: gracias por descubrirme a este pedazo de grupo cuando aún era una enana.
Es difícil escoger entre tantos temas de tal calidad... Os dejo con Celebration day, que a punto estuvo de no aparecer en el “Led Zeppelin III” debido a un error en la grabación: se había eliminado por error el comienzo de la batería, pero pudo ser 'arreglado' usando el sintetizador que aparecía en el tema anterior. La verdad es que este resultado es atrapante, ya que cuando entra finalmente la batería resulta fulminante, el tema arranca de manera imprevisible desbordado de energía.
Y para que los podáis ver actuando en directo, la profunda Dazed and confused.
¡Tremendos!
