Bruna Sonora es un grupo que rompe con lo tradicional a pesar de que la semilla de sus composiciones son precisamente la tradición. Se les etiqueta a menudo dentro del folk, ya que las melodías de las que parten sus temas pertenecen principalmente al folklore español, pero muy alejado del sonido folk habitual, con muchos otros elementos de estilos tan diversos como el jazz, el flamenco, la música clásica, klezmer, turca o bereber.
Su lema es "Creaciones, alquimias y aleaciones musicales", y es que las composiciones de Javier Bruna, líder de esta banda de 12 músicos, recorren muchos paisajes sonoros diferentes, con grandes contrastes de estilo, de carácter, de tempo, de color... Tan pronto pasan de un momento ambiental y evocador como rompe un pasaje rítmico de naturaleza flamenca o turca; escuchamos un tutti con múltiples capas simultáneas y acto seguido a una pequeña sección de la banda que nos envuelve en la intimidad trasladándonos a un lugar totalmente diferente... El desarrollo es inesperado, y como si se tratara de una banda sonora de película, acompaña a las imágenes que el oyente podrá llegar a visualizar al escucharlos.
Su primer y único disco hasta la fecha es "Tarareando", presentado a principios de este año. El diseño, muy cuidado, ya nos advierte de que no es un disco al uso. Original, fresco y sorprendente, además de ser muestra del gran trabajo compositivo e interpretativo que hay detrás.
Además del disco principal, nos obsequian con otro disco extra llamado "Miniaturas", donde suenan pequeños temas (por duración e instrumentación, no por calidad) que son la semilla de los temas 'grandes' del disco. Una delicada delicia para paladares minimalistas.
Entre los temas de Bruna Sonora encontramos Creaciones, cuya melodía raíz bien podría ser tradicional por sonoridad y carácter, pero que son originales de la banda. El Zoco, cantado en bereber,o uno de los temas que tocan en directo y que probablemente será parte de su siguiente disco, Gira o mundo, en portugués a ritmo de fandango.
Alquimias, que son transformaciones y recomposiciones que surgen desde melodías tradicionales pero con un sentido único y muy distinto a su sonido tradicional, como La Tarara en África (la universal Tarara que parece pasear por África encima de un camello), Danza sonora (a partir de la melodía de la Danza española nº5 de Granados, con tintes jazzísticos muy evocadores y envolventes), El burro (que deja a la Tía vinagre a paso de zambra) o El cant dels ocells (que coquetea con ritmos Stravinskianos y, como si un ser bipolar se tratara, cambia de carácter cada poco tiempo, pero siempre con gran sentido musical).
Y las Aleaciones musicales, donde varias melodías se combinan y entrelazan jugueteando en un mismo tema, en un perfecto ensamblaje compositivo: El Vito anda de Jaleo (las populares El vito + Anda jaleo) u otro tema que interpretan en algunos directos pero no está incluído en este disco, La danza ritual de Carmen (la Habanera de Carmen de Bizet fusionada con La danza ritual del Fuego de Falla).
Otro punto maravilloso de Bruna Sonora es la conexión de sus miembros, algo que se nota dentro y fuera del escenario. Complicidad, empaste, sentimiento y buen rollo, además de tener un sólido directo en el cual nos transportan de un paisaje a otro con mucha fluidez.
Con todos estos ingredientes, uno se queda embriagado, viajando de una escena a otra, con muchos detalles a los que prestar atención (si uno quiere profundizar más en cada composición tiene material de sobra...), un cuidadísimo desarrollo y una concepción única sobre el significado de la palabra 'tradición'. Una música auténtica y sincera sin un referente previo al que poder asemejarse (o al menos, yo no lo he encontrado).
Os invito a deleitaros con dos de sus temas, La Tarara en África y Danza sonora.
Aquí empieza vuestro viaje sonoro. ¡Disfrutad y dejaos llevar!
Recuerdo el primer día que escuché a Laura Mvula. Nada más sonar los primeros compases de Like the morning dew, tema que abre su disco "Sing to the moon", me atrapó, me dejó prendada, envuelta en ese halo tan hipnótico, tan evocador, delicado pero al mismo tiempo con cierta fuerza contenida. Y con cada tema que pasaba, más me embriagaba. Desde aquel día, he escuchado este disco muchas veces, siendo de lo mejor que he podido degustar en los últimos años. Me alegro mucho de que haya sido tan bien recibido por la crítica y el público.
A raíz de esto escuché sus otros discos, esperando quedar igualmente fascinada. "With Metropol Orkest" es estupendo, ya que contiene los mismos temas pero grabados con la Orquesta Metropol, que ha tocado y grabado con numerosos artistas desde hace décadas, funcionando tanto como una Big Band como una Orquesta Sinfónica.
Su tercer disco (y último hasta la fecha) "The dreaming room" no me ha llegado tanto, ni de lejos. Aunque es un buen trabajo, eso no puede negarse, toma un camino diferente y su carácter general está más alejado de los anteriores. Es curioso porque sus temas sí mantienen la esencia compositiva de Mvula, pero el resultado final desprende un sonido más frío y menos sugerente, lo cual probablemente tenga que ver con la producción, menos intimista y más, podríamos decir, eléctrica (que no electrónica).
Así que voy a centrarme en el delicioso "Sing to the moon" (2013), un álbum que, me atrevo a decir, es pionero en cuanto a concepción, abriendo un camino nuevo y desafiando convencionalismos pero desde la pura sencillez y elegancia, e interpretado con gran exquisitez.
Melodías interesantísimas que ensamblan perfectamente con coros e instrumentos, tan envolventes gracias al timbre de Mvula, su particular fraseo y su modo de emplear los contrastes de dinámicas y registros. Encontramos también contrastes entre secciones y una cuidada instrumentación que aporta un rico sonido orquestal.
No resulta fácil clasificar esta música, pues tiene un sonido muy personal que hace que sea única y auténtica. Podríamos decir que es en esencia soul (pero alejada del estilo de las cantantes soul que están tanto tiempo en los agudos luciendo chorrazo), con tintes gospel y pop y un sinfonismo clásico que en algunos momentos adquiere cierto aire marcial.
Entre las composiciones de Mvula destacaría Can't live with the world, I don't know what the weather will be, She, Like the morning dew, Make me lovely o Sing to the moon y algunos cortes más rítmicos, como That's alright o Green garden.
Como muestra de este magnífico disco, os dejo con Make me lovely y I don't know what the weather will be.
Mágico.
Estos neoyorkinos desprenden un sonido muy particular y evocador: música instrumental que combina elementos soul y funk, y que recuerda en numerosas ocasiones a las películas clásicas o a los westerns. Sus temas no tienen cambios bruscos ni grandes contrastes, todos fluyen con cierta sutileza, combinando ostinatos y líneas melódicas en los vientos para recrear atmósferas que mantienen el interés sin apenas viariación, siempre con la batería y el bajo manteniendo el groove y el constante latir de la música.
Sus componentes están simultáneamente en The Dap-Kings, The Budos Band y Antibalas, todos del sello Daptone y su filial Dunham Records (donde todos los aparatos son analógicos, para conservar el sonido de antaño). Ellos son Thomas Brenneck (guitarra), Nick Movshon (bajo), Homer Steinweiss (batería), David Guy (trompeta) y Leon Michels (saxo tenor), con colaboraciones a la percusión y los teclados.
Su primer disco, "Make the Road by Walking" (2008) es maravilloso de principio a fin, no tiene desperdicio. Cada tema nos llega directo a las entrañas, ofreciéndonos un recorrido por delicados y siempre estimulantes sonidos. Make the road by walking, The Traitor, The Contender, Karina, Home again, Birds... Una delicia que tras la primera escucha necesitarás volver a disfrutar.
"The Crossing" (2012) puede resultar aún más evocador si cabe, con sonoridades siempre plácidas pero excitantes. The Crossing, Bullet for the Bagman, Keep Coming Back, Sleigh of Hando Seven is the Wind son muestra de ello.
También podemos escuchar a Menahan Street Band acompañando al cantante Charles Bradley (aunque más bien es Bradley quien les acompaña a ellos) en los discos "No time for dreaming" (2011) y "Victim of love" (2013).
Björk tiene un sonido único y claramente identificable. Es difícil dejar pasar su música sin que capte nuestra atención, para posteriormente conquistarnos y arrastrarnos a su particular universo sonoro.
Imparable en su afán de experimentación e innovación, su música es muy ecléctica, jugando con multitud de géneros y estilos diferentes: electrónica, dance, pop, folklore, música 'clásica'...
Nos envuelve con una gran riqueza de texturas y ritmos, junto con las melodías atípicas pero deliciosas de su voz, tan expresiva, y que resulta delicada pero al mismo tiempo potente.
Solo por sus primeros discos, especialmente "Post", "Homogenic" y "Vespertine", merece un gran reconocimiento. Esos discos, junto al anterior, "Debut", rebosan personalidad, imaginación y creatividad, haciendo que la complejidad de su música aparente sencillez.
Esta islandesa (de apellido Gudmundsdóttir) publicó su primer álbum con 11 años, "Björk" que tuvo bastante éxito en su país. Con un sonido altamente infantil y temas en islandés, resulta curioso aunque no es especialmente reñesable más allá del hecho de escucharle cantar y tocar la flauta en su niñez. En él aparece una particular versión de Fool on the hill de los Beatles, Alfur ut ur holl.
Después de ese disco se retiró de los escenarios y tras estudiar en el Conservatorio pasó por diversas agrupaciones de tintes punk, hasta llegar a Sugarcubes, grupo más pop con quienes grabó tres discos y que consiguió mucha popularidad tanto en Islandia como en el Reino Unido y EEUU.
Se mudó a Londres y fue acercándose a un estilo más dance y house, lo que mostró en su disco "Debut" de 1993, que tuvo una gran acogida. Un disco original donde combina temas bailables con otros más sensuales, y donde desplegó toda su versatilidad vocal. Contiene varios de sus grandes éxitos: Human behaviour, Venus as a boy y Violently happy.
Dos años después publicó "Post", un fantástico disco para el que contó con varias colaboraciones para la composición y producción, y que se alejaba de la música que podía escucharse en ese momento. En él se combinan temas electrónicos con cierto sonido industrial (como los tremendos Army of me, Hyper-ballad, Enjoy o I miss you) con otros más delicados y evocadores (Possibly maybe, Isobel y Cover me). Aparece también su versión del tema de los 40 It's oh so quiet, que parece una creación original de Björk, ya que le viene como un guante.
Los temas de "Post" fueron remezclados y publicados bajo el título de "Telegram".
En esos años Björk ya era muy reconocida y tenía muchos seguidores, entre ellos un fanático que podía haber acabado con su vida. Durante meses éste grabó un perturbador video en el que mostraba su obsesión por la cantante, la fabricación de un paquete bomba con una carta en ácido sulfúrico que después envió a Björk, y finalmente grabó su suicidio mientras escuchaba una de sus canciones. Por suerte no cumplió su objetivo, ya que la policía encontró el cuerpo y el vídeo antes de que el paquete llegase a su destino. En esos días, Björk se marchó a España, impactada y trastornada por lo sucedido, y durante su estancia en Andalucía grabó el conmovedor tema So broken junto a Raimundo Amador.
Pocos meses después del disco de remezclas publicó "Homogenic", grabado en España, y de nuevo arropada por diversas colaboraciones. Resulta fascinante de principio a fin. Repleto de temas muy expresivos y experimentales, donde predomina un sonido más ambiental y atmosférico que llega directo a las entrañas y el corazón. Contiene grandísimos temas como Joga, Hunter, Unravel, Bachelorette, Immature o All is full of love. Pluto aporta una gran dureza y punto psicótico a este disco envolvente y embriagador.
En el año 2000 tuvo una incursión en el cine actuando en una película de Lars von Trier, "Bailando en la oscuridad" ("Dancer in the dark"), para la cual además compuso la música junto a Mark Bell ("Selmasongs"). Hubo una gran lucha de egos, y decidió que no volvería a hacer una película. En sus propias palabras, "fue como si Napoleón intentara dirigir a Pipi Calzaslargas".
Para su siguiente disco se encargó de la mayoría de la producción y arreglos, prescindiendo de tantas colaboraciones. "Vespertine" (2001) suena íntimo y delicado, y en ciertos momentos muy minimalista, con un juego constante de texturas y atmósferas que nos hace pensar que estemos en un sueño o una fantasía. Con temas como Pagan poetry, Hidden place, Undo, Unison o It's not up to you.
Sus cuatro álbumes siguientes me han dejado bastante indiferente. No puedo negar que son innovadores y arriesgados, pero para mi gusto resultan demasiado vanguardistas y abstractos, poco fluídos y carentes del gancho que tenían los anteriores y de la fuerte personalidad que emanaba cada uno de sus temas de antaño.
Son sorprendentes y diferentes, sí, pero su escasa coherencia hace que no dejen la misma huella que los anteriores. Quizá porque no son tan 'cantables', más complejos de asimilar y recordar, demasiado 'extraños'. Quién sabe, lo mismo estamos ante la música del futuro y puede que no esté preparada... sin duda, a muchos les parecerán fabulosos. "Medulla" sorprendió en 2004 con el poco uso de instrumentos, predominando la interpretación vocal con coros y temas a capella, donde juega con la voz entre susurros, sonidos guturales y líneas melódicas más atípicas de sus ya de por sí atípicas melodías. Un disco interesante aunque personalmente no me atrapó, al igual que me ocurrió con "Volta", cuyos ritmos y estructuras altamente abstractas provocan que los temas me resulten demasiado pesados y cargantes.
"Biophilia" (2011) rebosa exploración y experimentación, aunque creo que Björk se está perdiendo entre tanto vanguardismo y la musicalidad está cada vez más lejana, siendo de compleja degustación. Es el primer disco de la historia en lanzarse como 'App-album', con aplicaciones, videos e imágenes de diferentes agencias espaciales. Así, suena muy 'espacial' y atmosférico en su juego con las texturas, aunque de nuevo no encuentro ningún tema que esté dotado de una personalidad y carácter especiales, sonando -podríamos decir- como una base ambiental sobre la que se mueve imprevisible una voz que narra cantando. Me resultaron curiosos Cosmology, Thunderbolt y Virus, pero poco más que eso.
El año pasado publicó "Vulnicura" que no he podido escuchar con detalle, pero bajo una primera impresión, me resulta más interesante. Si alguno lo habéis podido degustar con más tiempo y queréis opinar, vuestros comentarios serán enormemente bienvenidos (¡como siempre!). He podido ver también el videoclip de Stonemilker, grabado en una playa y que sorprende por haber sido grabado en 360º grados, por lo que podemos movernos a lo ancho y alto del mismo mientras el video sigue su curso. Björk continúa innovando más allá de lo puramente musical, como ha ocurrido siempre con sus videoclips y sus estrambóticas vestimentas.
Para que disfrutéis de esta música tan personal y atrapante, os dejo con dos de los mejores temas de su gran época: Joga y Army of me. Bienvenidos al universo Björk.
Lettuce son en esencia funk, y pueden estar tocando prácticamente lo mismo durante minutos sin decaer ni hacerte perder el interés. Se conocieron en 1992 mientras realizaban un curso de verano en la prestigiosa escuela de música moderna Berklee, en Boston. Siendo aún unos jovenzuelos, comenzaron a tocar bajo el nombre de Lettuce (al parecer porque iban por los locales de jazz de la ciudad preguntando "Will you let us play?"). Al marcharse de Boston cada uno siguió su camino en la música, hasta que finalmente se reunieron años más tarde.
A lo largo de sus tres discos, Lettuce ha ido evolucionando desde un funk más convencional, hasta encontrar un sonido más personal. Erick Coomes, su bajista, es fascinante, la gasolina del grupo, tanto por sus solemnes líneas de bajo como por la presencia que tiene en el escenario. Aunque por supuesto también tienen un papel crucial en este sonido los demás miembros: Eric Krasno y Adam Smirnoff (guitarras), Neal Evans (teclados), Sam Kininger y Ryan Zoidi (saxos), y Adam Deitch (batería). Colaboran con ellos Rashawn Ross (trompeta) y Nigel Hall (voz).
Deitch es además el co-fundador de la Royal Family Collective, como bien dice su nombre, un colectivo donde todo queda en familia: músicos profesionales que, dentro de un mismo círculo, forman parte de diversos grupos musicales que combinan funk, soul, jazz y hiphop.
El primer disco de Lettuce es "Outta here" (2001). Podría verse como una colección de recursos y clichés del funk de los años setenta, combinados para hacer un disco que podría servir como play-along... Los grooves de bajo, las líneas de los vientos y los riffs de guitarras no aportan nada especialmente nuevo, aunque como buenos músicos que son, muestran su consistencia y precisiónmanteniéndose firmes durante todo el disco.
Aun con ese exceso de clichés, contienetemas de calidad como Back in Effect,The Flu (con John Scofield), Reunion o Superfred (una visión del Superbad de James Brown). El sonido Lettuce empezará a brotar en su siguiente disco, "Rage!" (2008), más elaborado. Los temas son más dispares entre sí, utilizan nuevos sonidos y efectos, más variedad de riffs y melodías, y contrastes más marcados de secciones (dentro de esa 'simplicidad' que les caracteriza). En este aparecen grandes temas como Blast Off (encargado de abrir el disco), Last Suppit, Need to Understand, o Sam Huff's Flying Ragin' Machine. Su tercer y último disco hasta el momento, "Fly" (2012), es a mi parecer el que tiene un sonido más rico y más identidad propia. Existe una mayor creatividad, con arreglos más elaborados y algunoscontrastes inesperados, manteniendo el groove a lo largo del disco. Imperdibles Ziggowatt, Bowler, Lettsanity, Fly, Ghost of Jupiter, Let it Gogo o Jack Flask.
Quería dejaros con Lettsanity y Ziggowatt, esperando que nos deleiten con un nuevo disco pronto, y sobre todo, que vengan a España alguna vez para gozarlos en vivo.
Dentro del panorama actual encontramos al versátil Roy Hargrove, un trompetista que ha colaborado con grandes músicos de jazz como Herbie Hancock, Jimmy Smith o Shirley Horn, y al que podemos encontrar tocando el jazz más clásico (como en la Roy Hargrove Big Band, donde además es director y arreglista) o combinándolo con elementos más modernos procedentes del funk, soul o del hip-hop (The Roy Hargrove Quintet o, más claramente, en The RH Factor). Eso sí, siempre rodeado de músicos de primera, como lo es él, por supuesto.
El tema con el que os dejo hoy, Strasbourg St. Denis, es un tema indispensable para disfrutar con un jazz fresco y actualde corchea recta, y como dice el propio nombre del disco en el que aparece, "Earfood", es auténtico alimento para nuestros oídos.
Los demás componentes del quinteto no tienen desperdicio: el gran pianista Gerald Clayton, Danton Boller al contrabajo, Montez Coleman a la batería y Justin Robinson al saxo alto (a mi parecer, el más discreto, basándose demasiado en patrones y licks y dejando a un lado una mayor creatividad melódica a la hora de improvisar; pero no se puede negar que es un gran músico).
Los temas que forman este disco son en su mayoría composiciones de Hargrove, con algunas versiones, como el que abre el disco, el implacable I'm not sure (de Cedar Walton) o Speak Low (de Kurt Weill, de quien podéis encontrar una entrada en este blog). Desde baladas con sonoridades evocadoras y melodías finas y delicadas, a otros con una gran fuerza rítmica y melodías más beboperas. Mr. Clean, Brown, The Stinger o Starmaker son algunos de ellos.
Aquí está Strasbourg St.Denis, con una melodía llena de buenrrollismo que, junto al groove de base del grupo, hará bailar vuestros cuellos. Sobre todo esta versión en directo. Pura crema.
(Y por si os quedáis con ganas de más, I'm not sure).
Estamos ante uno de los grupos soul-funk con más energía y vitalidad de los últimos tiempos. Y no solo por la increíble fuerza de su cantante, Sharon Jones, sino también por la magnífica banda que la acompaña, los Dap Kings.
Juntos nos deleitan con temas que nos remontan a mediados de los años sesenta y los setenta, manteniendo la estética e intensidad de ese soul que tanto se añora. Además su sonido es impecable, tanto por el alto nivel de interpretación como por la calidad de sonido (graban con equipos analógicos, pudiendo así mantener y emular la calidez de las grabaciones clásicas de soul).
El grupo está en la discográfica Daptone Records, co-fundada por el bajista y líder del grupo, productor y compositor de la mayor parte de los temas: Gabriel Roth, más conocido como Bosco Mann (quien, por cierto, aparece siempre con gafas de sol debido a un accidente de tráfico que le dañó los ojos).
Junto a él, la banda la completan dos guitarristas, dos saxofonistas, un trompetista, un batería y un percusionista, y entre todos no dejan que el groove deje de fluir (lo cual pude comprobar con gran admiración y placer en el Festival de Jazz de San Sebastián de este año...).
Y junto a esta perfecta ejecución instrumental, la enérgica voz de Sharon Jones, quien a sus 56 años resplandece e impresiona en el escenario. ¡Era como ver al mismísimo James Brown, pero con un vestido plateado de flecos a lo Tina Turner...!
Sus cinco discos son de gran calidad, manteniendo un sonido que nos traslada atrás en el tiempo (incluso algunas de sus portadas captan perfectamente la estética de la década de los sesenta, fruto de la nostalgia y añoranza de los vinilos de esa época).
Su primer disco muestra un sonido más funk, "Dap Dippin' with Sharon Jones and the Dap Kings" (2002), y tres años después presentaron "Naturally", donde comienza a tener más presencia el soul. Sus siguientes discos fueron "100 Days, 100 Nights" (2007) y "I Learned the Hard Way" (2010), un disco cuya música suena aún más expresiva, profunda y podríamos decir, emocional, con un sonido menos funk, en el cual Sharon muestra una fuerza aún mayor, fruto de su evolución y de una identidad más definida. Su último disco hasta la fecha es "Soul time!" (2011), compilación de rarezas y caras B.
Temas imperdibles son This Land is Your Land, Got a Thing on my
Mind, Genuine, 100 Days 100 Nights, If You Call, Better Things to Do,
Give me a Chance, Something's Changed... entre tantos otros.
Varios miembros de los Dap Kings fueron además los músicos de estudio del "Back to Black" de Amy Whinehouse, y algunos de ellos (entre ellos Bosco Mann) están de forma paralela en el grupo Menahan Street Band (muy recomendables), que mantienen parte de la esencia de los Dap Kings.
Todos sus discos y temas dan buena muestra de la gran calidad de la banda, la elegancia y nivel interpretativo, y también la enorme fuerza y personalidad de su cantante, una auténtica diva del soul cuya voz encaja a la perfección con las composiciones del señor Bosco Mann.
Sharon Jones se dio a conocer hace una década, ya que antes no tuvo la oportunidad de grabar como solista. Durante su vida cantó en coros gospel, acompañó a algunos artistas y trabajó durante años como funcionaria de prisiones (no sé por qué no me sorprende demasiado... escúchala y admírala en directo y probablemente entenderás por qué).
Uno de los vídeos que os enlazo, aunque no es el mejor tema (al menos melódicamente, porque rítmicamente es un cañón), es una magnífica muestra de la energía que desbordan Sharon Jones y los Dap Kings. ¿No es fantástico escuchar este sonido a día de hoy? Si no supiésemos nada del grupo y los escuchásemos por primera vez, podríamos pensar que es una grabación de hace décadas, tan 'James Brown'.
Este tema es Soul Train (como el programa de televisión americano que estuvo décadas en activo, presentando artistas de soul, R&B y funk entre otros estilos), donde nos invitan a coger ese Tren del Soul, viajando junto a ellos parada tras parada (con baile del pollo incluído).
No aparece en ninguno de sus discos, y sinceramente, no consigo averiguar si es composición propia del grupo o es una versión (al final de este tema podemos escuchar parte de When I come home, tema del grupo). Si alguien lo sabe, su comentario será enormemente agradecido.
El otro video contiene su tema Genuine, energía contenida con una fabulosa línea de bajo.
Bajo una apariencia delicada y frágil, nos encontramos con un torbellino: Hiromi es pura energía, potente y al mismo tiempo sensible y emotiva. Esta formidable pianista japonesa despliega una brillante técnica sin dejar de lado la expresividad en sus composiciones e improvisaciones (ni su sonrisa durante sus interpretaciones).
Sus temas abarcan distintos estilos, hay de todos los colores, lejos de clichés y música predecible: acelerados y rítmicos con aires de ragtime o stravinskianos, lentas baladas jazzeras, tintes más clásicos, sonoridades de videojuego manga, otras con toques de rock progresivo casi inclasificables...
Desde muy joven ha tocado música 'clásica' y jazz, estudiando con Óscar Peterson y Ahmad Jamal, y con solo 17 años ya tocaba con Chick Corea.
Hasta la fecha tiene publicados 7 discos: cuatro como Hiromi, dos como Hiromi Sonic's boom (¡y tanta explosión sónica...!) y uno con su nueva formación, The Trio Project. Una carrera muy prometedora a la que, esperemos, aún le quede un largo recorrido.
He escogido Edge, del disco "Spiral"(2006), que nada más escucharla me atrapó con su inquietante ritmo y cambios de acentuación constante, ¡exquisito! En este enlace podréis verla en una actuación en directo. También os dejo con Reverse, del mismo disco y con la misma esencia. E igualmente espectacular.
Tras mi reciente visita al 46 Festival de Jazz de San Sebastián, me he quedado con un excelente sabor de boca al haber descubierto grandes músicos (algunos de ellos con años de andanza a sus espaldas, pero que yo desconocía), sobre todo buenísimos bateristas y bajistas, que además de una indudable técnica mostraban una enorme creatividad.
Los músicos que sin duda más me llegaron e impactaron del festival fueron Medeski, Martin & Wood. John Medeski (teclados, con Hammond, sintetizadores y melódica), Billy Martin (batería) y Chris Wood (bajo y contrabajo) son un trío que se formó a principio de los 90 y cuyo sonido va más allá del jazz conocido como tal, mezclando soul, funk, electrónica, toques del acid-jazz propio de los 60 y el jazz más rockero de los 70, con improvisaciones llenas de experimentación. Una mezcla explosiva que hacen que este sonido sea tan diferente y envolvente (y claro, es que son veinte años tocando juntos...).
Me conquistaron con su directo, formando un quinteto para la ocasión junto con los componentes de Soul Bop: Bill Evans (saxo, no confundir con el mítico pianista) y Randy Becker (trompeta).
Juntos hicieron que la aproximadamente hora y media de concierto fuese memorable e inigualable, a pesar de estar acompañados por la lluvia al aire libre en la plaza de la Trinidad (eso sí, la organización nos proporcionó unos chubasqueros que nos salvaron de acabar completamente calados). Pero como digo, sin duda valió la pena. ¡Y tanto! (sobre todo después del soporífero concierto que dio John McLaughlin...).
Groove potente y contagioso, a menudo cercano al boogaloo, junto con unos vientos que enriquecían cada tema con sus líneas y solos llenos de carácter y creatividad.
Adentrándome en su música, he escuchado solamente parte de su discografía, ya que hasta la fecha cuentan con 14 discos como trío además de un impresionante disco con John Scofield que merece un post aparte: "A gogo".
Para que podáis deleitaros con lo que hicieron estos chicos en el Festival, os dejo con uno de los temas que disfrutamos para que los podáis gozar vosotros también: Cool Eddie, original de Bill Evans.
Interpol es uno de los grupos de la última década que han sido capaces de ofrecer, dentro de su configuración clásica de rock, una propuesta innovadora, manteniendo un caracter sombrío y oscuras atmósferas que son al mismo tiempo líricas y poéticas, tal como ocurría con algunos grupos de los ochenta (como Joy Division).
Las estructuras de sus canciones, a pesar de poder ser bastante básicas y repetitivas, son realmente eficientes gracias sobre todo a la profundidad de sus melodías (aunque lineales) y a la penetrante pero rotunda sencillez de la batería, bajo y guitarras.
Tras varios Eps, sacaron su primer disco en 2002, "Turn on the bright lights", una auténtica perla musical del siglo XXI donde cada uno de sus temas no tiene desperdicio: Obstacle 1, Obstacle 2, PDA, Roland, Hands away... Dos años más tarde presentaron "Antics", otro gran disco que sigue la línea del anterior, con esa misma sonoridad sombría pero sin caer en la monotonía, dejándonos temas de una gran interés, como Narc, Take you on a cruise, C'mere, Evil o Slow hands.
Su tercer disco, "Our love to admire" (2007) continúa dando fe de la calidad musical del grupo y de cómo continuar en la misma línea sin perder credibilidad, aunque quizá sea un disco más 'blando' que los anteriores. Contiene también buenos temas, tales como The scale, Who do you think o Mammoth. Su último disco, el homónimo "Interpol"(2010) presenta un sonido ligeramente distinto a los anteriores, y sus temas por desgracia son menos sorprendentes y más insulsos, más repetitivos y, podríamos decir, más pop.
En definitiva, Interpol es uno de esos grupos que, lejos de sorprender haciendo una música muy innovadora, sí sorprenden muy gratamente con un estilo sencillo que combina sabiamente los elementos sonoros típicos del genero (aunque para mí ha sido una decepción encontrarme con el nuevo rumbo que han tomado en su último disco, después de los tres primeros).
Os dejo con dos de los temas de su primer disco: Obstacle 1 y Hands away.
Quién sabe con qué nos sorprenderán de aquí en adelante... ¿nuevo camino o retomarán su carácter inicial...?
Cake es uno de estos grupos de difícil clasificación. Formado en 1991, su música combina estilos muy diversos, como el rock, country, pop, indie... Una línea de bajo muy clara y definida, detalles de trompeta que aportan cierta frescura, y unas melodías vocales de peculiar vocalización y muy lineales, entonadas a la manera del canto-hablado.
La contra que tienen Cake es que hay demasiado contraste entre la calidad de sus temas: tan pronto encontramos temas buenos y con gancho, como
escuchamos otros que no pasan de ser 'interesantes' (o ni siquiera
eso...). Por supuesto, es una percepción personal, ya que actualmente es
un grupo muy valorado y que cuenta con un gran reconocimiento, sobre
todo en Estados Unidos, donde ocupan altos puestos en las listas y
muchos de sus temas aparecen en series de televisión y películas. Pero personalmente, no creo que sea un grupo que pueda realmente sorprendernos con cada trabajo que hagan.
Durante su trayectoria, ha habido unos cuantos cambios en su formación, pero siempre liderados por el cantante John McCrea, miembro tan identificativo de la banda.
El primero de sus seis discos de estudio (hasta el momento) fue "Motorcade of Generosity", de edición y distribución propia, y que posteriormente fue relanzado en 1994 por una discográfica. En él se aprecia ya el guitarreo, trompeteo y melodías característicos, aunque con un sonido más country y ranchero que en sus discos posteriores. Algunos temas rescatables son You part the waters, Haze of love o Is this love?.
El verdadero reconocimiento de Cake surgió en 1996 con su disco "Fashion nugget" (de lo mejor del grupo). Con buenos temas como The distance, la versión del tema de Gloria Gaynor I will survive, Race car Ya-yas, Frank Sinatra, Nugget o Friend is a four leter word.
En 1998 presentaron"Prolonging the magic", a mi parecer, menos elaborado que el anterior, y con menos temas realmente buenos, entre los que extraería algunos como Never there, Where would I be o Hem of your garment.
En su cuarto disco presentaron un trabajo de nuevo interesante, "Comfort eagle"(2001), con un carácter más rítmico y con algo más de potencia (siempre dentro de una contención considerable). Canciones como Commissioning a Symphony in C, Long line of cars, Comfort Eagle, Love you madly o Arco arena (prácticamente instrumental). Short skin/long jacket tiene un videoclip bastante curioso: en él
se muestra la canción a distintas personas de la calle a través de unos
cascos de música, y mientras lo escuchan dan su opinión o hacen sus
comentarios al respecto (podemos ver reacciones muy diversas: personas
entusiasmadas, que sonríen, bailan o mueven la cabeza al ritmo, u otras
personas más críticas y reacias...). Bueno, probablemente esté preparado
y no sean reacciones reales, pero ciertamente es original (y en momentos
el tema recuerda demasiado al Sweet Jane de Lou Reed...).
La primera vez que escuché su siguiente disco, "Pressure chief", de 2004, fue como si ya hubiera escuchado la
mayoría de esos temas. No es que sean malos o resulte un
mal disco, pero no sorprende, no aporta nada nuevo ni temas que, aunque mantuvieran la línea anterior, tengan cierto interés. A principios de este mismo año han presentado nuevo disco, "Showroom of compassion". Aún no he tenido ocasión de escucharlo con mucha atención ni exprimirlo, pero su sonido está bastante cambiado, y sinceramente, me ha dejado bastante indiferente una vez más. De él rescataría apenas un par de temas, nada especialmente reseñable.
Os dejo con Long line of cars y Friend is a four leter word. Una anotación: four-letter word hace referencia a una palabra que puede
considerarse vulgar u ofensiva, como palabras escatológicas, sexuales...
(tales como cunt, dick, cock, fuck, piss, butt... todas de cuatro
letras). Así es como sienten Cake la palabra 'amigo' cuando ella
se la dice, como una de esas palabras de cuatro letras, y 'end', el
final de la palabra, es la única parte que realmente tiene sentido...
Espero que no sigan conformándose con hacer temas 'decentes' y 'pasables', y compongan algo que pueda perdurar más allá de unos minutos, porque sus ideas son buenas, pero quizá no cómo las desarrollan. ¿Vosotros qué opináis?
REM (que tomaron el nombre de Rapid Eye Movement, una fase del sueño), se han convertido en uno de los grupos claves de la historia del rock. Con 15 discos a sus espaldas hasta el momento (sin contar recopilatorios ni directos) han demostrado que hacen música de calidad, y muchos de sus temas se han convertido en clásicos del siglo XX. Es complicado etiquetarlos en un estilo concreto; sonarán más o menos rock, más o menos folk, más íntimos o más cañeros, pero durante décadas han conseguido seguir manteniendo su sonido REM, a pesar de las ligeras variaciones de estilo según la etapa de su carrera.
Durante mucho años fueron un cuarteto (posteriormente trío), formado por Michael Stipe (voz), Mike Mills (bajo, teclado y coros), Bill Berry (batería) y Peter Buck (guitarra). Su sonido es una mezcla de rock y pop con toques folk y country (sobre todo en sus comienzos), y son características sus líneas melódicas, que tienen una identidad única gracias a la inconfundible voz de Stipe.
Hablar detenidamente de cada uno de sus discos sería un trabajo demasiado largo y complejo, así que haré un rápido recorrido sobre su trayectoria, llena de discos que fueron viendo la luz con poco tiempo de diferencia entre uno y otro, y que son una clara muestra de la evolución del grupo durante unos 30 años.
Su primer disco"Murmur" (1983) recibió muy buena acogida. Sonaba muy fresco, con grandes temas como Catapult, Radio free Europe, We walk o 9-9. Al año siguiente publicaron "Reckoning", un disco rítmico con bastante fuerza (So. Central Rain o Pretty perssuasion son algunos de sus temas). Continuaban a toda velocidad sacando un disco por año: "Fables of reconstruction" (1985) seguía la misma línea que los anteriores aunque algo más tranquilo: contiene muy buenos temas como Maps and legends, Driver 8 o Crazy.
Sin perder las buenas costumbres, un año después llegó "Lifes rich pageant", considerado por muchos como uno de los mejores discos de los 80. Más rockero que el anterior y con un sonido que empieza a definir más claramente el 'color REM': Superman, Cuyahoga o Fall on me son algunos de sus temas.
En 1987 sorprendieron con el gran disco "Document", donde aparecen los clásicos It's the end of the world as we know it y The one I love. En ese momento, REM ya eran muy reconocidos y valorados, y contaban con una gran cantidad de seguidores.
Con "Green" (1989) ficharon para la multinacional Warner Bros (con la que siguen hasta ahora), y ya se situaban en lo más alto de los grupos del momento. En él podemos escuchar Orange crush, I remember California o Stand.
Es entonces cuando comienza una nueva etapa para el grupo (a mi parecer, en la que sacan sus mejores discos, consiguiendo un sonido puramente suyo, tan característico y lleno de vitalidad). "Out of time" (1991) es algo más tranquilo y elaborado que los anteriores, y cuenta con temas que son ya símbolo del grupo, como Losing my religion o Shiny happy people (junto con Kate Pierson, cantante de B-52s, que colabora en otra de las canciones del disco). Otros menos conocidos, pero también muy buenos temas de este disco son Texarkana, Low o Radio song.
Al año siguiente sacaron el discazo "Automatic for the people" (uno de sus mejores discos), más delicado y tranquilo, absorvente y puro, con auténticos temazos (muchos de los cuales son ya míticos) como Drive, Everybody hurts, Try not to breathe, Man on the Moon o The sidewinder sleeps tonite. Por cierto, este disco fue arreglado por el mismísimo John Paul Jones, bajista de los Zeppelin.
Y en 1994 sacan el que, para mí, es su mejor disco junto con el anterior: el increíble "Monster", que contrasta totalmente con el sonido acústico y tranquilo de los anteriores. En "Monster" hay un carácter más rockero y abunda la distorsión, dando un sonido verdaderamente peculiar a cada canción (ya no solo suena 'a Rem', sino a 'Monster'). Temazos como What's the frequency Kenneth, King of comedy, Bang and blame, Circus envy, Crush with eyeliner... Vamos, que ninguno de los temas del disco tiene desperdicio, creedme. Un sonido intenso que llega directo a las entrañas para conquistarnos a la primera escucha.
Comienzan entonces una grandísima gira mundial, después de más de cinco años sin hacer ninguna, y la cual tuvo que interrumpirse debido a un cúmulo de problemas de salud que sufrieron los miembros del grupo: Berry sufrió una aneurisma cerebral, Mills tuvo que operarse para quitarse un tumor intestinal y Stipe fue operado de una hernia. Afortunadamente, todos se recuperaron y posteriormente continuaron con la gira.
En 1997 REM presentaban "New adventures in Hi-Fi". Reconozco que en un principio fui bastante reacia a este disco, infravalorándolo y dejándolo en un segundo plano. Probablemente se debió a que "Monster" era tan potente, tan absorvente y único, que esperaba un carácter parecido, pero en cambio era muy diferente (dejándome indiferente). Con canciones de estilos muy variados que, reconozco, me ha ido gustando más con los años. A día de hoy, puedo decir que tiene buenos temas como Binky the doormat, New test leper, Undertown, Leave o Bitersweet me.
En ese momento, Berry dejó el grupo (al parecer por la necesidad de reposo tras su enfermedad pasada y por la falta de motivación para continuar con giras y discos) y se marchó con su familia a vivir una vida más tranquila. A partir de ese momento, REM pasa a ser un trío, contando con baterías externos para grabaciones y directos.
"Up" (1998) surgió con un sonido más experimental que el que habían tenido hasta el momento (al margen de sus ligeros cambios estilísticos), menos tradicional y con un mayor empleo de sintetizadores. Aunque en su día me ocurrió igual que con el anterior, decepcionándome en sus primeras escuchas (probablemente por mi ansia de escuchar otro "Monster"), es otro buen disco, con canciones como Lotus, At my most beautiful, You're in the air o The apologist.
En los años siguientes publicaron "Reveal" y "Around the sun", discos que me dejaron (y aún hoy me siguen dejando) indiferente, con algún tema que puede resultar interesante, pero poco más, no dejaban una huella especial.
Empezaba a penar que REM iban a ir disipándose poco a poco hasta perderse en la nada, con un montón de nuevas canciones que iban a sonar siempre a lo mismo, como si fuera una misma cancion standarizada que modificaban un poco pero sin nada importante que aportar. Por suerte, cuando escuché su siguiente disco, "Accelerate" (2008) me alegré bastante porque el carácter de REM iba
de nuevo más allá de las baladas insulsas y excesivamente monótonas de los
últimos discos, era más potente, algo más furioso y parecía que tenían algo que contar. Tengo que escucharlo un poco más, y aunque como digo, me ha dado ciertas esperanzas de poder revivir el sonido REM de antaño, tampoco me ha enganchado completamente en su primera escucha.
Muy recientemente ha visto la luz "Collapse into now" (2011), el cual no he tenido ocasión de escuchar aún. ¡Si lo has catado ya, te animo a comentarlo!
Así que, viendo esta extensa producción musical y abarcando estilos algo diversos, es realmente complicado escoger solo dos de sus temas para ponerlos como muestra (bueno... todos les habéis escuchado seguro, aunque no sepáis que son ellos).
Por un lado, pondré uno del álbum "Monster", teniendo en cuenta que rompió bastante con lo que venían haciendo hasta el momento y que para mí es su mejor disco. Cualquiera sería una buena muestra; escojo el que abre el disco, What's the frequency Kenneth, el que me dio la vuelta a la cabeza nada más meter el cd en el radiocassette.
Y para que escuchéis uno que camine más cercano a su, digamos, estilo general, The one I love, un tema con una estructura sencilla y pocos cambios, pero que muestra muy bien la esencia del grupo. Os invito a adentraros en su música para que sintáis su recorrido desde vuestra propia percepción. Porque ya sabemos: para gustos, los colores.
Para continuar este compendio de imperdibles, qué mejor opción que hablaros del increíble concierto que dieron Primus en el Azkena Rock Festival de Vitoria el pasado 24 de junio. Como era de esperar, estuvieron impresionantes.
Es la primera vez que los veo en directo, y sinceramente, pensaba que nunca llegaría a hacerlo, después de tantos años con una actividad tan irregular. Somos muchos los fervientes seguidores de esta banda que durante años hemos gozado con su tan particular estilo y los hemos defendido alzándolos como uno de los grandes grupos de la historia del rock, aunque su música tiene también elementos metaleros o funk. Pero también hay muchos a los que su sonido no les atrae en absoluto, o a quienes les parecen aburridos o demasiado incoherentes.
Ley Claypool, eje fundamental de Primus, nos deleitó con su voz gangosa y nasal, con su creatividad desenfrenada y virtuosismo a las cuatro cuerdas; Larry Ler Lalonde con sus guitarreos y punteos tan característicos; y los pontentes ritmos de Jay Lane, batería original que ha regresado al grupo.
Claypool fue el alma del concierto, y además del bajo tocó el contrabajo eléctrico y la impactante whamola: una especie de contrabajo con una sola cuerda que se golpea con una baqueta, mientras con la otra mano se maneja una palanca que cambia la tensión de la cuerda y, así, su afinación. Había visto a Les tocarlo en más ocasiones, pero fue maravilloso verlo en directo ataviado además con una máscara de cerdo...¡momentazo!
Tocaron temas nuevos del disco que saldrá a la luz en unos meses, "Green Naugahyde", y como era de esperar (y para deleite de nosotros sus seguidores de tantos años) otros ya míticos pertenecientes a discazos como "Pork soda", "Sailing the seas of cheese" o "Suck on this": Here come the bastards (con el que arrancó el concierto), el esperadísimo My name is Mud, John the fisherman, Tommy the cat... Faltaron muchos otros, sí, pero son tantos temas emblemáticos que necesitaríamos una maratón primusiana para poder escucharlos todos, y además tenían que presentar material de su próximo disco. El concierto duró unos 70 minutos, que por cierto, pasaron volando.
Primus hicieron que valiera la pena asistir al festival. Yo fui expresamente para verlos a ellos, aunque hubo también actuaciones de otros grupos de gran calidad, como Queens of the Stone Age (que deleitaron con un magnífico concierto) o
Bad Brains (muy auténticos, después de más de 30 años tocando). También estuvieron Ozzy Osbourne y Rob Zombie, junto a sus fieles seguidores.
En mi cámara quedaron registrados algunos momentos del concierto de Primus (gracias a mi querida amiga Caroline, que grabó momentos del concierto mientras yo no paraba de saltar y bailar, absorbida por la energía y talento de estos músicos, ¡gracias!). La calidad no es muy buena, pero ahí queda.
Os dejo con una de estas grabaciones: uno de los nuevos temas que más me gustó del concierto, que finalmente, tras mucho buscar en internet (probando y probando, "she won't be coming back for holidays"...), encontré su nombre: Jilly's on smack, una gran muestra de lo que podrá ser su próximo y esperado disco.
Os enlazo también un video del mismo concierto donde podéis verle en acción con la whamola. ¡Concierto inolvidable!
Radiohead es uno de los grandes grupos de finales de los 90 hasta la actualidad. Son en cierto grado experimentales, con sonoridades muy particulares que surgen de una mezcla de rock alternativo, pop, post-grunge, música ambiental y electrónica (sobre todo en sus últimos discos), y cuyos temas tienen muchas veces unos desarrollos rompedores e imprevisibles, siempre con ese toque melancólico que les caracteriza, gracias además a la inigualable y expresiva voz de Thom Yorke.
Este grupo inglés surgió a finales de los 80, comenzando a tocar juntos bajo el nombre On a Friday, y tras terminar sus estudios universitarios retomaron el grupo con más continuidad y ficharon con una discográfica, cambiando su nombre al actual, Radiohead (como uno de los temas de Talking Heads).
En 1992 publicaron "Drill", con una edición limitada, y en el cual aparecían las primeras versiones de temas que desarrollarían posteriormente.Al año siguiente sacaron "Pablo honey", un buen disco de presentación pero que suena demasiado a pop 'blando', sin ese carácter puramente Radiohead. Al principio no recibieron demasiadas buenas críticas, aunque los medios sí reconocieron la calidad vocal de Yorke. En este disco aparece el aclamado (y demasiado exprimido) Creep, que curiosamente pasó inadvertido al principio, e incluso fue retirado de la radio de la BBC por considerarlo demasiado depresivo.
Otros temas de este disco son Anyone can play guitar, Blow out o Inside my head. De pronto, Creep empezó a adquirir mucho éxito y a emitirse en todas partes, lo que les llevó a tocar de un continente a otro. Debido a la presión de este éxito tan repentino y a que la gira se alargó durante casi dos años, estuvieron a punto de separarse. Pero por suerte esto no sucedió, porque lo mejor estaba por llegar: Radiohead eran y son mucho más que Creep.
Tras el Ep "My iron lung" publicaron e 1995 "The bends", un buen disco que fue muy aclamado y cuyo sonido es más maduro que el anterior, con texturas más complejas y una sonoridad en general más 'atormentada' y melancólica. En él encontramos Street spirit (fade out), High and dry, Just o Sulk. Ese año estuvieron de gira con REM, que además habían sido una influencia para Radiohead.
Estuvieron actuando como teloneros de Alanis Morissette para
perfeccionar en directo sus nuevas composiciones antes de grabarlas y tras
los conciertos editaron uno de sus más grandes discos: "OK Computer" (1997). Su escucha es muy recomendable, con composiciones más complejas y elaboradas, más experimentación y mayor riqueza rítmica. Cuenta con fantásticos temas como Karma police, Paranoid android, Let down, Climbing up the walls, No surprises o Lucky. En ese mismo año su tema Talk show host (una cara B) aparecía en la película Romeo+Juliet.
En ese momento, muchos calificaban a Radiohead como el mejor y más importante grupo del momento.
Tras un pequeño período de inactividad durante el cual estuvieron de nuevo a punto de separarse (Yorke admitió haber tenido grandes dificultades para escribir más canciones) empezaron a trabajar en un nuevo disco. Habían dejado el listón muy alto y todos esperaban escuchar su nuevo material. Radiohead sorprendió entonces con "Kid A" en el año 2000, un disco también muy experimental pero con un sonido diferente, mucho más electrónico y minimalista, con la inclusión de instrumentos como las ondas Martenot (utilizado por compositores 'clásicos' contemporáneos, como Messiaen) o instrumentos de cuerda, metales y percusión programada.
Podían haber continuado con su sonido inicial, pero en su lugar prefirieron investigar y, de algún
modo, evolucionar sin perder su identidad. Algunos ejemplos son Idioteque, The national anthem, Morning bell o Everything in its places.
Al año siguiente editaron "Amnesiac", cuyos temas fueron grabados en las mismas sesiones que su disco anterior, por lo que puede considerarse una especie de 'Kid-B'. Es un disco con sonidos también muy electrónicos y con ese aire experimental. I might be wrong, Knives out, Dollars and cents,Pyramid song o una versión de su anterior Morning bell son algunos de los temas.
"Hail to the thief" (2003) suena menos electrónico y en él vuelven a tener más presencia los sonidos de guitarras, en una aparente intención de retomar su sonido inicial (aunque siguen usando las ondas Martenot) y con estructuras más convencionales. Un buen disco pero que no sorprende demasiado, sin temas realmente significativos (son rescatables Sit down Stand up, Where I end, There there o Scatterbrain).
Su séptimo disco salió en 2007, "In rainbows", con temas muy ambientales y mezcla de texturas muy envolventes. Un sonido diferente, pero que al mismo tiempo es atrapante y evocador. Encontramos temas como Jigsaw falling into place, Body snatchers, Nude o Weird fishes.
Este disco fue puesto a la venta mediante internet en formato digital y en cuya compra los usuarios pagaban el precio que creyesen oportuno (más adelante sacaron el cd). Esta novedosa tendencia a la hora de vender un disco fue imitada posteriormente por otros grupos.
Radiohead ha demostrado una actitud muy positiva hacia una distribución no comercial de su música; por ejemplo, en 2010 unos seguidores colgaron en internet un video de un concierto que habían dado en Praga, y Radiohead les proporcionó el audio para este video (y sí, parece que sin nada a cambio...).
A comienzos de este año han sacado "The king of limbs", también para descargar por internet pero ya con un precio establecido, y posteriormente podrá comprarse en distintos formatos. De este disco aún no puedo opinar porque no he tenido el placer de escucharlo. Si alguno lo habéis escuchado y queréis aportar algo, ¡bienvenidos!
Cierro esta entrada con el que considero uno de sus mejores temas: Paranoid android. Una desgarradora y penetrante canción de más de seis minutos donde la originalidad y el contraste no dejan de fluir en ningún momento, manteniendo activo el interés a cada segundo. Es un tema formado por cuatro partes muy distintas (que de hecho están a diferente tempo y en distintas tonalidades), enlazando una con otra de manera magistral. Ellos mismos comentaron que se divirtieron mucho componiendo este tema, jugando a ver cómo enlazaban esas secciones tan distintas.
Su videoclip tampoco nos deja indiferentes: enfermizo, colorido y ácido, realizado por el sueco Magnus Carlsson, autor de la serie de animación Robin (que es el protagonista de este videoclip). Como curiosidad, decir que Radiohead le pasaron a Carlsson solo la parte instrumental pero no la letra, para que no hiciese un video basado en el texto. El resultado es brillante y psicótico: música e imagen extraña y magistralmente combinadas.
Otra curiosidad a cerca del video (triste reflejo del mundo en que vivimos) es que cuando lo emitían por televisión censuraban los pechos de dos sirenas (que, primero, son dibujos, y segundo, aparecen después de que un personaje se ampute los brazos y las piernas...). Durante un par de semanas el encargado de las censuras en la MTV no fue a trabajar por estar enfermo, y estuvieron retransmitiéndolo tal cual es (y como aparece en esta versión que adjunto). A su regreso continuaron con el video censurado, hasta que finalmente se llegó a crear una versión donde las sirenas llevaban bikini. En fin... hipocresía televisiva, como nos tienen tantas veces acostumbrados.
Bueno, pues dicho esto, ¡agarraos porque música y video tienen miga!
