"White Rabbit" - Jefferson Airplane vs. The Great Society

¿Quién no ha escuchado alguna vez White Rabbit? Quizá no sepas cómo se llama o quién lo interpreta, pero seguramente haya sonado en algún momento de tu vida.
Este tema fue compuesto por Grace Slick, la carismática cantante de los Jefferson Airplane. Apareció en el disco "Surrealistic pillow" de 1967, aunque el año anterior ya lo había interpretado junto a su anterior banda, The Great Society.

La melodía y la letra son las mismas, pero la base y el desarrollo musical es muy diferente.

White rabbit se convirtió en tema de referencia en aquellos años: una canción por la libertad, en una época donde muchos jóvenes tenían que irse a la Guerra de Vietnam, aunque fueran pacifistas en contra de la guerra. Durante aquellos años crecía el movimiento hippie, así como también aumentaba la experimentación con todo tipo de drogas psicodélicas.

La letra hace referencia a las aventuras de Alicia de Lewis Carroll, y aunque tiene una lectura relacionada con el tema bélico, parece principalmente basada las drogas, como el LSD, el cual Grace consumía. A pesar de que en la época de Carroll aún no se había fabricado, se dice que pudo haber sido consumidor de opio. Muchos mantenían (y mantienen) que Carroll en realidad relataba los efectos de las drogas camuflados en historias fantásticas para niños.

Aparece el cambio de tamaño después de tomar unas pastillas ("One pill makes you larger / and one pill makes you small"), la oruga que fuma de una cachimba ("Tell 'em a hookah-smoking caterpillar"), o el consumo de setas ("And you've just had some kind of mushroom / and your mind is moving low / go ask Alice, I think she'll know"). Y en relación con el cuento de Carroll, se habla de la Reina Roja de Corazones, que además no tiene corazón con su incansable "¡que le corten la cabeza!" ("And the Red Queen's off with her head") y la persecución del conejo blanco ("If you go chasing rabbits").
 Quizá "The man of the chessboard get up and tell you where to go" se refiera a los políticos que obligaban a los jóvenes a luchar en esa guerra en la que no querían estar. Y como broche final, rompe con "Feed your head". 

Había un gran control sobre la música que se emitía en las radios y los mensajes que transmitían la letras de las canciones, que según los altos mandos podían "revolucionar" a la juventud. Pero el contenido de White Rabbit fue pasado por alto y pudo sonar en las emisoras de radio y programas de televisión.
El éxito que obtuvo ha perdurado hasta nuestros días, y durante décadas ha sido versionado por grupos de estilos muy diversos. También ha aparecido en películas (como la mítica escena en la bañera de "Miedo y asco en Las Vegas") y series de televisión.

Personalmente, me quedo con la versión que hizo con Jefferson Airplane, aunque la original tampoco tiene desperdicio.
Vayamos a por el conejo blanco...

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"Tired of Waiting" - The Kinks vs. The Flock

Ya que hemos hablado de la versión que hicieron The Flock en 1969 del tema Tired of waiting for you, original de The Kinks de 1965 (y versionado por diversos grupos), os dejo con las dos visiones del tema.

Como dije, en mi opinión la versión de The Flock supera con creces a la original, que resulta mucho más plana. Aunque el tema compuesto e interpretado por The Kinks fue número 1 en el Reino Unido y tuvo también un gran éxito en EEUU, The Flock la renuevan con más dinamismo, con un aire mucho más enérgico, una mayor elaboración y un sentido más directo y profundo. Es una concepción totalmente nueva del tema.

Pero que cada uno escuche, sienta y valore...

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The Flock - Creatividad desbordante

The Flock es una de esas bandas que merece un mayor reconocimiento del que ha recibido, tanto por su originalidad como por su excelente calidad. Se les considera unos de los precursores del llamado jazz-rock, aunque en realidad su sonido tiene más bien poco de jazzístico... Aunque cuentan con la improvisación como elemento importante en su música, su sonido es más cercano al rock progresivo, la psicodelia, el blues o el folk.

A mediados de los 60 y principios de los 70 el rock evolucionaba con una mayor libertad, había más innovación y un gran despliegue de creatividad y originalidad. Muchos grupos eran, más que pequeñas bandas, pequeñas orquestas, por lo que a algunos les llamaban "macrobandas". Empleaban instrumentos por entonces atípicos dentro del rock, llegando a ser en ocasiones el líder del grupo, como sucedía por ejemplo con Jethro Tull (liderado por un flautista) o The Flock (por un violinista y acompañado de saxofones y trompeta). 

Sus dos primeros discos son un grandísimo ejemplo de originalidad y creatividad, fusionando elementos y estilos muy diversos. La mayor parte de las canciones están llenas de contrastes, con secciones totalmente diferentes pero que, con gran habilidad, hilvanan y combinan para hacer que se desarrollen de manera insólita, lejos de los rudimentos típicos del género, manteniéndonos siempre expectativos de lo que podrá venir después. 

The Flock nació a mediados de los 60 en Chicago. El violinista y guitarrista Jerry Goodman, apodado "el violín del diablo", es el alma del grupo, y no solo por su virtuosismo, sino por su concepción del instrumento y su gran cantidad de recursos, además de su particular estilo camino entre lo clásico y lo moderno. Los demás miembros de la banda tampoco tienen desperdicio: Fred Glickstein (guitarra, teclados y voz), Rick Canoff (saxo tenor), Jerry Smith (bajo), Ron Karpman (batería), Tom Webb (saxo tenor y armónica, en el primer disco), Frank Posa (trompeta) y John Gerber (saxo alto y tenor, flauta y banjo en el segundo disco), y antes de llegar Goodman, Rick Mann (guitarra). Y casi todos ellos también coristas, enriqueciendo las armonías vocales en cada tema.

"The Flock" (1969), su primer disco, es sencillamente maravilloso, la joya del grupo. Con su evocadora introducción, de tintes clásicos, nos adentran en un camino lleno de expresividad y profundidad, con grandes temas como los explosivos "Store Bought - Store Thought" o "Clown", la versión de "Tired of waiting" de los Kinks  (que, en mi opinión, supera al original) o el blues de 15 minutos "Truth" (donde muestran una personal concepción de este género).

Al año siguiente publicaron "Dinosaur Swamp", todavía más experimental. Cada tema es una amalgama de ideas muy diversas, con estructuras aún más atípicas y en ciertos momentos algo caóticas, como si a lo largo de una sola canción hubiese múltiples personalidades. A algunos podrá parecerles demasiado 'denso', pero sin duda es una delicia para paladares exquisitos.
Con un sonido más psicodélico, destacan el fascinante y enérgico "Crabfoot", o "Hornschmeyer's Island" y "Lighthouse", llenos de contrastes. También hay ecos country, como en "Big Bird".

Tras este disco Goodman se marchó del grupo para formar parte de Mahavishnu Orchestra (con el guitarrista John McLaughlin), y el grupo se apagó durante varios años. Algunos miembros trataron de resurgirlo en 1973 haciendo una breve gira (sin la presencia de Goodman, pero también con violín), pero no editaron ningún disco hasta 1975: "Inside Out". Con un sonido más electrónico, siguen innovando pero a un menor nivel que en los dos anteriores. Aún así tiene buenos temas, como "Metamorphosis" o "Back to you". Tras él, The Flock acabó por disolverse definitivamente. 

Os dejo con dos de sus joyas: Crabfoot y Store bought-store thought. ¡Caos irresistible y aplastante!

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"Evil hearted you" - The Yardbirds vs. The Pixies

El autor de Evil Hearted You es Graham Gouldman, bajista, guitarrista, y componente de 10 CC, grupo al que recordaremos sobre todo por su refrescante Dreadlock Holiday o la conocida balada I'm Not in Love (ambas también suyas, junto a otro miembro de la banda, Eric Stewart).

Fueron los Yardbirds quienes hicieron de esta canción un éxito en 1965. Este grupo contó con tremendos guitarristas, hoy auténticos referentes: primero Eric Clapton, y tras su marcha del grupo, Jeff Beck y Jimmy Page. Es Jeff Beck quien nos regala el sonido de su guitarra en este tema, y quien más influyó y experimentó con el sonido del grupo, dándole una mayor identidad y tintes de psicodelia (algo poco habitual en la música británica por entonces).

Los Yardbirds (en cierto modo, semilla de Led Zeppelin), empezaron tocando blues, y poco a poco fueron alejándose de él para tener más acceso al mercado musical, dominado en aquel momento por los Beatles, y llegaron a convertirse en un referente de esos años. Otros de sus temas también son composiciones de Gouldman, como el tremendo For Your Love, que se convirtió en su primer éxito y que tuvo mucho que ver en el nuevo rumbo que seguirían tras él, una referencia de cómo sonarían a partir de ese momento. 

La verdad es que siempre que la escucho me imagino una escena de Leone, con esos rudos y solemnes acordes que presentan el tema (sucios, simples y directos), y esos coros mezcla de spaghetti-western y canto gregoriano, además del solo con slide de Beck...

Os dejo con la versión original de los Yardbirds y la que hicieron los Pixies casi treinta años después, en 1991. Una vez más, Frank Black (o Black Francis) nos deleita con su particular español, que aprendió cuando vivió unos meses en Puerto Rico. Hace una traducción de la letra casi literal, lo que trae, con gusto y disgusto al mismo tiempo, frases como "pero te quiero sin embargo y te deseo quedar a mi lado, y verás lo que significas para mí". ¡Grande!

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Dave Pike Set - El vibráfono guatequero

Dave Pike, vibrafonista autodidacta, forma parte de aquellos músicos de los sesenta que buscaban renovar la música para vibráfono, entonces liderada por el gran Milt Jackson. Pike comenzó tocando en EEUU junto a grandes intérpretes del panorama jazzístico del momento: el guitarrista Kenny Burrel ("Bossanova Carnival", exquisito álbum), el pianista Bill Evans ("Pike's Peak") o el también pianista Tommy Flanagan ("Limbo Carnival"), así como acompañando al flautista Herbie Mann en sus discos, o con su propia orquesta ("Manhattan Latin"). 
De estos años es su disco "Jazz for the Jet Set" una joyita que podría ser la banda sonora del sarao más guatequero o de un idílico ascensor. Siempre acompañados por su voz canturreando en la distancia...

La música de Dave Pike se vuelve aún más interesante y genuina durante su estancia en Europa: en Alemania formó su propio grupo, el cuarteto Dave Pike Set: cuatro músicos que se complementan a la perfección logrando un particular e innovador concepto musical. Volker Kriegel (indispensable para el sonido del Set: guitarra y sitar), J.A. Rettenbacher (bajo y contrabajo) y Peter Baumeister (batería).

Este sonido tan auténtico, personal y vanguardista no solo le da identidad a ellos, sino, en cierto modo, también a la sociedad cosmopolita de aquellos años sesenta, la mezcla de culturas, costumbres, raíces y sonidos. Hicieron una pequeña fisura en el jazz para abrir su propio camino: una amalgama de influencias unidas en una innovadora visión del género, ya sea con las composiciones propias del grupo o reinterpretando standards.
Estuvieron en activo menos de cuatro años, de 1969 a 1972, pero nos dejaron un magnífico legado de 6 discos, con un repertorio más que variado e imprevisible. Reseñables son (junto al mencionado "Jazz for the Jet Set") "Noisy Silence-Gentle Noise", "Got the Feelling" e "Infra Red". 

A su vuelta de Europa a Estados Unidos, continuó (y continúa, después de un largo período de silencio) tocando y sacando discos, como "Times Out of Mind" (de nuevo con Kenny Burrell), "Pike's Grooves", el fresquísimo "Album" (1971) o "Bluebird" (más bebopero). 

No podemos más que deleitarnos con esta particular visión del jazz, aderezado con especias de psicodelia, bossa, música afro-cubana (ya de por sí fusión de ritmos cubanos con elementos del jazz), o de la India.

Como primer acercamiento os recomiendo auténticos hits como: Sittin' on my knees, los guatequeros Jet Set y Sweet tater pie, Big Schleep, Country Shit, Nobody is Afraid of Howard Monster, la atrapante y dispar Send Me the Yellow Guys, Mathar, la bossa Sono, o los temas con los que os dejo hoy, Walkin' Down the Highway in a Raw Red Egg (con sección en 13/4) y But anyway.

¡Id preparando los mojitos!

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Stevie Wonder - El chico de los hits

¿Quién no conoce a Stevie Wonder? Un talentoso músico, de sonrisa permanente, que cuenta con una impresionante carrera a sus espaldas (y que aún sigue en activo), convirtiéndose en referencia para muchos.

Con 5 años ya tocaba la armónica y el piano. El fundador de la Motown lo fichó a principios de los sesenta cuando tenía tan solo 11 años, un chaval con el ritmo fluyendo por las venas y una fabulosa voz. Fue rebautizado artísticamente como Little Stevie Wonder (maravilloso, sí), y poco después pasó a llamarse simplemente Stevie Wonder.

Con un sonido que fusiona estilos diversos, como soul, funk o R&B, comenzó interpretando canciones de otros autores hasta que en los setenta empezó a grabar composiciones propias. También comenzó en esa época a tocar prácticamente todos los instrumentos que aparecían en sus discos: voz, piano y teclado, sintetizadores (bastante inusuales en la época), armónica o batería, encargándose también de la composición, arreglos y la producción musical. Comenzaba una nueva etapa para Stevie Wonder, donde no paraba de crecer en un constante flujo creativo.

Tiene más de 20 discos a sus espaldas, la gran mayoría grabados en los sesenta y los setenta, cuando aún no había cumplido los 30 años de edad. Coleccionista de premios, entre ellos nada más y nada menos que 25 Grammys, de los cuales 14 los ganó en un período de sólo 4 años (dejemos al margen lo que pueda representar un premio Grammy; cuántos artistas de primera ni siquiera han optado a ello... pero no hay que dejar de reconocerlo, en este caso sí hablamos de un músico con mayúsculas).

Una clara muestra de su talento son discos como "For once in my life" (1968, con el que, podríamos decir, da comienzo esa segunda etapa musical más personal y con más identidad), "Music of my mind" (1972), "Innervisions" (1973) o "Fulfillingness' first finale" (algo así como "Primer final de la plenitud", de 1974).
Y el doble-triple disco (dos LP con un EP) "Songs in the key of life" de 1976, muy esperado por el público y sobre todo por su discográfica, la Motown, que había firmado con él un contrato de 13 millones de dólares (la mayor cantidad pagada hasta el momento). La espera valió la pena, ya que es uno de los discos con más éxito de los setenta).

Numerosos temazos, entre los que cabe destacar Superstition, Higher Ground, Master Blaster (Jammin'), Living for the City, I Wish, Signed Sealed Delivered I'm Yours, Isn't She Lovely, For Once in My Life, Pastime Paradise, You Are the Sunshine of My Life, Uptight, You've Got it Bad Girl, I Just Called to Say I Love You o I Was Made to Love Her, entre muchos otros.

Os dejo con el exitazo Superstition, en un genial vídeo del mítico programa Soul Train, donde podemos ver el poder de su música para mover al público (¡eso sí que es bailar!) y con Master blaster (Jammin'), jugando con el reggae como homenaje a Marley.

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Joe Tex - El enemigo de Brown

No podía dejar de lado a Joe Tex, autor e intérprete de dos de las canciones más sensuales, emotivas y palpitantes que se han escrito nunca: The love you save (may be your own) y I'm a man.

Tex empezó con la música a principio de los cincuenta, pero con un estilo diferente al soul que le caracteriza, más cercano al rock&roll o al r&b. Ya en los sesenta, con la llegada del soul al panorama musical, Tex demostró su talento y musicalidad.

Tras un período de retirada, regresó en los setenta, y aunque algunos de sus nuevos temas fueron relevantes y tuvieron éxito, sus mejores canciones son, a mi parecer, los que hizo una década antes.

Como muchos otros, siempre ha estado en un segundo plano a pesar de dejarnos un gran número de temas de gran calidad: Papa was too, I want to do everything for you, Show me, You got what it takes, One monkey don't stop no show, A sweet woman like you, I gotcha...

Versátil, Tex cuenta con temas movidos, muy rítmicos, vibrantes y bailables, pero también con otros más lentos y sensuales, baladas con mayúsculas. En todo momento destaca su particular voz, rasgada pero melodiosa, junto con esos 'sermones' que soltaba en ciertos momentos instrumentales, que inevitablemente nos recordarán a otro grande del soul, James Brown, aunque en este caso no es muy apropiado compararlos...

¿Por qué? Porque ambos fueron grandes enemigos. Parece que todo empezó porque se culpaban mutuamente de que el otro había copiado sus movimientos en el escenario. Para empeorar las cosas, Brown se fue con la novia de Tex, y durante mucho tiempo se criticaban y burlaban públicamente el uno del otro. De hecho, la situación llegó hasta tal punto que, tras una burla que hizo Tex en un concierto, poco después Brown le disparó en un club. No le hirió, pero sí a varias personas que se encontraban allí.

Escuchamos la deliciosa I'm a man, donde nos cuenta que si fuera una guitarra le gustaría ser tocado por BB.King, y que si fuera una canción le gustaría ser de los Rolling Stones. Y ahí también deja su dedicatoria a Brown: algo así como "si yo fuera una pista de baile, James Brown podría aplastar patatas sobre mí toda la noche".

Espero que tengáis a alguien al lado para bailar bien agarrados... es la canción perfecta para acabar entre besos y sábanas.
Y si os entra la fiebre de baile, aquí tenéis Show me.

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"Babe I'm gonna leave you" - Led Zeppelin vs Joan Baez

Aquí tenemos un grandísimo tema que provoca un torbellino de sensaciones al escucharla: Babe I'm gonna leave you, de Led Zeppelin, quienes la publicaron en 1969 basándose en la versión de Joan Baez de 1962.

A pesar de figurar como canción popular en los discos de ambos músicos, es una composición de los años cincuenta de Anne Bredon, quien años después consiguió los derechos de autor. La canción original no estaba registrada en ningún disco, sino que la interpretó por la radio en los años 60, y posteriormente fue reinterpretada en directo por otra cantante folk, Janet Smith. Fue esta versión la que llegó a oídos de Baez.

La versión de Baez, para voz y guitarra, es melancólica y profunda, pero con un desarrollo demasiado básico y repetitivo y, a mi parecer, con un timbre que acaba saturando demasiado.
Led Zeppelin hacen un arreglo más elaborado y auténtico con más contrastes, creando un tema nuevo con identidad propia de más de 6 minutos de duración (en su línea...). En esta re-composición pasan de la calma al frenesí, con la característica fuerza instrumental del grupo, la gran expresividad de la voz de Robert Plant y las líneas evocadoras de la guitarra de Jimmy Page.

Os dejo ambas versiones (no consigo encontrar la grabación del original de Bredon).

 

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Dorothy Ashby - La arpista versátil

Si hablamos de instrumentos empleados en el jazz, pocas veces (o ninguna) pensamos en el arpa como uno de ellos. Aunque ha habido y hay más músicos que lo han empleado dentro del género, Dorothy Ashby fue una de las pioneras (y también tocaba otros instrumentos, como piano, saxo y contrabajo).

En los años 50 empezó a vincular el arpa al jazz como nadie lo había hecho hasta el momento, convirtiéndose posteriormente en una referencia e influencia para muchos.

En su afán de exploración y búsqueda de nuevos sonidos fue adaptando el arpa a diversos estilos musicales, descubriendo nuevas posibilidades gracias a su visión innovadora y su creatividad.
Al principio resultaba complicado tocarlo con otros músicos de jazz que se mostraban reacios a incluirlo, ya que todavía estaba muy vinculado la música clásica. Pero más adeltante mantuvo una gran actividad musical: dio numerosos conciertos, grabó 11 discos como líder y colaboró como músico de sesión en discos de artistas de diversos estilos, como Bill Withers, Stevie Wonder o Freddie Hubbard.

En su discografía podemos escuchar el arpa en contextos muy distintos, moviéndose en géneros y sonoridades variadas pero siempre con elegancia y versatilidad. Por poner algunos ejemplos, encontramos discos como "Hip hard" y "In a minor groove" (ambos de 1958). Intimistas, apacibles y con un aporte muy personal al mundo del swing. Ambos demuestran cómo instrumentos delicados (junto al arpa, la flauta de Frank Wess) se adaptan a la perfección al sonido más jazzístico.

En 1968 creó el fascinante "Afro harping", donde podemos escuchar una fusión de soul, jazz, funk e incluso psicodelia. Un disco donde cada tema es atrapante e hipnotizador. Personalmente, lo mejor de Ashby.
Dos años más tarde sorprende con el exótico "The Rubaiyat of Dorothy Ashby", con sonoridades e instrumentos orientales, como el koto japonés (interpretado también por ella) o la kalimba.

Así, Ashby estuvo en constante evolución y renovación, enfrentándose a los prejuicios musicales que originó inicialmente su instrumento para conseguir crear músicas muy diversas que vibraban en sintonía con estilos y músicos diferentes.

Como ejemplo de este sonido tan especial, os dejo con Soul vibrations, hipnótico y sensual tema que sirve de introducción en "Afro harping", y con el tema que da nombre al álbum.
¿Cómo? ¿Qué el arpa es aburrido...? ¡Escucha esto!

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Anita O'Day - La voz de las Big Bands

Anita O'Day es una de las mejores voces del jazz. Y no por su técnica vocal, sino por su cálido y particular timbre, sus fraseos y sentido del swing, su sensual musicalidad... Supo adaptarse a las dificultades del bebop del momento, improvisando y siendo una de las referentes del scat (una buena muestra es Hershey bar, donde hace solis y cuatros con los vientos, algo que no hacían muchas cantantes de jazz). Como curiosidad, de pequeña le extirparon la campanilla por error junto a las amígdalas, por lo que no podía mantener frases largas con vibrato.

Consiguió llegar a lo más alto desde lo más bajo. En sus primeros años actuando, cambió su apellido Colton por O'Day, que en argot significaba 'pasta', dinero, lo que ella esperaba conseguir para salir de la pobreza en la que vivía con su familia.

Años después, cuando actuaba en un club de jazz, se fijo en ella el batería Gene Krupa (muy conocido por su toque de timbales en Sing, Sing, Sing, con la orquesta de Benny Goodman) y la invitó a cantar con su recién creada Big Band. Esta unión musical dio fama tanto a la agrupación como a ella, interpretando juntos numerosos éxitos a principios de los años 40.

Anita dejó bien claro que no era un cantante "de adorno", sino que funcionaba como un músico más. Llegó incluso a cambiar la vestimenta típica de las divas del jazz hasta el momento: sustituyó los largos vestidos de gala por una chaqueta, como el resto de los músicos, y con faldas que mostraban sus piernas. La Big Band de Krupa mantenía el estilo de swing clásico: temas con estructuras sencillas, ritmos y melodías sin complicaciones, siguiendo con la tradición de música para bailar: Just a little bit south of North Carolina, Thanks for the boogy ride, How do, Georgia on my mind, That's what you think...

Después de estar con Krupa cantó con otras Big Bands, como la de Stan Kenton en 1944, quien interpretaba temas nuevos con algo más de riqueza rítmica y melódica, y estructuras moderadamente más complejas donde Anita podía mostrar mejor sus cualidades, convirtiéndose en referencia para futuras cantantes y favorita de muchos músicos. Y lo mejor estaba por llegar...

Dejaron temas como I'm going mad for a pad, Ride on, Tabby the cat, In a little spanish town o Are you livin' old man.

Tras la publicación y éxito de su primer disco en 1955 "This is Anita" (que además fue el primero del sello Verve), comienza una etapa de numerosas grabaciones en pequeñas agrupaciones y con otras Big Bands, la mayoría en la misma discográfica. Su actuación en el Festival de Jazz de Newport en 1958 le dio a conocer en todo el mundo, ya que quedó plasmada en la película documental que se grabó allí esos días, "Jazz on a Summer's day".

Desde mi punto de vista, hay dos discos que contienen los temas de mayor calidad y donde Anita realmente despliega todas sus facultades e impregna cada tema con su toque especial. Uno es junto a Billy May: "Anita O'Day swings Cole Porter" (1959). Grandes arreglos que dan una identidad propia a estos temas, saliéndose de su típico desarrollo y a los que se suma la personalidad musical de Anita. Contiene auténticas joyas: Love for sale, All of you, Just one of those things, I get a kick out of you, I've got you under my skin, It's de-lovely, You're the top, You'd be so nice to come home to, From this moment on...

El otro disco es del mismo año, "Cool heat: Anita O'Day sings arrangements by Jimmy Giuffre". También estupendos arreglos que dotan a estos standards de un color especial, y que son interpretados por grandes músicos como los saxofonistas Bud Shank y Art Pepper o el guitarrista Jim Hall.

Hershey bar, Mack the knife, Gone with the wind, The way you look tonight, Come rain or come shine o My heart belongs to daddy son algunos de los temas del disco.

Pero la vida que llevaba Anita era un torbellino: enganchada al alcohol, posteriormente en su intento de dejarlo se volvió adicta a la heroína, fue detenida por posesión de marihuana... Tuvo un parón musical durante los años sesenta, en los que se sometió a un tratamiento de rehabilitación y tras la cual volvió a estar en activo hasta los 86 años (ya con la voz desgastada y deteriorada).

Para que la veáis en acción, con su talento y picardía, os dejo con las versiones de Easy to love y All of you, ambas del maravilloso Cole Porter y con los arreglos del Sr. May.

 de Love for sale junto a la Big Band japonesa All-Star Orchestra, en directo en Tokyo en 1963, y con You're the top, con los estupendos arreglos del Sr. May.

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The Music Machine - Garage fugaz

The Music Machine es uno de esos grupos que, aunque en su momento no tuvo el reconocimiento que merecía, posteriormente fue redescubierto por los amantes del sonido garage y psicodélico y finalmente muy valorado, aunque décadas más tarde.

En los años sesenta, los componentes de un fugaz grupo llamado The Ragamuffins se juntaron con otros músicos hasta formar en 1966 The Music Machine. Su sonido era una novedosa mezcla de garage y psicodelia, a veces con ciertos toques pop. Una atmósfera oscura donde destaca la singular voz de Sean Bonniwell (compositor de la mayoría de los temas), los teclados con aire fantasmagórico y la distorsión.

Cuando ya contaban con un sonido personal característico, el grupo decidió buscar una estética propia que les diferenciara de las demás bandas del momento, adoptando así un peculiar aspecto: vestían completamente de negro (la batería y los amplis también pintados de negro), todos peinados con el mismo pelo al más puro estilo playmobil, y cada uno con un solo guante negro (...toma ya...).

Su tema Talk talk fue el primero (y único) en conseguir ser un gran éxito, a pesar de ser menos contundente y menos aplastante que muchos otros del grupo. Poco después de este éxito, editaron su primer disco, "Turn on" (1966) que tuvo pocas ventas.

Al año siguiente la formación cambió casi por completo, ya que solo permanecía Bonniwell como miembro original, y fue rebautizada como Bonniwell Music Machine. Publicaron su segundo disco, "Bonniwell music machine" (1967), que contiene temas grabados con la primera agrupación y otros con la nueva de ese momento. También tuvo poca repercusión y acabaron disolviéndose dos años más tarde, dejando así un legado de buenas canciones que vieron la luz en un brevísimo período de tiempo, pero que no fueron valoradas hasta tiempo después.

En las dos últimas décadas, gracias a su redescubrimiento, se han editado recopilatorios con muchos de sus temas y con material inédito. Buenos temas como Double yellow line y Mother nature-Father earth (cuyos audios os enlazo hoy), The eagle never hurts the fly, Absolutely positively, Everything is everything, Unca tinka ty, Bottom of the soul, Somethin' hurtin' on me, Talk me down o In my neighborhood. 
 A pesar de que de un año a otro los componentes cambiaron prácticamente por completo, se mantiene su identidad sonora gracias a la particular y poderosa voz de Bonniwell y su sello creativo en sus composiciones.

¡Guateque oscuro!

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"Alabama song" - The Doors vs Kurt Weill

La versión más conocida de Alabama song (también llamada Whiskey bar o Moon of Alabama) es la que realizaron los Doors en 1967, una estupendísima versión que además no dista demasiado del estilo propio del grupo, pudiendo pasar por composición de Morrison y compañía.

Pero la original es del compositor Kurt Weill, con letra del escritor Bertolt Brecht, nada más y nada menos que 40 años antes.

Apareció por primera vez en "Mahagonny songspiel" (o "El pequeño Mahagonny", una obra de 1927 para voces y pequeña orquesta), y Weill volvió a utilizarla en 1930 para la ópera "Ascenso y caída de Mahagonny", también con libreto de Brecht.

La esencia de la canción está perfectamente captada en ambas versiones, con un aire decadente, muy cabaretero y desvergonzado, propio tanto del compositor como del grupo.

Numerosos grupos la han versionado, entre ellos David Bowie.

Me alegra haber encontrado la original de Weill cantada por Lotte Lenya (quien, por cierto, estaba casada con él). Ella fue la primera en interpretar la ópera, y su peculiar voz encaja perfectamente con el carácter que necesita, además del marcado acento alemán. La obra se cantaba en inglés (aunque el resto de la ópera estaba en alemán), interpretada por la prostituta Jenny y sus compañeras.
La versión que os enlazo de Lenya es de finales de los cincuenta, muy posterior al estreno.

Normalmente en las obras de Weill las melodías no están pensadas para cantantes de ópera, sino que están escritas principalmente para ser interpretadas por actores más que por cantantes, dando una mayor importancia a la expresión y no a la técnica vocal.

Show me the way to the next whiskey bar! (Oh don't ask why...)

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Chuck Berry - El auténtico Rey del Rock

Chuck Berry es, sin duda, una de las grandes figuras de la historia del rock, uno de los músicos más influyentes en la evolución de la música, y uno de los pocos mitos que aún siguen vivos (con 84 años). Sin él, el rumbo de la música habría ido por un camino distinto y el rock no se habría desarrollado del mismo modo, y son muchos los músicos (algunos míticos a día de hoy) qu aprendieron a tocar la guitarra escuchando y sacando los temas de Berry.

La gran mayoría de la gente dice que Elvis es el Rey del Rock. En este punto yo discrepo. Elvis probablemente era la imagen, un chico joven y atractivo que además de hacer buena música seducía con su aspecto y sus sensuales movimientos de cadera, y que además tenía un gran magnetismo que lo rodeó de fans enloquecidas. Pero Berry era más potente y desafiante, más rítmico y lleno de pegadizos riffs. Sus letras, a pesar de tratar temas juveniles, eran al mismo tiempo provocativas, muchas veces con mensajes en el argot de los jóvenes de aquellos años.

Con una carrera muy prometedora, llena de conciertos, grabaciones y seguidores, ésta sufrió un parón cuando en 1961 fue encarcelado durante dos años. El motivo: Berry llevó a una joven a trabajar a su club como guardarropas; ella tenía 14 años, aunque le había dicho que era mayor de edad. Un día detuvieron a la chica por prostituirse, y aquí hay dos versiones: una cuenta que a raíz de esto le denunciaron por llevarse a la joven para fines inmorales, y otra que ella misma le denunció. En cualquier caso, la ley cayó sobre él: un negro con mucho dinero (algo arrogante) metido en líos con una chica blanca (aunque de origen indio) que además era menor de edad, y para colmo, él tenía problemas anteriores con la justicia.

Cuando salió de la cárcel, aunque no había pasado apenas tiempo, el panorama musical era diferente. Habían surgido nuevos grupos que contaban con muchos seguidores, como los por entonces recién nacidos Beatles, Rolling Stones, Beach Boys o Kinks (todos con "The" delante, como marcaba la moda de la época...). Aunque el rock&roll clásico seguía siendo admirado, incluso por los miembros de estos grupos que citaban a Berry como referencia, era más un vago recuerdo de una generación anterior y el típico 'rock&roller' estaba pasado de moda.
Berry, que había perdido todo, incluso su familia, podría haber caído en el olvido, pero se adaptaba a los cambios y sus temas seguían teniendo éxito. En los años 70 el rock más clásico volvía a tener más fuerza, y ahí estaba de nuevo Chuck, aunque quizá más bien como recuerdo de su glorioso pasado.

¿Quién no ha esuchado temas de Chuck Berry? Muchos de ellos son clásicos del rock, versionados por numerosos músicos: School days, Maybellene, Johnny B. Goode, You never can tell, Memphis Tennessee, Roll over Beethoven, Too much monkey business, Nadine (is it you?), I want to be your driver, Bautiful Delilah... 

Para que lo veáis en acción, os dejo con dos actuaciones en vivo (la primera es un falso directo pero su puesta en escena es tremenda, como siempre).
Una con Johnny be goode, uno de sus temas míticos y otra con Roll over Beethoven. Sus movimientos y bailes no eran habituales en esos años, y son parte de su sello personal, incluido su típico 'paso del pato' (el 'duckwalk' que imitó Angus Young posteriormente en AcDc). Aquí podréis ver de qué pasta están hechas sus ingles y sus largas piernas...

No puedo evitar despedirme citando la frase de una de las mejores escenas de mi película favorita, "Regreso al futuro", cuando Marty está tocando Johnny be goode en 1955 (cuando el tema aún no existía en realidad, ya que es de 1958):

"¡Chuck, soy Marvin, tu primo Marvin Berry! ¿Recuerdas ese nuevo sonido que has estado buscando? ¡Pues escucha esto...!"

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Electric Prunes - La Misa que disolvió a las ciruelas

Las Ciruelas Eléctricas (por suerte ya no traducimos en España todos los títulos de los grupos ni las canciones, como hace unas décadas) son los responsables de algunos de los temas más emblemáticos de los años 60 en el ámbito de la música garage y el pop-rock psicodélico. 

Su primer disco tuvo una gran relevancia, el homónimo "Electric Prunes" (1967), donde se encuentran sus dos mayores éxitos, I had too much to dream (last night) y Get me to the world on time. Además de estos temas aparecen otros también grandes como Are you lovin' me more (but enjoy it less), Bangles o Train for tomorrow. Con este disco influyeron notablemente en los grupos psicodélicos y de garage rock de la época.

Su segundo disco, "Underground" (del mismo año) tenía un sonido más 'ácido' y algo más oscuro, y la mayoría de los temas eran composiciones suyas (en el disco anterior la mayor parte de los temas fueron compuestos para ellos). Aunque no tuvo ningún gran hit como el anterior, suena consistente y elaborado, con buenos temas como Dr. Do-Good, The Great Banana Hoax o Hideaway. Los resultados de las ventas no fueron como los del primer disco.

A partir del tercer disco todo cambió para Electric Prunes. Su música fue totalmente diferente, y de hecho, la agrupación también. En este trabajo estaba como productor un tipo llamado David Axelroad, que quiso dar un giro al estilo del grupo. Para conseguirlo se le ocurrió la idea (bastante surrealista de primeras) de hacer una misa psicodélica, con motivos religiosos, letras en latín y melodías con canto gregoriano (lo típico, vamos...). Los miembros del grupo fueron abandonando el proyecto durante la grabación ya que, según ellos, como músicos de garage que eran no estaban a la altura de las ideas de su productor. Así que Axelroad, que tenía los derechos del nombre legal de Electric Prunes, se valió de músicos de estudio y de los miembros de otro grupo, The Collectors, para terminar el álbum: "Mass in F minor" (1968).

Así que realmente esto no sería un álbum puramente de Electric Prunes, más allá del nombre y de lo que quedara registrado de sus grabaciones. La verdad que es un disco cuanto menos curioso, muy interesante por su peculiar concepción y restultado. Aunque puede resultar demasiado ¿excéntrico? hay partes muy aprovechables, como el Kyrie eleison, que aparece en la película "Easy Rider", de la misma época.

Lo poco que quedaba del grupo en "Mass in..." desapareció por completo después de esto. Sacaron otros dos discos en 1969 con la nueva formación, y después de treinta años inactivos volvieron al ataque en 2001, sacando desde entonces tres discos más.

Así, estamos ante un grupo que comenzó fuerte con éxitos potentes, pero que rápidamente se evaporó hasta convertirse en otros Electric Prunes (en el sentido más literal de la palabra 'otros'...). Vale la pena escuchar sus dos primeros discos, una excelente muestra del sonido garage y psicodélico de esos años, y la peculiar embarcada de la Misa.

Os dejo con Get me to the world on time. Quería poner una actuación en vivo (aunque no en directo) para que les viérais en acción, con sus pelos de playmobil y el look de James Lowe (voz) al más puro estilo 'novio de Barbie' (estética de la época, es lo que había). Pero la calidad de audio es demasiado mala, así que enlazo uno del disco.
Y para que degustéis un poco de su proyecto de la Misa, el Kyrie Eleison.

Her I go! High high!

 

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Frankie Valli & Four Seasons - Éxitos perennes

Si pensamos en un cuarteto estadounidense de los años 60 que sea principalmente vocal, con un estilo r&b pero blancos y con voces en falsete como característica principal, probablemente nos venga a la cabeza el nombre de Beach Boys. Y es que ellos lideraron el panorama americano del sonido vocal pre-beatle, pero no estaban solos, ya que había otro grupo cuyos temas tuvieron éxito en su época y cuya calidad no puede ignorarse.

Son los Four Seasons, liderados por Frankie Valli. Un cuarteto con un sonido doowop, r&b y soul que contaba con una excelente combinación de voces (como en muchos de esos años y la década anterior) y cuyos miembros eran al mismo tiempo instrumentistas.

Surgieron a mediados de los años 50 bajo el nombre de The Variations y posteriormente Four Lovers (vaya tela con el nombrecito...). En esa época editaron varios temas que no consiguieron tener apenas éxito, pero tras algunos cambios en la formación del grupo (siempre con Frankie Vallie como voz principal) pasaron a llamarse Four Seasons, y comenzaron a sacar esos grandes temas que aún hoy siguen sonando, tanto las versiones originales como covers posteriores de otros grupos. También podemos encontrar alguna grabación del grupo bajo el pseudónimo de Wonder Who.

Son autores de numerosos temas inolvidables, muchos de ellos bien conocidos, como Big girls don't cry, Walk like a man, Sherry, Beggin, Bye bye baby goodbye, Ronnie, Dawn (go away), C'mon Marianne o Working my way back to you, además de haber hecho grandes versiones de temas de la época, como la de Stay, cuya versión es la más conocida (porque no, no es la original...).

En 1968 hay algunos cambios en la formación y el grupo pasa a llamarse Frankie Vallie & Four Seasons. Tuvieron poca relevancia en esos años, hasta que resurgieron en 1970 yendo en dos caminos diferentes, Valli por un lado y los Four Seasons por otro. El último éxito musical de Valli en solitario fue en 1978, cuando participó en la banda sonora de Grease interpretando el tema principal de la película (escrito por uno de los miembros de los Bee Gees).

Como dato peculiar, comentaros que su compañía era la misma que distribuía la música de los Beatles en sus comienzos, el sello Vee Jay (los Four Seasons fue el primer grupo de la discográfica que no era negro) y es curioso que editaron un álbum conjunto con los mayores éxitos de cada uno, titulado "Four seasons versus the Beatles", en cuya portada aparecía la frase 'You be the judge and jury' ('sé el juez y el jurado').

Voy a poner uno de los temas que más me fascinan de los Four Seasons: Beggin, de 1967.
Han sonado varias versiones en los últimos años: una de un grupo noruego llamado Madcon y otra del Dj francés Pilooski, que más bien es una re-edición del tema ya que no incluye elementos nuevos, solamente manipula el sonido y lo remezcla pero sin deformar ni modificar apenas la original.
Disfrutad de esta delicia, desde su evocador arranque hasta el final, siempre acompañado de un dinámico ritmo al más puro estilo Motown (palmas incluídas). Pertenece a su disco "New Gold Hits", que pese a lo que pueda parecer por el título, no era un recopilatorio de éxitos.
No sé vosotros, ¡pero cada vez que escucho este tema se me revoluciona el corazón!
También os dejo con otro de sus grandes temas, Big girls don't cry, que sin duda habréis escuchado más de una vez. ¡Adorable!

 

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Led Zeppelin - Perfecto ensamblaje

¿Quién no conoce a Led Zeppelin? Uno de los grupos más impresionantes y fundamentales de la historia de la música, que alcanzaron un enorme (y bien merecido) reconocimiento durante sus años en activo y aún en la actualidad, y que han tenido una influencia decisiva en muchísimos grupos posteriores, siendo piezas clave en la trayectoria y evolución del rock.
Ningún grupo había despertado realmente tanta pasión en aquellos años 70. El sonido Led Zeppelin hacía reaccionar al público, poner a la gente en movimiento y desatar su energía.

A finales de los sesenta el rock sonaba cada vez con más fuerza, era rock duro, heavy rock, un preludio de lo que más tarde sería el heavy metal (que tuvo su mayor estallido a finales de los setenta y principios de los ochenta). Así, muchos grupos se decantaron por la investigación y experimentación sonora (como hicieron también King Crimson o Pink Floyd) y Led Zeppelin demostraron que el rock estaba todavía en desarrollo, que le quedaba mucho por evolucionar. Ellos crearon algo más novedoso de lo que había sido el rock hasta el momento, con un sonido en el que se fusiona rock, blues, folk o heavy (e incluso en algún momento funk y reggae), todo marcado por una gran potencia y, a cada año que pasaba, probando elementos nuevos.

El grupo surgió en Inglaterra en 1968 cuando Jimmy Page (el último guitarrista de los Yardbirds, que acababan de disolverse) buscaba nuevos miembros para formar otro grupo. Page, excelente guitarrista, tenía una gran técnica y era un reconocido músico de sesión, cuyo sonido impresionaba con multitud de riffs únicos que han sido emulados por muchos otros guitarristas.

A Page se unió Robert Plant, por entonces un casi desconocido cantante que dio al grupo un toque inigualable con una voz única llena de personalidad, y que también influyó en otros cantantes. Con un amplio registro, moviéndose normalmente por los agudos, es capaz de combinar crescendos potentes, gritos desgarrados y gemidos con melodías más suaves.
Plant fue además el autor de las letras de las canciones, que tratan temas fantásticos y místicos (las del primer disco también son suyas, pero tenía un contrato vigente y no pudo aparecer en él como autor de las letras). Poco después de unirse Plant, completaron el grupo con John Paul Jones y John "Bonzo" Bonham.

Jones era un músico de sesión que además del bajo tocaba otros instrumentos (como piano, órgano, mandolina o sintetizadores) y que aportó a Led Zeppelin una sonoridad mucho más completa gracias al uso y combinación de diferentes timbres.
Bonham tenía fama de ser el batería más ruidoso de toda Inglaterra, y aportó una poderosísima base rítmica al grupo. Una anécdota cuenta que, antes de formar parte de Led Zeppelin, en una ocasión el director de un estudio lo echó porque 'hacía demasiado ruido' y le advirtió de que así no iba a llegar nunca a ninguna parte como batería. Años más tarde, Bonham le envió una carta de 'agradecimiento' por su predicción, junto con un disco de oro del grupo.

El cuarteto que surgió así del proyecto inicial The New Yardbirds dio lugar a Led Zeppelin, quienes se convertirían en un grupo excepcional, único y de gran influencia, y en cuyos conciertos lo daban todo. Conciertos que se llenaban con masas ingentes de público, siendo de los más largos de la historia del rock (incluso de 3 y 4 horas), con canciones de extensos desarrollos (e improvisaciones) de hasta 20 minutos, donde mostraban su gran fuerza, contundencia y técnica, haciendo enloquecer al público (y siempre rodeados de sus incondicionales groupies). Se negaron a actuar en programas comerciales y evitaron las entrevistas en la mayor parte de su trayectoria.

En su discografía encontramos diez discos, sin contar recopilaciones posteriores ni ediciones especiales. Sus primeros 6 discos (hasta 1975) son verdaderamente imperdibles, y muy especialmente los cuatro primeros. En ellos muestran su gran talento, la identidad y esencia de su personal carácter. Cada uno de los temas de estos discos son una composición auténtica y exquisita.

“Lez Zeppelin” (1969) es el excelente disco con el que debutaron, el cual tuvo un recibimiento arrollador (sobre todo en EEUU, no tanto en Inglaterra). En él se notan claramente la mezcla de estilos que caracteriza al grupo, con temas fascinantes como Dazed and confused, Communication breakdown, la deliciosa y contrastante Babe I'm gonna leave you o Good times bad times. 
Como curiosidad, comentar que cuando iban a actuar en Dinamarca, la condesa Eva von Zeppelin, sobrina del inventor del zeppelin, se opuso a que un grupo de (como ella misma decía) 'monos chillones' utilizara el prestigioso apellido de su familia, y más aún después de ver la portada de este disco, donde aparece el zeppelin Hindenburg en llamas durante su accidente en los años 30. Así que el grupo actuó allí bajo el nombre de The Nobs.

Ese mismo año sacaron también “Led Zeppelin II”, que los consagró. Ha sido un disco muy citado por otros grupos como una de sus referencias, sobre todo los potentes riffs de guitarra, que calaron en generaciones posteriores. Magnífico, en él encontramos la ya clásica Whole lotta love, Heartbreaker, Moby Dick o Living loving maid.

“Led Zeppelin III” (1970) tiene un sonido más íntimo y acústico, más tranquilo y algo más folk. Considerado como uno de los discos más importantes del grupo, recibió críticas no demasiado buenas al principio, como las que aparecieron en su momento en la revista Rolling Stone (críticas que posteriormente fueron eliminadas de la base de datos debido a su arrepentimiento...). Contiene grandes temas como Inmigrant song, Celebration day o Out on the tiles.

Al año siguiente editaron un disco que aparece sin título ni ninguna letra que lo identifique, salvo cuatro símbolos o runas que representan a cada uno de los miembros del grupo. Ha sido uno de los discos más vendidos de la historia y es conocido como “Led Zeppelin IV” (siguiendo la cuenta...), “Runes” o “Untitled”. En él aparece uno de los clásicos más mega-clásicos de la historia del rock, la reconocidísima Stairway to heaven, además de otros temazos como Black dog, When the levee breaks, Misty mountain hop, Four sticks o Rock and roll.

Led Zeppelin seguían vendiendo muchísimos discos, consiguiendo discos de oro, un gran reconocimiento y admiración y ganando muchos millones de beneficio (merecidos, sin duda).

“Houses of the holy” (1973), aunque continúa con la esencia rock, blues y folk, incluye trazos reggae (como en el tema Dyermaker) y funk (The crunge), ampliando la sonoridad habitual. Encuentro este disco algo más flojo que los anteriores, aunque sigue siendo un disco de referencia, con otros grandes temas como Dancing days o The song remain the same.

“Physical Graffiti” (1975) es el primer disco en su propia discográfica, Swan Records, creada un año antes. Un doble disco más experimental, resultado de una búsqueda de nuevas sonoridades pero sin perder sus rasgos característicos. Además de temas nuevos, se empleó material descartado de discos anteriores: grandes temas como la impresionante y genuina Kashmir, The wanton song, In my time of dying, Houses of the holy o Custard pie.

Pero en aquel año el ritmo y las giras masivas del grupo se vieron afectadas por varios problemas: Plant sufrió un accidente de coche junto a su mujer e hijos, y Jones se rompió una mano. Aún así, no tardaron mucho en retomar el ritmo, y al año siguiente grabaron “Presence” (en el que Plant estuvo trabajando aún en silla de ruedas). En él no hay ninguna canción acústica ni teclados, y personalmente lo considero de bastante menos calidad y menos sorprendente que los anteriores. 
Ese mismo año se estrenó la película “The song remains the same”, cuya banda sonora es una grabación de un concierto dado años antes en el Madison Square Garden, y con la cual se editó un disco doble, titulado como la película.

En 1977 anunciaron una nueva gira que era esperada ansiosamente tanto por el público (sus conciertos continuaban rompiendo récords aplastantes de público) como por la crítica (quien los consideraba el mayor grupo de la historia del rock). Pero la gira se suspendió debido a la muerte del hijo de Plant, de 5 años.

Tras un par de años de silencio, en 1979 retomaron sus actuaciones y presentaron nuevo disco, “In through the out door”, con toques más pop y más sintetizadores, rompiendo aún más con lo que estaban haciendo hasta el momento. Les resultó difícil de terminar debido a las adicciones de Page a las drogas y de Bonham al alcohol. Contiene algunos temas interesantes como South bound saurez, All my love o In the evening.

Un año después, cuando parecía que el grupo estaba ante un nuevo renacer tocando en grandes giras, se produjo el último gran drama: Bonham muere por una intoxicación etílica. Se especulaba entonces sobre la posibilidad de que incorporaran un nuevo miembro a la batería, pero el grupo decidió que Led Zeppelin no podía continuar sin uno de ellos. Así que como tenían un contrato firmado que les obligaba a sacar un disco más, y al no querer grabar temas nuevos sin Bonham, buscaron material archivado. Así, presentaron “Coda” (1982), un disco compuesto por temas inéditos y grabaciones de conciertos, por lo que es más cercano al sonido puramente Zeppelin que sus dos discos anteriores. Temas destacables del disco son Poor Tom, Darlene, Ozone baby o Bonzo's montreux, donde escuchamos un solo de batería de 4 minutos al que Page añadió posteriormente efectos de sonido (imagino, un homenaje al entonces recién fallecido Bonham...).

Así, llegó el fin de la actividad del grupo y su disolución definitiva, pero nunca quedaron ni quedarán en el olvido. Una conjunción perfecta de talentos que nos han obsequiado con auténticas joyas musicales que forman parte de la historia de la música. Inigualables, auténticos y absolutamente imprescindibles.

No puedo despedirme sin dar las gracias a mi hermano Arturo, fiel seguidor de los Zeppelin desde que tengo uso de razón: gracias por descubrirme a este pedazo de grupo cuando aún era una enana.

Es difícil escoger entre tantos temas de tal calidad... Os dejo con Celebration day, que a punto estuvo de no aparecer en el “Led Zeppelin III” debido a un error en la grabación: se había eliminado por error el comienzo de la batería, pero pudo ser 'arreglado' usando el sintetizador que aparecía en el tema anterior. La verdad es que este resultado es atrapante, ya que cuando entra finalmente la batería resulta fulminante, el tema arranca de manera imprevisible desbordado de energía.
Y para que los podáis ver actuando en directo, la profunda Dazed and confused.
¡Tremendos!

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Otis Redding - El Rey del Soul

Si pensamos en la música soul de los años 60 probablemente entre los primeros nombres que nos vengan a la cabeza (si no el primero) estará Otis Redding: el Rey del Soul. No, el Rey no es James Brown, él es el Padrino del Soul...
En el poco tiempo que duró su carrera musical nos dejó un amplio legado de canciones que se han convertido en clásicos del género, muchas de ellas memorables baladas y otros más potentes y bailables. El estilo de su música no era realmente novedoso, pero sí su increíble voz, tan expresiva y emotiva, capaz de pasar de tener un timbre delicado y lleno de sentimiento a una voz más rasgada y rota.

Su carrera comenzó cuando colaboraba con Johnny Jenkins y su banda. Un día, durante una grabación de éste en los estudios de la discográfica Stax (una de las más importantes en la música soul de esos años) terminaron antes de lo previsto y sobraba un poco de tiempo, durante el cual Redding grabó These arms of mine. El tema encantó a los miembros de la discográfica y le contrataron como cantante, convirtiéndose en muy poco tiempo en referente e icono. Durante sus años en esta compañía estuvo arropado por la gran banda Booker T & the MGs, quienes se sorprendían de la capacidad que tenía para pensar arreglos de vientos, sabiendo qué quería que sonara en cada momento.

Cuando Redding actuó en el Festival de Monterey de 1967 (compartiendo cartel con Jimi Hendrix, Janis Joplin o The Who entre otros) hizo una fantástica actuación, enérgica y sentida, que hizo entusiasmar al público, una multitud de jóvenes hippies con una estética muy alejada a la "anticuada" de Redding. Y es que su música llegaba y llega a personas de gustos muy diferentes porque sus temas son auténtico caramelo para nuestros sentidos.

A finales de ese mismo año ocurrió una gran e inesperada tragedia: se estrelló el avión donde viajaba Redding junto a cinco de los seis miembros de Bar-Keys (autores del conocido Soul Finger, con los que estaba de gira). Murieron Redding y cuatro miembros del grupo (el trompetista, que sobrevivió al accidente, y el bajista que viajaba en otro avión, retomarían el grupo más tarde con otros músicos). 

Redding tenía 26 años y solamente habían pasado 4 desde que se dio a conocer. Había grabado 6 discos de estudio entre 1964 y 1967: "Pain in my heart", "The great Otis Redding sings soul ballads", "Otis blue: Otis Redding sings soul", "The soul album", "Complete & Unbelievable: the Otis Redding dictionary of soul" y "King & Queen" junto a Carla Thomas (cantante apodada "la Reina del soul de Memphis"). 

En ellos aparecen decenas de versiones exquisitas de grandísimos temas de aquellos años: de Sam Cooke (Shake, You send me y Wonderful world), Solomon Burke (Home in your heart y Down in the valley), los Temptations (My girl), Ben E. King (Stand by me), e incluso se llevó al soul Satisfaction de los Rolling Stones o Day Tripper de los Beatles. Y muuuuchas más. 

Pero por encima de todas esas versiones destacan sobre todo sus composiciones propias, que van desde delicadas baladas (Pain in my heart, These arms of mine, I've been loving you too long, That's what my heart needs -¡que alguien baje ese plato por dios!-) hasta temas más movidos o rítmicos (Mr. Pitiful, Any ole way, Respect -que se hizo más famoso por la fabulosa versión de Aretha Franklin-, Security o Fa-Fa-Fa-Fa-Fa Sad Song).

A raíz de su muerte se editaron otros cuatro discos en los que aparecieron más composiciones suyas, auténticos temazos, algunos de ellos más enérgicos de lo habitual y que mostraban una evolución en su estilo. Entre estas composiciones están su mayor éxito Sittin' on the dock of the bay (escrito poco antes del accidente), Love man, I can turn you loose, Groovin' time (con una batería más groovie de lo que solía aparecer en sus temas), Let me come on home, I'm coming home to see about you, That's a good idea, Open the door, Your feeling is mine o I'm a changed man (donde hace un pequeño scat con 'yayayayas')

Por supuesto, se han editado posteriormente multitud de discos con recopilaciones y grabaciones de directos.

Un dato curioso y fascinante: desde muy joven Redding participó en un concurso de talentos de su ciudad donde se le prohibió volver a participar en él tras ser el ganador nada más y nada menos que ¡15 veces seguidas! Pues sí, realmente talento tenía el chaval...

Para cerrar esta entrada quiero dejaros con Hard to handle, uno de mis temas preferidos de Redding (que vio la luz después de su muerte) y la balada These arms of mine. ¡Larga vida al gran Otis! (y grande también físicamente, por cierto... 1'85 m.)

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