Recuerdo el primer día que escuché a Laura Mvula. Nada más sonar los primeros compases de Like the morning dew, tema que abre su disco "Sing to the moon", me atrapó, me dejó prendada, envuelta en ese halo tan hipnótico, tan evocador, delicado pero al mismo tiempo con cierta fuerza contenida. Y con cada tema que pasaba, más me embriagaba. Desde aquel día, he escuchado este disco muchas veces, siendo de lo mejor que he podido degustar en los últimos años. Me alegro mucho de que haya sido tan bien recibido por la crítica y el público.
A raíz de esto escuché sus otros discos, esperando quedar igualmente fascinada. "With Metropol Orkest" es estupendo, ya que contiene los mismos temas pero grabados con la Orquesta Metropol, que ha tocado y grabado con numerosos artistas desde hace décadas, funcionando tanto como una Big Band como una Orquesta Sinfónica.
Su tercer disco (y último hasta la fecha) "The dreaming room" no me ha llegado tanto, ni de lejos. Aunque es un buen trabajo, eso no puede negarse, toma un camino diferente y su carácter general está más alejado de los anteriores. Es curioso porque sus temas sí mantienen la esencia compositiva de Mvula, pero el resultado final desprende un sonido más frío y menos sugerente, lo cual probablemente tenga que ver con la producción, menos intimista y más, podríamos decir, eléctrica (que no electrónica).
Así que voy a centrarme en el delicioso "Sing to the moon" (2013), un álbum que, me atrevo a decir, es pionero en cuanto a concepción, abriendo un camino nuevo y desafiando convencionalismos pero desde la pura sencillez y elegancia, e interpretado con gran exquisitez.
Melodías interesantísimas que ensamblan perfectamente con coros e instrumentos, tan envolventes gracias al timbre de Mvula, su particular fraseo y su modo de emplear los contrastes de dinámicas y registros. Encontramos también contrastes entre secciones y una cuidada instrumentación que aporta un rico sonido orquestal.
No resulta fácil clasificar esta música, pues tiene un sonido muy personal que hace que sea única y auténtica. Podríamos decir que es en esencia soul (pero alejada del estilo de las cantantes soul que están tanto tiempo en los agudos luciendo chorrazo), con tintes gospel y pop y un sinfonismo clásico que en algunos momentos adquiere cierto aire marcial.
Entre las composiciones de Mvula destacaría Can't live with the world, I don't know what the weather will be, She, Like the morning dew, Make me lovely o Sing to the moon y algunos cortes más rítmicos, como That's alright o Green garden.
Como muestra de este magnífico disco, os dejo con Make me lovely y I don't know what the weather will be.
Mágico.
Björk tiene un sonido único y claramente identificable. Es difícil dejar pasar su música sin que capte nuestra atención, para posteriormente conquistarnos y arrastrarnos a su particular universo sonoro.
Imparable en su afán de experimentación e innovación, su música es muy ecléctica, jugando con multitud de géneros y estilos diferentes: electrónica, dance, pop, folklore, música 'clásica'...
Nos envuelve con una gran riqueza de texturas y ritmos, junto con las melodías atípicas pero deliciosas de su voz, tan expresiva, y que resulta delicada pero al mismo tiempo potente.
Solo por sus primeros discos, especialmente "Post", "Homogenic" y "Vespertine", merece un gran reconocimiento. Esos discos, junto al anterior, "Debut", rebosan personalidad, imaginación y creatividad, haciendo que la complejidad de su música aparente sencillez.
Esta islandesa (de apellido Gudmundsdóttir) publicó su primer álbum con 11 años, "Björk" que tuvo bastante éxito en su país. Con un sonido altamente infantil y temas en islandés, resulta curioso aunque no es especialmente reñesable más allá del hecho de escucharle cantar y tocar la flauta en su niñez. En él aparece una particular versión de Fool on the hill de los Beatles, Alfur ut ur holl.
Después de ese disco se retiró de los escenarios y tras estudiar en el Conservatorio pasó por diversas agrupaciones de tintes punk, hasta llegar a Sugarcubes, grupo más pop con quienes grabó tres discos y que consiguió mucha popularidad tanto en Islandia como en el Reino Unido y EEUU.
Se mudó a Londres y fue acercándose a un estilo más dance y house, lo que mostró en su disco "Debut" de 1993, que tuvo una gran acogida. Un disco original donde combina temas bailables con otros más sensuales, y donde desplegó toda su versatilidad vocal. Contiene varios de sus grandes éxitos: Human behaviour, Venus as a boy y Violently happy.
Dos años después publicó "Post", un fantástico disco para el que contó con varias colaboraciones para la composición y producción, y que se alejaba de la música que podía escucharse en ese momento. En él se combinan temas electrónicos con cierto sonido industrial (como los tremendos Army of me, Hyper-ballad, Enjoy o I miss you) con otros más delicados y evocadores (Possibly maybe, Isobel y Cover me). Aparece también su versión del tema de los 40 It's oh so quiet, que parece una creación original de Björk, ya que le viene como un guante.
Los temas de "Post" fueron remezclados y publicados bajo el título de "Telegram".
En esos años Björk ya era muy reconocida y tenía muchos seguidores, entre ellos un fanático que podía haber acabado con su vida. Durante meses éste grabó un perturbador video en el que mostraba su obsesión por la cantante, la fabricación de un paquete bomba con una carta en ácido sulfúrico que después envió a Björk, y finalmente grabó su suicidio mientras escuchaba una de sus canciones. Por suerte no cumplió su objetivo, ya que la policía encontró el cuerpo y el vídeo antes de que el paquete llegase a su destino. En esos días, Björk se marchó a España, impactada y trastornada por lo sucedido, y durante su estancia en Andalucía grabó el conmovedor tema So broken junto a Raimundo Amador.
Pocos meses después del disco de remezclas publicó "Homogenic", grabado en España, y de nuevo arropada por diversas colaboraciones. Resulta fascinante de principio a fin. Repleto de temas muy expresivos y experimentales, donde predomina un sonido más ambiental y atmosférico que llega directo a las entrañas y el corazón. Contiene grandísimos temas como Joga, Hunter, Unravel, Bachelorette, Immature o All is full of love. Pluto aporta una gran dureza y punto psicótico a este disco envolvente y embriagador.
En el año 2000 tuvo una incursión en el cine actuando en una película de Lars von Trier, "Bailando en la oscuridad" ("Dancer in the dark"), para la cual además compuso la música junto a Mark Bell ("Selmasongs"). Hubo una gran lucha de egos, y decidió que no volvería a hacer una película. En sus propias palabras, "fue como si Napoleón intentara dirigir a Pipi Calzaslargas".
Para su siguiente disco se encargó de la mayoría de la producción y arreglos, prescindiendo de tantas colaboraciones. "Vespertine" (2001) suena íntimo y delicado, y en ciertos momentos muy minimalista, con un juego constante de texturas y atmósferas que nos hace pensar que estemos en un sueño o una fantasía. Con temas como Pagan poetry, Hidden place, Undo, Unison o It's not up to you.
Sus cuatro álbumes siguientes me han dejado bastante indiferente. No puedo negar que son innovadores y arriesgados, pero para mi gusto resultan demasiado vanguardistas y abstractos, poco fluídos y carentes del gancho que tenían los anteriores y de la fuerte personalidad que emanaba cada uno de sus temas de antaño.
Son sorprendentes y diferentes, sí, pero su escasa coherencia hace que no dejen la misma huella que los anteriores. Quizá porque no son tan 'cantables', más complejos de asimilar y recordar, demasiado 'extraños'. Quién sabe, lo mismo estamos ante la música del futuro y puede que no esté preparada... sin duda, a muchos les parecerán fabulosos. "Medulla" sorprendió en 2004 con el poco uso de instrumentos, predominando la interpretación vocal con coros y temas a capella, donde juega con la voz entre susurros, sonidos guturales y líneas melódicas más atípicas de sus ya de por sí atípicas melodías. Un disco interesante aunque personalmente no me atrapó, al igual que me ocurrió con "Volta", cuyos ritmos y estructuras altamente abstractas provocan que los temas me resulten demasiado pesados y cargantes.
"Biophilia" (2011) rebosa exploración y experimentación, aunque creo que Björk se está perdiendo entre tanto vanguardismo y la musicalidad está cada vez más lejana, siendo de compleja degustación. Es el primer disco de la historia en lanzarse como 'App-album', con aplicaciones, videos e imágenes de diferentes agencias espaciales. Así, suena muy 'espacial' y atmosférico en su juego con las texturas, aunque de nuevo no encuentro ningún tema que esté dotado de una personalidad y carácter especiales, sonando -podríamos decir- como una base ambiental sobre la que se mueve imprevisible una voz que narra cantando. Me resultaron curiosos Cosmology, Thunderbolt y Virus, pero poco más que eso.
El año pasado publicó "Vulnicura" que no he podido escuchar con detalle, pero bajo una primera impresión, me resulta más interesante. Si alguno lo habéis podido degustar con más tiempo y queréis opinar, vuestros comentarios serán enormemente bienvenidos (¡como siempre!). He podido ver también el videoclip de Stonemilker, grabado en una playa y que sorprende por haber sido grabado en 360º grados, por lo que podemos movernos a lo ancho y alto del mismo mientras el video sigue su curso. Björk continúa innovando más allá de lo puramente musical, como ha ocurrido siempre con sus videoclips y sus estrambóticas vestimentas.
Para que disfrutéis de esta música tan personal y atrapante, os dejo con dos de los mejores temas de su gran época: Joga y Army of me. Bienvenidos al universo Björk.
The Whitest boy alive es un cuarteto berlinés liderado por el cantante Erlend Oye (también líder de Kings of convenience, más popis-blandos-empalagosos). Aunque al principio comenzaron como un proyecto de música electrónica, acabaron haciendo todo lo contrario: música acústica con guitarra, batería, piano rhodes, bajo y voz. Crean un ambiente ensoñador que conmueve y remueve durante su escucha.
Su disco "Dreams"(2006) es una gran muestra de cómo hacer temas de carácter bailable pero que resultan intimistas y delicados al mismo tiempo. Ritmos sencillos y líneas simples sostenidos por un discreto aunque profundo bajo, y una voz que desprende cierta nostalgia e inocencia en su timbre.
Un carácter evocador que se aleja totalmente de complicaciones virtuosísticas para mostrar la belleza de la sencillez y cómo ésta puede movernos con gran ímpetu.
Temas como Burning, Golden cage, Figures, Fireworks, Inflation... Bocanadas de aire fresco que hacen honor al título del disco, "sueños".
Su segundo disco y último hasta el momento, "Rules" (2009) no me ha atrapado tanto, y aunque mantiene gran parte de esa delicadeza bailable, sus temas no tienen tanta fuerza como los anteriores ni el conjunto de éstos es tan equilibrado.
Os dejo como muestra el vídeo original (e inquietante) de Golden cage y el de Fireworks.
¡Que viva el 'trasteo' guitarrero!
Durante bastantes años, muchos han considerado a The Breeders algo así como 'lo más cercano a los Pixies'. Es cierto que muchas veces su sonido puede recordarnos a ellos, lo cual se debe principalmente a que su líder, Kim Deal, fue la bajista y segunda voz de aquella increíble banda.
Pero son dos grupos muy diferentes y Breeders no se valen de ser "el grupo de la bajista de los Pixies", sino que han demostrado tener una identidad propia, dando a cada uno de sus temas un sonido procedente de diversos estilos que giran en torno al pop, indie, rock e incluso country.
Kim es la autora del mítico Gigantic de los Pixies, y aunque no paraba de
componer, no pudo interpretar prácticamente ninguna de sus
canciones hasta que no formó su propio grupo. De hecho, debido a los
problemas que tuvo con Frank Black mientras estaban en los Pixies, en
sus últimos discos apenas la escuchamos ni siquiera haciendo coros.
A finales de los 80, cuando los Pixies estaban todavía en activo, Kim Deal creó en paralelo The Breeders junto con su admirada Tanya Donelly (quien por entonces era guitarrista de Throwing Muses). A lo largo de su carrera han tenido diversas formaciones.
Su primer disco salió en 1990, "Pod". Sus temas desprenden un sonido muy indie y pop, incorporando un violín (que más tarde volvería a aparecer en otro de sus discos). Aunque en ciertos momentos se aprecia claramente una fuerte influencia del sonido de sus grupos matrices (es decir, Pixies o Throwing Muses), Kim Deal demuestra su personalidad compositiva y vocal.
Canciones con un toque fresco, bastante primitivas y cargadas de sencillez, y con esa voz que a menudo suena infantil pero sin dejar nunca de ser deliciosa. En este disco encontramos buenos y variados temas como Doe, When I was a painter, Hellbound, o la versión de los Beatles Happiness is a warm gun.
En esta época casi no actuaban en directo y apenas dieron un par de conciertos. Por entonces, Kim ya estaba pensando en incorporar al grupo a su hermana gemela, Kelley, aunque era consciente de que ésta no sabía tocar ningún instrumento... ¡eso es amor de hermana...!
Además en esos años tanto los Pixies como Throwing Muses tuvieron una gran actividad, por lo que el desarrollo de Breeders se vio frenado durante un tiempo, y algunas integrantes del grupo formaron sus propias bandas paralelas: Tanya Donelly dejó Throwing Muses para formar Belly, y Josephine Wiggs (bajista) formó Honey Tongue.
Finalmente entró a formar parte del grupo Kelley Deal, y tras publicar en 1992 el mini Lp "Safari", con cuatro temas, se marchó del grupo Tanya, pero sin que hubiera conflicto ni malos rollos.
Tras un período de aprendizaje (literal) por parte de Kelley con la guitarra, y dicho sea de paso, mucha panciencia por parte del grupo, la nueva formación comenzaba a avanzar, aunque puede apreciarse la poca soltura y maneras toscas de tocar que tenía durante sus primeras actuaciones. De hecho, cuando llevaba tocando la guitarra 'formalmente' aproximadamente un mes, The Breeders estaban actuando como teloneros ni más ni menos que de Nirvana en su gira de "Nevermind". Poco a poco la calidad de Kelley fue mejorando... menos mal.
En 1993, cuando los Pixies se separan definitivamente, Breeders editan su segundo disco, el fabuloso "Last splash". Muy recomendable: variado y colorido, con sonoridades variadas como pop, rock o country. El exitoso Cannonball, No aloha, Flipside, Hag, Divine Hammer, I just wanna get along, Invisible man, Do you love me now? o Saints son algunos de los pequeños tesoros de la banda, y se encuentran reunidos en este disco imperdible.
Hay que reconocer que el directo de The Breeders no era de calidad, con interpretaciones poco precisas y en momentos bastante chapuceras, casi como un grupo de quinceañeros que acaban de empezar. Pero eso sí, mantenían una actitud enérgica y desenfadada, llena de entusiasmo y buen humor, consiguiendo así una fantástica respuesta por parte del publico.
Pero cuando Kelley se vuelve adicta a las drogas y Josephine decide retirarse, Kim crea un nuevo proyecto, The Amps, cuyo sonido es muy parecido al de The Breeders. Solo publicaron un disco (muy recomendable también), "Pacer", de 1995.
Tras muchos años separados, The Breeders volvieron a reunirse y publicaron en 2002 "Title TK", otro gran disco que cuenta con nueva formación (se mantienen las dos hermanas) y que suena muy 'casero' y personal. Temas con menos profundidad que los anteriores pero reseñables, como The she, Little fury, Full on idle, Huffer o Sinister fox.
Su último disco vio la luz en 2008, "Mountain battles", y no lo he degustado lo suficiente como para opinar ampliamente. Mi primera impresión es que suena menos íntimo y que contiene demasiados temas 'de relleno', pocos son realmente significativos, aunque hay algunos interesantes (Walk it off, No way o el curioso tema en alemán German studies). Quizá necesite unas cuantas escuchas más, aunque con "Last splash" no hizo falta más que una sola para quedarse impreso en mí...
Así, The Breeders es uno de esos grupos que hay que escuchar y disfrutar sin intención de esperar canciones complejas o estructuras muy innovadoras, sino temas envueltos por una sonoridad sencilla y enternecedora (incluso las canciones más potentes siguen siendo tiernas de algún modo...).
Como cierre, podría poner el mítico Cannonball, pero os dejo con otro que muestra también muy bien parte del sonido de la banda: Hag, del mismo disco.
Y para que podáis escuchar a Kim Deal y Kim Gordon (de Sonic Youth) juntas, aquí tenéis el tema de SY Little trouble girl, de su disco "Washing Machine". Imperdible.
Cake es uno de estos grupos de difícil clasificación. Formado en 1991, su música combina estilos muy diversos, como el rock, country, pop, indie... Una línea de bajo muy clara y definida, detalles de trompeta que aportan cierta frescura, y unas melodías vocales de peculiar vocalización y muy lineales, entonadas a la manera del canto-hablado.
La contra que tienen Cake es que hay demasiado contraste entre la calidad de sus temas: tan pronto encontramos temas buenos y con gancho, como
escuchamos otros que no pasan de ser 'interesantes' (o ni siquiera
eso...). Por supuesto, es una percepción personal, ya que actualmente es
un grupo muy valorado y que cuenta con un gran reconocimiento, sobre
todo en Estados Unidos, donde ocupan altos puestos en las listas y
muchos de sus temas aparecen en series de televisión y películas. Pero personalmente, no creo que sea un grupo que pueda realmente sorprendernos con cada trabajo que hagan.
Durante su trayectoria, ha habido unos cuantos cambios en su formación, pero siempre liderados por el cantante John McCrea, miembro tan identificativo de la banda.
El primero de sus seis discos de estudio (hasta el momento) fue "Motorcade of Generosity", de edición y distribución propia, y que posteriormente fue relanzado en 1994 por una discográfica. En él se aprecia ya el guitarreo, trompeteo y melodías característicos, aunque con un sonido más country y ranchero que en sus discos posteriores. Algunos temas rescatables son You part the waters, Haze of love o Is this love?.
El verdadero reconocimiento de Cake surgió en 1996 con su disco "Fashion nugget" (de lo mejor del grupo). Con buenos temas como The distance, la versión del tema de Gloria Gaynor I will survive, Race car Ya-yas, Frank Sinatra, Nugget o Friend is a four leter word.
En 1998 presentaron"Prolonging the magic", a mi parecer, menos elaborado que el anterior, y con menos temas realmente buenos, entre los que extraería algunos como Never there, Where would I be o Hem of your garment.
En su cuarto disco presentaron un trabajo de nuevo interesante, "Comfort eagle"(2001), con un carácter más rítmico y con algo más de potencia (siempre dentro de una contención considerable). Canciones como Commissioning a Symphony in C, Long line of cars, Comfort Eagle, Love you madly o Arco arena (prácticamente instrumental). Short skin/long jacket tiene un videoclip bastante curioso: en él
se muestra la canción a distintas personas de la calle a través de unos
cascos de música, y mientras lo escuchan dan su opinión o hacen sus
comentarios al respecto (podemos ver reacciones muy diversas: personas
entusiasmadas, que sonríen, bailan o mueven la cabeza al ritmo, u otras
personas más críticas y reacias...). Bueno, probablemente esté preparado
y no sean reacciones reales, pero ciertamente es original (y en momentos
el tema recuerda demasiado al Sweet Jane de Lou Reed...).
La primera vez que escuché su siguiente disco, "Pressure chief", de 2004, fue como si ya hubiera escuchado la
mayoría de esos temas. No es que sean malos o resulte un
mal disco, pero no sorprende, no aporta nada nuevo ni temas que, aunque mantuvieran la línea anterior, tengan cierto interés. A principios de este mismo año han presentado nuevo disco, "Showroom of compassion". Aún no he tenido ocasión de escucharlo con mucha atención ni exprimirlo, pero su sonido está bastante cambiado, y sinceramente, me ha dejado bastante indiferente una vez más. De él rescataría apenas un par de temas, nada especialmente reseñable.
Os dejo con Long line of cars y Friend is a four leter word. Una anotación: four-letter word hace referencia a una palabra que puede
considerarse vulgar u ofensiva, como palabras escatológicas, sexuales...
(tales como cunt, dick, cock, fuck, piss, butt... todas de cuatro
letras). Así es como sienten Cake la palabra 'amigo' cuando ella
se la dice, como una de esas palabras de cuatro letras, y 'end', el
final de la palabra, es la única parte que realmente tiene sentido...
Espero que no sigan conformándose con hacer temas 'decentes' y 'pasables', y compongan algo que pueda perdurar más allá de unos minutos, porque sus ideas son buenas, pero quizá no cómo las desarrollan. ¿Vosotros qué opináis?
REM (que tomaron el nombre de Rapid Eye Movement, una fase del sueño), se han convertido en uno de los grupos claves de la historia del rock. Con 15 discos a sus espaldas hasta el momento (sin contar recopilatorios ni directos) han demostrado que hacen música de calidad, y muchos de sus temas se han convertido en clásicos del siglo XX. Es complicado etiquetarlos en un estilo concreto; sonarán más o menos rock, más o menos folk, más íntimos o más cañeros, pero durante décadas han conseguido seguir manteniendo su sonido REM, a pesar de las ligeras variaciones de estilo según la etapa de su carrera.
Durante mucho años fueron un cuarteto (posteriormente trío), formado por Michael Stipe (voz), Mike Mills (bajo, teclado y coros), Bill Berry (batería) y Peter Buck (guitarra). Su sonido es una mezcla de rock y pop con toques folk y country (sobre todo en sus comienzos), y son características sus líneas melódicas, que tienen una identidad única gracias a la inconfundible voz de Stipe.
Hablar detenidamente de cada uno de sus discos sería un trabajo demasiado largo y complejo, así que haré un rápido recorrido sobre su trayectoria, llena de discos que fueron viendo la luz con poco tiempo de diferencia entre uno y otro, y que son una clara muestra de la evolución del grupo durante unos 30 años.
Su primer disco"Murmur" (1983) recibió muy buena acogida. Sonaba muy fresco, con grandes temas como Catapult, Radio free Europe, We walk o 9-9. Al año siguiente publicaron "Reckoning", un disco rítmico con bastante fuerza (So. Central Rain o Pretty perssuasion son algunos de sus temas). Continuaban a toda velocidad sacando un disco por año: "Fables of reconstruction" (1985) seguía la misma línea que los anteriores aunque algo más tranquilo: contiene muy buenos temas como Maps and legends, Driver 8 o Crazy.
Sin perder las buenas costumbres, un año después llegó "Lifes rich pageant", considerado por muchos como uno de los mejores discos de los 80. Más rockero que el anterior y con un sonido que empieza a definir más claramente el 'color REM': Superman, Cuyahoga o Fall on me son algunos de sus temas.
En 1987 sorprendieron con el gran disco "Document", donde aparecen los clásicos It's the end of the world as we know it y The one I love. En ese momento, REM ya eran muy reconocidos y valorados, y contaban con una gran cantidad de seguidores.
Con "Green" (1989) ficharon para la multinacional Warner Bros (con la que siguen hasta ahora), y ya se situaban en lo más alto de los grupos del momento. En él podemos escuchar Orange crush, I remember California o Stand.
Es entonces cuando comienza una nueva etapa para el grupo (a mi parecer, en la que sacan sus mejores discos, consiguiendo un sonido puramente suyo, tan característico y lleno de vitalidad). "Out of time" (1991) es algo más tranquilo y elaborado que los anteriores, y cuenta con temas que son ya símbolo del grupo, como Losing my religion o Shiny happy people (junto con Kate Pierson, cantante de B-52s, que colabora en otra de las canciones del disco). Otros menos conocidos, pero también muy buenos temas de este disco son Texarkana, Low o Radio song.
Al año siguiente sacaron el discazo "Automatic for the people" (uno de sus mejores discos), más delicado y tranquilo, absorvente y puro, con auténticos temazos (muchos de los cuales son ya míticos) como Drive, Everybody hurts, Try not to breathe, Man on the Moon o The sidewinder sleeps tonite. Por cierto, este disco fue arreglado por el mismísimo John Paul Jones, bajista de los Zeppelin.
Y en 1994 sacan el que, para mí, es su mejor disco junto con el anterior: el increíble "Monster", que contrasta totalmente con el sonido acústico y tranquilo de los anteriores. En "Monster" hay un carácter más rockero y abunda la distorsión, dando un sonido verdaderamente peculiar a cada canción (ya no solo suena 'a Rem', sino a 'Monster'). Temazos como What's the frequency Kenneth, King of comedy, Bang and blame, Circus envy, Crush with eyeliner... Vamos, que ninguno de los temas del disco tiene desperdicio, creedme. Un sonido intenso que llega directo a las entrañas para conquistarnos a la primera escucha.
Comienzan entonces una grandísima gira mundial, después de más de cinco años sin hacer ninguna, y la cual tuvo que interrumpirse debido a un cúmulo de problemas de salud que sufrieron los miembros del grupo: Berry sufrió una aneurisma cerebral, Mills tuvo que operarse para quitarse un tumor intestinal y Stipe fue operado de una hernia. Afortunadamente, todos se recuperaron y posteriormente continuaron con la gira.
En 1997 REM presentaban "New adventures in Hi-Fi". Reconozco que en un principio fui bastante reacia a este disco, infravalorándolo y dejándolo en un segundo plano. Probablemente se debió a que "Monster" era tan potente, tan absorvente y único, que esperaba un carácter parecido, pero en cambio era muy diferente (dejándome indiferente). Con canciones de estilos muy variados que, reconozco, me ha ido gustando más con los años. A día de hoy, puedo decir que tiene buenos temas como Binky the doormat, New test leper, Undertown, Leave o Bitersweet me.
En ese momento, Berry dejó el grupo (al parecer por la necesidad de reposo tras su enfermedad pasada y por la falta de motivación para continuar con giras y discos) y se marchó con su familia a vivir una vida más tranquila. A partir de ese momento, REM pasa a ser un trío, contando con baterías externos para grabaciones y directos.
"Up" (1998) surgió con un sonido más experimental que el que habían tenido hasta el momento (al margen de sus ligeros cambios estilísticos), menos tradicional y con un mayor empleo de sintetizadores. Aunque en su día me ocurrió igual que con el anterior, decepcionándome en sus primeras escuchas (probablemente por mi ansia de escuchar otro "Monster"), es otro buen disco, con canciones como Lotus, At my most beautiful, You're in the air o The apologist.
En los años siguientes publicaron "Reveal" y "Around the sun", discos que me dejaron (y aún hoy me siguen dejando) indiferente, con algún tema que puede resultar interesante, pero poco más, no dejaban una huella especial.
Empezaba a penar que REM iban a ir disipándose poco a poco hasta perderse en la nada, con un montón de nuevas canciones que iban a sonar siempre a lo mismo, como si fuera una misma cancion standarizada que modificaban un poco pero sin nada importante que aportar. Por suerte, cuando escuché su siguiente disco, "Accelerate" (2008) me alegré bastante porque el carácter de REM iba
de nuevo más allá de las baladas insulsas y excesivamente monótonas de los
últimos discos, era más potente, algo más furioso y parecía que tenían algo que contar. Tengo que escucharlo un poco más, y aunque como digo, me ha dado ciertas esperanzas de poder revivir el sonido REM de antaño, tampoco me ha enganchado completamente en su primera escucha.
Muy recientemente ha visto la luz "Collapse into now" (2011), el cual no he tenido ocasión de escuchar aún. ¡Si lo has catado ya, te animo a comentarlo!
Así que, viendo esta extensa producción musical y abarcando estilos algo diversos, es realmente complicado escoger solo dos de sus temas para ponerlos como muestra (bueno... todos les habéis escuchado seguro, aunque no sepáis que son ellos).
Por un lado, pondré uno del álbum "Monster", teniendo en cuenta que rompió bastante con lo que venían haciendo hasta el momento y que para mí es su mejor disco. Cualquiera sería una buena muestra; escojo el que abre el disco, What's the frequency Kenneth, el que me dio la vuelta a la cabeza nada más meter el cd en el radiocassette.
Y para que escuchéis uno que camine más cercano a su, digamos, estilo general, The one I love, un tema con una estructura sencilla y pocos cambios, pero que muestra muy bien la esencia del grupo. Os invito a adentraros en su música para que sintáis su recorrido desde vuestra propia percepción. Porque ya sabemos: para gustos, los colores.
Radiohead es uno de los grandes grupos de finales de los 90 hasta la actualidad. Son en cierto grado experimentales, con sonoridades muy particulares que surgen de una mezcla de rock alternativo, pop, post-grunge, música ambiental y electrónica (sobre todo en sus últimos discos), y cuyos temas tienen muchas veces unos desarrollos rompedores e imprevisibles, siempre con ese toque melancólico que les caracteriza, gracias además a la inigualable y expresiva voz de Thom Yorke.
Este grupo inglés surgió a finales de los 80, comenzando a tocar juntos bajo el nombre On a Friday, y tras terminar sus estudios universitarios retomaron el grupo con más continuidad y ficharon con una discográfica, cambiando su nombre al actual, Radiohead (como uno de los temas de Talking Heads).
En 1992 publicaron "Drill", con una edición limitada, y en el cual aparecían las primeras versiones de temas que desarrollarían posteriormente.Al año siguiente sacaron "Pablo honey", un buen disco de presentación pero que suena demasiado a pop 'blando', sin ese carácter puramente Radiohead. Al principio no recibieron demasiadas buenas críticas, aunque los medios sí reconocieron la calidad vocal de Yorke. En este disco aparece el aclamado (y demasiado exprimido) Creep, que curiosamente pasó inadvertido al principio, e incluso fue retirado de la radio de la BBC por considerarlo demasiado depresivo.
Otros temas de este disco son Anyone can play guitar, Blow out o Inside my head. De pronto, Creep empezó a adquirir mucho éxito y a emitirse en todas partes, lo que les llevó a tocar de un continente a otro. Debido a la presión de este éxito tan repentino y a que la gira se alargó durante casi dos años, estuvieron a punto de separarse. Pero por suerte esto no sucedió, porque lo mejor estaba por llegar: Radiohead eran y son mucho más que Creep.
Tras el Ep "My iron lung" publicaron e 1995 "The bends", un buen disco que fue muy aclamado y cuyo sonido es más maduro que el anterior, con texturas más complejas y una sonoridad en general más 'atormentada' y melancólica. En él encontramos Street spirit (fade out), High and dry, Just o Sulk. Ese año estuvieron de gira con REM, que además habían sido una influencia para Radiohead.
Estuvieron actuando como teloneros de Alanis Morissette para
perfeccionar en directo sus nuevas composiciones antes de grabarlas y tras
los conciertos editaron uno de sus más grandes discos: "OK Computer" (1997). Su escucha es muy recomendable, con composiciones más complejas y elaboradas, más experimentación y mayor riqueza rítmica. Cuenta con fantásticos temas como Karma police, Paranoid android, Let down, Climbing up the walls, No surprises o Lucky. En ese mismo año su tema Talk show host (una cara B) aparecía en la película Romeo+Juliet.
En ese momento, muchos calificaban a Radiohead como el mejor y más importante grupo del momento.
Tras un pequeño período de inactividad durante el cual estuvieron de nuevo a punto de separarse (Yorke admitió haber tenido grandes dificultades para escribir más canciones) empezaron a trabajar en un nuevo disco. Habían dejado el listón muy alto y todos esperaban escuchar su nuevo material. Radiohead sorprendió entonces con "Kid A" en el año 2000, un disco también muy experimental pero con un sonido diferente, mucho más electrónico y minimalista, con la inclusión de instrumentos como las ondas Martenot (utilizado por compositores 'clásicos' contemporáneos, como Messiaen) o instrumentos de cuerda, metales y percusión programada.
Podían haber continuado con su sonido inicial, pero en su lugar prefirieron investigar y, de algún
modo, evolucionar sin perder su identidad. Algunos ejemplos son Idioteque, The national anthem, Morning bell o Everything in its places.
Al año siguiente editaron "Amnesiac", cuyos temas fueron grabados en las mismas sesiones que su disco anterior, por lo que puede considerarse una especie de 'Kid-B'. Es un disco con sonidos también muy electrónicos y con ese aire experimental. I might be wrong, Knives out, Dollars and cents,Pyramid song o una versión de su anterior Morning bell son algunos de los temas.
"Hail to the thief" (2003) suena menos electrónico y en él vuelven a tener más presencia los sonidos de guitarras, en una aparente intención de retomar su sonido inicial (aunque siguen usando las ondas Martenot) y con estructuras más convencionales. Un buen disco pero que no sorprende demasiado, sin temas realmente significativos (son rescatables Sit down Stand up, Where I end, There there o Scatterbrain).
Su séptimo disco salió en 2007, "In rainbows", con temas muy ambientales y mezcla de texturas muy envolventes. Un sonido diferente, pero que al mismo tiempo es atrapante y evocador. Encontramos temas como Jigsaw falling into place, Body snatchers, Nude o Weird fishes.
Este disco fue puesto a la venta mediante internet en formato digital y en cuya compra los usuarios pagaban el precio que creyesen oportuno (más adelante sacaron el cd). Esta novedosa tendencia a la hora de vender un disco fue imitada posteriormente por otros grupos.
Radiohead ha demostrado una actitud muy positiva hacia una distribución no comercial de su música; por ejemplo, en 2010 unos seguidores colgaron en internet un video de un concierto que habían dado en Praga, y Radiohead les proporcionó el audio para este video (y sí, parece que sin nada a cambio...).
A comienzos de este año han sacado "The king of limbs", también para descargar por internet pero ya con un precio establecido, y posteriormente podrá comprarse en distintos formatos. De este disco aún no puedo opinar porque no he tenido el placer de escucharlo. Si alguno lo habéis escuchado y queréis aportar algo, ¡bienvenidos!
Cierro esta entrada con el que considero uno de sus mejores temas: Paranoid android. Una desgarradora y penetrante canción de más de seis minutos donde la originalidad y el contraste no dejan de fluir en ningún momento, manteniendo activo el interés a cada segundo. Es un tema formado por cuatro partes muy distintas (que de hecho están a diferente tempo y en distintas tonalidades), enlazando una con otra de manera magistral. Ellos mismos comentaron que se divirtieron mucho componiendo este tema, jugando a ver cómo enlazaban esas secciones tan distintas.
Su videoclip tampoco nos deja indiferentes: enfermizo, colorido y ácido, realizado por el sueco Magnus Carlsson, autor de la serie de animación Robin (que es el protagonista de este videoclip). Como curiosidad, decir que Radiohead le pasaron a Carlsson solo la parte instrumental pero no la letra, para que no hiciese un video basado en el texto. El resultado es brillante y psicótico: música e imagen extraña y magistralmente combinadas.
Otra curiosidad a cerca del video (triste reflejo del mundo en que vivimos) es que cuando lo emitían por televisión censuraban los pechos de dos sirenas (que, primero, son dibujos, y segundo, aparecen después de que un personaje se ampute los brazos y las piernas...). Durante un par de semanas el encargado de las censuras en la MTV no fue a trabajar por estar enfermo, y estuvieron retransmitiéndolo tal cual es (y como aparece en esta versión que adjunto). A su regreso continuaron con el video censurado, hasta que finalmente se llegó a crear una versión donde las sirenas llevaban bikini. En fin... hipocresía televisiva, como nos tienen tantas veces acostumbrados.
Bueno, pues dicho esto, ¡agarraos porque música y video tienen miga!
Shocking Blue es un cuarteto holandés que vale la pena conocer. A pesar de que no fueron realmente innovadores, su música tenía y tiene algo especial, un sonido al estilo americano donde combinan rock, pop, blues y psicodelia rodeados de una leve oscuridad.
Surgieron en 1967 liderados por Robbie Van Leeuwen, guitarrista, sitarista y compositor de todos los temas, que acababa de dejar una conocida banda holandesa llamada The Motions. Un año después de formar Shocking Blue, su cantante se marchó para alistarse en el ejército y fue sustituido por la carismática Mariska Veres, quien inevitablemente ha sido comparada numerosas veces con Grace Slick, de los Jefferson Airplane, tanto por el color de su voz y su manera de cantar como por su aspecto y sensualidad.
Ella dotó al grupo de una mayor personalidad, y tras su incorporación Leeuwen dio un aire nuevo a sus composiciones con un sonido más rico, el que les caracterizó durante sus primeros años.
Uno de sus temas más conocidos es Venus, que fue número 1 en casi todo el mundo (curiosamente no lo fue en Holanda, donde llegó al número 3). Con él Shocking Blue consiguió ser el primer grupo holandés en ser número 1 en Estados Unidos. Hay cierta polémica en torno a este tema, ya que es un 'hijo bastardo' (por llamarlo de alguna manera) de The banjo song, del grupo The Big Three (con una por entonces desconocida Mama Cass). Y por desgracia, la mayoría de la gente tiene en la cabeza la edulcorada versión que
hicieron Bananarama en 1986... ¡pero no hay color!
Grabaron 7 discos desde la incorporación de Veres que contienen muy buenos temas, sobre todo los dos primeros. "At home" vio la luz en 1969 y en él encontramos muchas de sus mejores creaciones, como Long and lonesome road, Love buzz (que fue versionado por Nirvana veinte años después), Hot sand, California here I come, Love machine, The butterfly and Io la exitosa Venus.
Al año siguiente publicaron "Scorpio's dance",contenedor de grandes temas como el fantástico Send me a postcard, Mighty Joe, Little cooling planet, Daemon lover o Water boy.
Le siguió "Third album", el tercero con Mariska pero cuarto del grupo, con temas como el potente Shocking you, Never marry a railroad man, I'll follow the sun oBird or paradise, y para el cual contaron con el apoyo de otro guitarrista, formando un quinteto.
Su siguiente disco suena más pobre, "Inkpot", donde volvió a desaparecer la guitarra rítmica y cambiaron de bajista. A Leeuwen se le estaban agotando las ideas, y como él mismo declaró, estaba empezando a cansarse de escribir él toda la música y letras (de hecho varios de los temas de este disco son versiones). Destacan Navajo tears, I melt like butter, Who save my soul yThe Queen, que se intercalan con temas que ya empiezan a mostrar su futuro sonido, en momentos más cercano a ABBA. Este alejamiento de sus raíces queda aún más marcado en "Attila" que suena más pop que rock, y que aún así contiene buenos temas como Never release the one you love, Rock in the sea, A waste of time o When I was a girl.
A pesar de conseguir éxito con algunos de sus temas en Europa, Leeuwen
estaba desanimado y desilusionado porque no triunfaban en EEUU (uno de sus principales deseos), sobre todo después de haberlo conseguido años atrás con Venus. Llegó incluso a ser sustituido durante una de las giras del grupo, pero aún así al año siguiente grabaron "Dream on dreamer", y tras su presentación llegó el abandono definitivo del compositor y miembro esencial del grupo. Esto no impidió que editaran su último álbum al año siguiente, "Good times" con un sonido ya muy alejado del inicial y con temas más insulsos, quedando a la sombra de los anteriores.
Las canciones que os enlazo son Hot sand (con ese sonido saturado de fuzz en la guitarra, el encanto de las melodías de sitar, batería y bajo sin complicaciones pero que se mantienen firmes, y el sello de la voz que combina cierta dureza con sutileza y sensualidad) y Love buzz (con atmósferas exóticas e hipnóticas).
Adentraos en su música porque encontraréis muchos temas para no olvidar.
