¿Quién no ha escuchado alguna vez White Rabbit? Quizá no sepas cómo se llama o quién lo interpreta, pero seguramente haya sonado en algún momento de tu vida.
Este tema fue compuesto por Grace Slick, la carismática cantante de los Jefferson Airplane. Apareció en el disco "Surrealistic pillow" de 1967, aunque el año anterior ya lo había interpretado junto a su anterior banda, The Great Society.
La melodía y la letra son las mismas, pero la base y el desarrollo musical es muy diferente.
White rabbit se convirtió en tema de referencia en aquellos años: una canción por la libertad, en una época donde muchos jóvenes tenían que irse a la Guerra de Vietnam, aunque fueran pacifistas en contra de la guerra. Durante aquellos años crecía el movimiento hippie, así como también aumentaba la experimentación con todo tipo de drogas psicodélicas.
La letra hace referencia a las aventuras de Alicia de Lewis Carroll, y aunque tiene una lectura relacionada con el tema bélico, parece principalmente basada las drogas, como el LSD, el cual Grace consumía. A pesar de que en la época de Carroll aún no se había fabricado, se dice que pudo haber sido consumidor de opio. Muchos mantenían (y mantienen) que Carroll en realidad relataba los efectos de las drogas camuflados en historias fantásticas para niños.
Aparece el cambio de tamaño después de tomar unas pastillas ("One pill makes you larger / and one pill makes you small"), la oruga que fuma de una cachimba ("Tell 'em a hookah-smoking caterpillar"), o el consumo de setas ("And you've just had some kind of mushroom / and your mind is moving low / go ask Alice, I think she'll know"). Y en relación con el cuento de Carroll, se habla de la Reina Roja de Corazones, que además no tiene corazón con su incansable "¡que le corten la cabeza!" ("And the Red Queen's off with her head") y la persecución del conejo blanco ("If you go chasing rabbits").
Quizá "The man of the chessboard get up and tell you where to go" se refiera a los políticos que obligaban a los jóvenes a luchar en esa guerra en la que no querían estar. Y como broche final, rompe con "Feed your head".
Había un gran control sobre la música que se emitía en las radios y los mensajes que transmitían la letras de las canciones, que según los altos mandos podían "revolucionar" a la juventud. Pero el contenido de White Rabbit fue pasado por alto y pudo sonar en las emisoras de radio y programas de televisión.
El éxito que obtuvo ha perdurado hasta nuestros días, y durante décadas ha sido versionado por grupos de estilos muy diversos. También ha aparecido en películas (como la mítica escena en la bañera de "Miedo y asco en Las Vegas") y series de televisión.
Personalmente, me quedo con la versión que hizo con Jefferson Airplane, aunque la original tampoco tiene desperdicio.
Vayamos a por el conejo blanco...
Ya que hemos hablado de la versión que hicieron The Flock en 1969 del tema Tired of waiting for you, original de The Kinks de 1965 (y versionado por diversos grupos), os dejo con las dos visiones del tema.
Como dije, en mi opinión la versión de The Flock supera con creces a la original, que resulta mucho más plana. Aunque el tema compuesto e interpretado por The Kinks fue número 1 en el Reino Unido y tuvo también un gran éxito en EEUU, The Flock la renuevan con más dinamismo, con un aire mucho más enérgico, una mayor elaboración y un sentido más directo y profundo. Es una concepción totalmente nueva del tema.
The Flock es una de esas bandas que merece un mayor reconocimiento del que ha recibido, tanto por su originalidad como por su excelente calidad. Se les considera unos de los precursores del llamado jazz-rock, aunque en realidad su sonido tiene más bien poco de jazzístico... Aunque cuentan con la improvisación como elemento importante en su música, su sonido es más cercano al rock progresivo, la psicodelia, el blues o el folk.
A mediados de los 60 y principios de los 70 el rock evolucionaba con una mayor libertad, había más innovación y un gran despliegue de creatividad y originalidad. Muchos grupos eran, más que pequeñas bandas, pequeñas orquestas, por lo que a algunos les llamaban "macrobandas". Empleaban instrumentos por entonces atípicos dentro del rock, llegando a ser en ocasiones el líder del grupo, como sucedía por ejemplo con Jethro Tull (liderado por un flautista) o The Flock (por un violinista y acompañado de saxofones y trompeta).
Sus dos primeros discos son un grandísimo ejemplo de originalidad y creatividad, fusionando elementos y estilos muy diversos. La mayor parte de las canciones están llenas de contrastes, con secciones totalmente diferentes pero que, con gran habilidad, hilvanan y combinan para hacer que se desarrollen de manera insólita, lejos de los rudimentos típicos del género, manteniéndonos siempre expectativos de lo que podrá venir después.
The Flock nació a mediados de los 60 en Chicago. El violinista y guitarrista Jerry Goodman, apodado "el violín del diablo", es el alma del grupo, y no solo por su virtuosismo, sino por su concepción del instrumento y su gran cantidad de recursos, además de su particular estilo camino entre lo clásico y lo moderno. Los demás miembros de la banda tampoco tienen desperdicio: Fred Glickstein (guitarra, teclados y voz), Rick Canoff (saxo tenor), Jerry Smith (bajo), Ron Karpman (batería), Tom Webb (saxo tenor y armónica, en el primer disco), Frank Posa (trompeta) y John Gerber (saxo alto y tenor, flauta y banjo en el segundo disco), y antes de llegar Goodman, Rick Mann (guitarra). Y casi todos ellos también coristas, enriqueciendo las armonías vocales en cada tema.
"The Flock" (1969), su primer disco, es sencillamente maravilloso, la joya del grupo. Con su evocadora introducción, de tintes clásicos, nos adentran en un camino lleno de expresividad y profundidad, con grandes temas como los explosivos "Store Bought - Store Thought" o"Clown", la versión de "Tired of waiting" de los Kinks (que, en mi opinión, supera al original) o el blues de 15 minutos "Truth" (donde muestran una personal concepción de este género).
Al año siguiente publicaron "Dinosaur Swamp", todavía más experimental. Cada tema es una amalgama de ideas muy diversas, con estructuras aún más atípicas y en ciertos momentos algo caóticas, como si a lo largo de una sola canción hubiese múltiples personalidades. A algunos podrá parecerles demasiado 'denso', pero sin duda es una delicia para paladares exquisitos.
Con un sonido más psicodélico, destacan el fascinante y enérgico "Crabfoot", o "Hornschmeyer's Island" y "Lighthouse", llenos de contrastes. También hay ecos country, como en "Big Bird".
Tras este disco Goodman se marchó del grupo para formar parte de Mahavishnu Orchestra (con el guitarrista John McLaughlin), y el grupo se apagó durante varios años. Algunos miembros trataron de resurgirlo en 1973 haciendo una breve gira (sin la presencia de Goodman, pero también con violín), pero no editaron ningún disco hasta 1975: "Inside Out". Con un sonido más electrónico, siguen innovando pero a un menor nivel que en los dos anteriores. Aún así tiene buenos temas, como "Metamorphosis" o "Back to you". Tras él, The Flock acabó por disolverse definitivamente.
Os dejo con dos de sus joyas: Crabfoot y Store bought-store thought. ¡Caos irresistible y aplastante!
El autor de Evil Hearted Youes Graham Gouldman, bajista, guitarrista, y componente de 10 CC, grupo al que recordaremos sobre todo por su refrescante Dreadlock Holiday o la conocida balada I'm Not in Love (ambas también suyas, junto a otro miembro de la banda, Eric Stewart).
Fueron los Yardbirds quienes hicieron de esta canción un éxito en 1965. Este grupo contó con tremendos guitarristas, hoy auténticos referentes: primero Eric Clapton, y tras su marcha del grupo, Jeff Beck y Jimmy Page. Es Jeff Beck quien nos regala el sonido de su guitarra en este tema, y quien más influyó y experimentó con el sonido del grupo, dándole una mayor identidad y tintes de psicodelia (algo poco habitual en la música británica por entonces).
Los Yardbirds (en cierto modo, semilla de Led Zeppelin), empezaron tocando blues, y poco a poco fueron alejándose de él para tener más acceso al mercado musical, dominado en aquel momento por los Beatles, y llegaron a convertirse en un referente de esos años. Otros de sus temas también son composiciones de Gouldman, como el tremendo For Your Love, que se convirtió en su primer éxito y que tuvo mucho que ver en el nuevo rumbo que seguirían tras él, una referencia de cómo sonarían a partir de ese momento.
La verdad es que siempre que la escucho me imagino una escena de Leone, con esos rudos y solemnes acordes que presentan el tema (sucios, simples y directos), y esos coros mezcla de spaghetti-western y canto gregoriano, además del solo con slide de Beck...
Os dejo con la versión original de los Yardbirds y la que hicieron los Pixies casi treinta años después, en 1991. Una vez más, Frank Black (o Black Francis) nos deleita con su particular español, que aprendió cuando vivió unos meses en Puerto Rico. Hace una traducción de la letra casi literal, lo que trae, con gusto y disgusto al mismo tiempo, frases como "pero te quiero sin embargo y te deseo quedar a mi lado, y verás lo que significas para mí". ¡Grande!
Bajo una apariencia delicada y frágil, nos encontramos con un torbellino: Hiromi es pura energía, potente y al mismo tiempo sensible y emotiva. Esta formidable pianista japonesa despliega una brillante técnica sin dejar de lado la expresividad en sus composiciones e improvisaciones (ni su sonrisa durante sus interpretaciones).
Sus temas abarcan distintos estilos, hay de todos los colores, lejos de clichés y música predecible: acelerados y rítmicos con aires de ragtime o stravinskianos, lentas baladas jazzeras, tintes más clásicos, sonoridades de videojuego manga, otras con toques de rock progresivo casi inclasificables...
Desde muy joven ha tocado música 'clásica' y jazz, estudiando con Óscar Peterson y Ahmad Jamal, y con solo 17 años ya tocaba con Chick Corea.
Hasta la fecha tiene publicados 7 discos: cuatro como Hiromi, dos como Hiromi Sonic's boom (¡y tanta explosión sónica...!) y uno con su nueva formación, The Trio Project. Una carrera muy prometedora a la que, esperemos, aún le quede un largo recorrido.
He escogido Edge, del disco "Spiral"(2006), que nada más escucharla me atrapó con su inquietante ritmo y cambios de acentuación constante, ¡exquisito! En este enlace podréis verla en una actuación en directo. También os dejo con Reverse, del mismo disco y con la misma esencia. E igualmente espectacular.
La televisión de fondo y, de pronto, escucho Larks' tongues in aspic, magnífico tema de King Crimson, pero con un sonido muy diferente al original. Levanto la vista y me encuentro con una escena de una violación, mientras continúa sonando un calco de este tema. Es la película francesa "Emmanuelle", de 1974.
He buscado información sobre este asunto y parece que los autores de la banda sonora de la película, Pierre Bachelet y Hervé Roy, se acreditaron la autoría del mismo, por lo que Robert Fripp, compositor del tema para King Crimson, los denunció y ganó el juicio.
Según dijo el propio Fripp en una entrevista de aquellos años:
“Dos personas me hablaron del parecido. Una fue el bajista de King
Crimson, John Wetton, y el otro fue Richard Williams. Así que me fui a
un cine a Leicester Square en Londres y lo grabé. La película me pareció
bastante aburrida, pero me di cuenta que cada vez que había una escena
de sexo allí aparecía “Larks’ Tongues in Aspic, Part Two”. [...] Así que demandamos a sus autores. Parece ser que los compositores habían
estado trabajando en la banda sonora durante seis meses, y una semana
después de que King Crimson apareciésemos en la televisión francesa
tocando “Larks’ Tongues in Aspic, Part Two” ¡compusieron toda la música!
Todavía me llegan cantidades obscenas de dinero de las reposiciones de
la película en todo el mundo”.
Mi pregunta es... ¿acaso pensaban que no se enterarían? ¿Tanto costaba pedir permiso a Fripp y comunicarle que iban a hacer una versión?
Esto me recuerda al caso de "2001: Una odisea en el espacio" de Stanley Kubrick, donde el director utilizó sin permiso varias obras de György Ligeti. Éste interpuso una demanda por 1 dólar, dejando claro que no era por cuestión de dinero, sino por no pedirle permiso para usarlas en su película. Dicho sea de paso, gracias a la fama que alcanzó la película, Ligeti se hizo mucho más conocido, y además años después Kubrick volvió a emplear música suya (eso sí, con permiso del compositor).
Os dejo con las dos versiones de Lark's tongues in aspic Part 2. No encuentro el audio del disco de King Crimson, así que os dejo con un directo de 1973, y con uno de los temas de la película donde aparece el plagio, Rape Sequence.
Aquí tenemos un grandísimo tema que provoca un torbellino de sensaciones al escucharla: Babe I'm gonna leave you, de Led Zeppelin, quienes la publicaron en 1969 basándose en la versión de JoanBaez de 1962.
A pesar de figurar como canción popular en los discos de ambos músicos, es una composición de los años cincuenta de Anne Bredon, quien años después consiguió los derechos de autor. La canción original no estaba registrada en ningún disco, sino que la interpretó por la radio en los años 60, y posteriormente fue reinterpretada en directo por otra cantante folk, Janet Smith. Fue esta versión la que llegó a oídos de Baez.
La versión de Baez, para voz y guitarra, es melancólica y profunda, pero con un desarrollo demasiado básico y repetitivo y, a mi parecer, con un timbre que acaba saturando demasiado. Led Zeppelin hacen un arreglo más elaborado y auténtico con más contrastes, creando un tema nuevo con identidad propia de más de 6 minutos de duración (en su línea...). En esta re-composición pasan de la calma al frenesí, con la característica fuerza instrumental del grupo, la gran expresividad de la voz de Robert Plant y las líneas evocadoras de la guitarra de Jimmy Page.
Os dejo ambas versiones (no consigo encontrar la grabación del original de Bredon).
The Music Machine es uno de esos grupos que, aunque en su momento no tuvo el reconocimiento que merecía, posteriormente fue redescubierto por los amantes del sonido garage y psicodélico y finalmente muy valorado, aunque décadas más tarde.
En los años sesenta, los componentes de un fugaz grupo llamado The Ragamuffins se juntaron con otros músicos hasta formar en 1966 The Music Machine. Su sonido era una novedosa mezcla de garage y psicodelia, a veces con ciertos toques pop. Una atmósfera oscura donde destaca la singular voz de Sean Bonniwell (compositor de la mayoría de los temas), los teclados con aire fantasmagórico y la distorsión.
Cuando ya contaban con un sonido personal característico, el grupo decidió buscar una estética propia que les diferenciara de las demás bandas del momento, adoptando así un peculiar aspecto: vestían completamente de negro (la batería y los amplis también pintados de negro), todos peinados con el mismo pelo al más puro estilo playmobil, y cada uno con un solo guante negro (...toma ya...).
Su tema Talk talk fue el primero (y único) en conseguir ser un gran éxito, a pesar de ser menos contundente y menos aplastante que muchos otros del grupo. Poco después de este éxito, editaron su primer disco, "Turn on" (1966) que tuvo pocas ventas.
Al año siguiente la formación cambió casi por completo, ya que solo permanecía Bonniwell como miembro original, y fue rebautizada como Bonniwell Music Machine. Publicaron su segundo disco, "Bonniwell music machine" (1967), que contiene temas grabados con la primera agrupación y otros con la nueva de ese momento. También tuvo poca repercusión y acabaron disolviéndose dos años más tarde, dejando así un legado de buenas canciones que vieron la luz en un brevísimo período de tiempo, pero que no fueron valoradas hasta tiempo después.
En las dos últimas décadas, gracias a su redescubrimiento, se han editado recopilatorios con muchos de sus temas y con material inédito.Buenos temas como Double yellow line y Mother nature-Father earth(cuyos audios os enlazo hoy), The eagle never hurts the fly, Absolutely positively, Everything is everything, Unca tinka ty, Bottom of the soul, Somethin' hurtin' on me, Talk me down oIn my neighborhood. A pesar de que de un año a otro los componentes cambiaron prácticamente por completo, se mantiene su identidad sonora gracias a la particular y poderosa voz de Bonniwell y su sello creativo en sus composiciones.
TV on the Radio es uno de esos grupos que dejan huella. Su sonido tan particular, en cierto grado experimental y difícil de definir, es el resultado de una mezcla de diversos estilos, tales como rock, soul o electrónica. No hay grandes desarrollos en sus formas, ni estribillos pegadizos, sino una combinación de ideas y texturas que van creando una atmósfera única, con una sección rítmica a menudo hipnótica, dando lugar así a un sonido que se aleja claramente de lo comercial.
El grupo surgió en 2001 en Brooklyn (Nueva York) como dúo, hasta convertirse en quinteto: voces, electrónica, teclado, guitarra, bajo y batería. La parte vocal juega un papel importantísimo en el grupo, siendo un eje fundamental en la identidad del sonido del grupo, doblando las líneas melódicas para aportar riqueza tímbrica, y con coros en falsete que en momentos llegan a recordar al doo-wop de antaño.
Su primer disco (después de haber editado un Ep, en el que versionaban Mr. Grieves, de los Pixies, y de publicar otro single tremendo, New health rock) fue el grandísimo "Desperate youth, blood thirsty babes" (2004), donde dejaron plasmado su sello personal, lleno de enigmáticas e inquietantes atmósferas y juegos vocales. Encontramos temas imperdibles tales como The wrong way, Staring at the sun, Dreams, Don't love you o Wear you out.
Dos años más tarde vio la luz su segundo disco, "Return to cookie mountain", otra fantástica muestra de lo que estos chicos saben hacer. Continúa la lista de grandes canciones que contienen esa identidad sonora: I was a lover, Blues from down here, Hours o Dirty whirlwind.
Personalmente considero estos dos discos como unas de las grandes joyitas de esta primera década, y por ello os los recomiendo sin lugar a dudas.
"Dear science" (2008) en cambio no me conquistó demasiado. Con unos temas más bailables y podría decirse que más comerciales, se alejan del sonido inicial del grupo. Esto no quiere decir que sea un mal disco, pero en él hay una pérdida de la esencia de TV on the Radio y con ello una gran desilusión. En cualquier caso, quizá a vosotros os llegue de otra manera...
Os dejo con Hours y Wear you out. ¡Bocanada de aire fresco!
Polly Jean Harvey es una de las figuras más importantes de la música alternativa de los 90, y aún hoy sigue en activo y en plena forma (de hecho, acaba de sacar un disco hace unos meses). Para mí es un clarísimo ejemplo de evolución musical, con unos primeros discos cuyo sonido difiere mucho de su música más reciente.
"Dry"(1992) y "Rid of me"(1993) se presentaban con un sonido más sucio y duro, cercano al noise, siempre dentro de la escasez (o llamémosle sencillez) instrumental, y con una voz rasgada y a veces casi paródica cuyas letras hablan de sexo, amor, religión, feminismo... Son discos que no calan con igual facilidad que otros de los suyos, pero que contienen varios de sus grandes éxitos.
En esos años sus compañeros abandonan el grupo y PJ comienza su carrera en solitario, acompañada de buenos músicos (como Mick Harvey o su mano derecha John Parish). Y es entonces cuando edita los que para mí son sus mejores discos de su carrera: "To bring you my love"(1995), "Is this desire?" (1998) y "Stories from the city, stories from the sea"(2000). Discos más definidos y elaborados, con temas que demuestran cierta elegancia pero que mantienen al mismo tiempo ese carácter sucio, lleno de rabia y descaro, que le ha acompañado durante su trayectoria.
Desde ese momento, ha sacado 3 disco más de estudio, el último este mismo año, en los cuales su estilo sigue evolucionando y sorprendiendo con nuevos matices. "Uh huh her"(2004, retomando el aire de sus comienzos), t"White chalk" (2007, muy intimista) y este año "Let England shake" (de nuevo, sorprendiendo al romper con esquemas estilísticos).
Personalmente, hay uno de sus discos que muestra lo que, para mí, fue un punto y aparte en la trayectoria de PJ Harvey, una segunda etapa: "Is this desire?". Un disco con el que sorprendió muy gratamente, subiendo un escalón en cuanto a calidad musical y creatividad. Con una producción más refinada, temas más elaborados y con un mayor uso de electrónica, envueltos por texturas íntimas y en cierto grado oscuras, están dirigidos por una voz que también suena diferente a como lo había hecho hasta el momento.
La primera vez que lo escuché cuando acababa de salir al mercado, quedé fascinada. Me decía a mí misma: '¿Esta es PJ Harvey? ¿La de "Rid of me"?'. No podía creerlo, sonaba muy distinto a su anterior música y a lo que se estaba escuchando ese año. A día de hoy, resulta agradable recuperarlo y sumergirse en él de nuevo.
En este caso también es complicado escoger un tema de este disco, ya que cada uno tiene carácter propio a pesar de contener elementos comunes. Una buena muestra de este disco son The garden y A perfect day Elise, dos de las joyas de PJ Harvey.
Un tema que ha sido versionado manteniendo fielmente el estilo original pero sin renunciar a la identidad del propio grupo (que encaja perfectamente con esta canción) es Love rollercoaster.
La versión original es de Ohio Players, grupo funk que tuvo un gran reconocimiento en los años 70 (aunque se habían formado más de diez años antes). El tema está incluído en "Honey" (1975), y tanto el disco como el propio tema atrajeron una gran polémica debido a un grito que se escucha durante la canción. Surgió una leyenda urbana que afirmaba que el grito pertenecía a la modelo de la portada mientras estaba siendo asesinada por su mánager en el estudio durante la grabación de este tema (supuestamente le había pedido una indemnización por unas quemaduras que le había provocado la miel en el cuerpo). Aunque finalmente reconocieron que no era cierto, el grupo no lo desmintió en su momento porque, como decían, esa publicidad les estaba haciendo ser más conocidos y vender más discos.
Red Hot Chili Peppers hicieron una versión de este tema en 1996 para la banda sonora de la película "Beavis & Butt Head recorren América". Incluyen una parte rapeada que no aparece en la original, sustituyen la sección de vientos de manera muy original con unos kazoos, y dan un toque más rockero, aunque con la esencia funk. En el videoclip aparecen los miembros del grupo convertidos en dibujos junto a estos dos míticos personajes.
A día de hoy son muy pocos los que no han oído hablar de Pearl Jam. Este grupo, que surgió hace 20 años en Seattle y que aún sigue sacando material nuevo, es uno de los más importantes e influyentes de la música alternativa, y han sido catalogados desde sus inicios dentro del grunge, aunque su sonido siempre ha sido algo distinto a éste. Pearl Jam suenan más 'limpios', más depurados, con un estilo más cercano al rock clásico e incluso por momentos folk. Sus melodías rebosan identidad propia gracias a la voz de Eddie Vedder, que en su amplio registro es capaz de parecer dulce y áspero al mismo tiempo, siempre con ese punto de sensibilidad y dolor.
Surgieron de las cenizas de un grupo llamado Mother Love Bone tras la muerte de su cantante, Andrew Wood. Pearl Jam comenzaron como trío, formado por los guitarristas Stone Gossard y Mike McCready y el bajista Jeff Ament. Grabaron una maqueta y comenzaron a buscar un batería fijo para el grupo, y cuando la cinta llegó a las manos de Eddie Vedder (que había cantado anteriormente en otro grupo llamado Bad Radio), grabó la voz a varias canciones, se las enseñó y el grupo quedó tan satisfecho que fue así ampliado a cuatro miembros, con Vedder en la voz.
Mientras grababan su primer disco, aún sin nombre de grupo, participaron en el tributo a Wood, un proyecto creado por Chris Cornell (futuro cantante de Soundgarden y Audioslave) que tomó el nombre de Temple of the dog.
Poco a poco se fue gestando lo que sería más adelante Pearl Jam, con una formación que se ha mantenido estable, excepto por el batería, que ha cambiado varias veces durante su trayectoria.
En 1991 salió a la luz su primer disco, "Ten", que tras recibir una cálida acogida hizo que entraran a formar parte del círculo de los grupos grunges del momento: Nirvana, Alice in Chains, Soundgarden, Screaming Trees.... Dos años más tarde sacaron "Vs", un grandísimo disco que muestra un ligero cambio con respecto al primero.
En 1994, un año donde la música alternativa, y en concreto el grunge, estaba viviendo un momento de cierta incertidumbre y atención especial (debido principalmente al fin de Nirvana tras la muerte de Kurt Cobain), Pearl Jam sacó un nuevo disco, "Vitalogy", otra joyita del grupo con toques más duros que los anteriores. Fue editado inicialmente solo en formato de vinilo, y poco después en cd, en una edición digipack de cartón impecable.
Continuaron sacando discos cada poco tiempo, siempre sorprendiendo con sus ligeros cambios de estilo dentro de una rica evolución musical. "No code" (1996), "Yield" (1998, donde se aprecia un cambio mayor camino a la madurez), y en 2000 los dos discos "Binaural" y "Riot act".
Han continuado editando más discos hasta la fecha: "Lost dogs" (2003, con rarezas y caras-b), el homónimo "Pearl Jam" (2006) y en 2009 "Backspacer". También pueden encontrarse álbumes de directos, trabajos para bandas sonoras, colaboraciones de Vedder con diversos artistas...
Hablar de cada uno de los discos de Pearl Jam con detalle exige una gran cantidad de tiempo y espacio, así que resumamos. Para mí, hay tres discos fundamentales que recomiendo escuchar para entender al grupo: "Vs", "Vitalogy" y "No code". Prácticamente en sus inicios, y con pocos años de diferencia entre uno y otro, nos dejan una gran cantidad de temas que se han convertido en esenciales de la música alternativa de los 90, temas tranquilos y melódicos que conviven con otros más agresivos y potentes (dentro de la 'sutileza' del grupo).
Smile, W.M.A, Daughter, Animal, Indifference, Sometimes, Satan's bed, Elderly woman behind the counter in a small town, Dissident, Do the evolution, Tremor Christ, Last exit, Luckin, All or none... Y la lista sigue y sigue...
Me decanto por Do the evolution, con su alucinante videoclip que lanza una critica a la naturaleza violenta del ser humano, y Sometimes, delicadeza evocadora.
Chuck Berry es, sin duda, una de las grandes figuras de la historia del rock, uno de los músicos más influyentes en la evolución de la música, y uno de los pocos mitos que aún siguen vivos (con 84 años). Sin él, el rumbo de la música habría ido por un camino distinto y el rock no se habría desarrollado del mismo modo, y son muchos los músicos (algunos míticos a día de hoy) qu aprendieron a tocar la guitarra
escuchando y sacando los temas de Berry.
La gran mayoría de la gente dice que Elvis es el Rey del Rock. En este punto yo discrepo. Elvis probablemente era la imagen, un chico joven y atractivo que además de hacer buena música seducía con su aspecto y sus sensuales movimientos de cadera, y que además tenía un gran magnetismo que lo rodeó de fans enloquecidas. Pero Berry era más potente y desafiante, más rítmico y lleno de pegadizos riffs. Sus letras, a pesar de tratar temas juveniles, eran al mismo tiempo provocativas, muchas veces con mensajes en el argot de los jóvenes de aquellos años.
Con una carrera muy prometedora, llena de conciertos, grabaciones y seguidores, ésta sufrió un parón cuando en 1961 fue encarcelado durante dos años. El motivo: Berry llevó a una joven a trabajar a su club como guardarropas; ella tenía 14 años, aunque le había dicho que era mayor de edad. Un día detuvieron a la chica por prostituirse, y aquí hay dos versiones: una cuenta que a raíz de esto le denunciaron por llevarse a la joven para fines inmorales, y otra que ella misma le denunció. En cualquier caso, la ley cayó sobre él: un negro con mucho dinero (algo arrogante) metido en líos con una chica blanca (aunque de origen indio) que además era menor de edad, y para colmo, él tenía problemas anteriores con la justicia.
Cuando salió de la cárcel, aunque no había pasado apenas tiempo, el panorama musical era diferente. Habían surgido nuevos grupos que contaban con muchos seguidores, como los por entonces recién nacidos Beatles, Rolling Stones, Beach Boys o Kinks (todos con "The" delante, como marcaba la moda de la época...). Aunque el rock&roll clásico seguía siendo admirado, incluso por los miembros de estos grupos que citaban a Berry como referencia, era más un vago recuerdo de una generación anterior y el típico 'rock&roller' estaba pasado de moda.
Berry, que había perdido todo, incluso su familia, podría haber caído en el olvido, pero se adaptaba a los cambios y sus temas seguían teniendo éxito. En los años 70 el rock más clásico volvía a tener más fuerza, y ahí estaba de nuevo Chuck, aunque quizá más bien como recuerdo de su glorioso pasado.
¿Quién no ha esuchado temas de Chuck Berry? Muchos de ellos son clásicos del rock, versionados por numerosos músicos: School days, Maybellene, Johnny B. Goode, You never can tell, Memphis Tennessee, Roll over Beethoven, Too much monkey business, Nadine (is it you?), I want to be your driver, Bautiful Delilah...
Para que lo veáis en acción, os dejo con dos actuaciones en vivo (la primera es un falso directo pero su puesta en escena es tremenda, como siempre).
Una con Johnny be goode, uno de sus temas míticos y otra con Roll over Beethoven. Sus movimientos y bailes no eran habituales en esos años, y son parte de su sello personal, incluido su típico 'paso del pato' (el 'duckwalk' que imitó Angus Young posteriormente en AcDc). Aquí podréis ver de qué pasta están hechas sus ingles y sus largas piernas...
No puedo evitar despedirme citando la frase de una de las mejores escenas de mi película favorita, "Regreso al futuro", cuando Marty está tocando Johnny be goode en 1955 (cuando el tema aún no existía en realidad, ya que es de 1958):
"¡Chuck, soy Marvin, tu primo Marvin Berry! ¿Recuerdas ese nuevo sonido que has estado buscando? ¡Pues escucha esto...!"
Interpol es uno de los grupos de la última década que han sido capaces de ofrecer, dentro de su configuración clásica de rock, una propuesta innovadora, manteniendo un caracter sombrío y oscuras atmósferas que son al mismo tiempo líricas y poéticas, tal como ocurría con algunos grupos de los ochenta (como Joy Division).
Las estructuras de sus canciones, a pesar de poder ser bastante básicas y repetitivas, son realmente eficientes gracias sobre todo a la profundidad de sus melodías (aunque lineales) y a la penetrante pero rotunda sencillez de la batería, bajo y guitarras.
Tras varios Eps, sacaron su primer disco en 2002, "Turn on the bright lights", una auténtica perla musical del siglo XXI donde cada uno de sus temas no tiene desperdicio: Obstacle 1, Obstacle 2, PDA, Roland, Hands away... Dos años más tarde presentaron "Antics", otro gran disco que sigue la línea del anterior, con esa misma sonoridad sombría pero sin caer en la monotonía, dejándonos temas de una gran interés, como Narc, Take you on a cruise, C'mere, Evil o Slow hands.
Su tercer disco, "Our love to admire" (2007) continúa dando fe de la calidad musical del grupo y de cómo continuar en la misma línea sin perder credibilidad, aunque quizá sea un disco más 'blando' que los anteriores. Contiene también buenos temas, tales como The scale, Who do you think o Mammoth. Su último disco, el homónimo "Interpol"(2010) presenta un sonido ligeramente distinto a los anteriores, y sus temas por desgracia son menos sorprendentes y más insulsos, más repetitivos y, podríamos decir, más pop.
En definitiva, Interpol es uno de esos grupos que, lejos de sorprender haciendo una música muy innovadora, sí sorprenden muy gratamente con un estilo sencillo que combina sabiamente los elementos sonoros típicos del genero (aunque para mí ha sido una decepción encontrarme con el nuevo rumbo que han tomado en su último disco, después de los tres primeros).
Os dejo con dos de los temas de su primer disco: Obstacle 1 y Hands away.
Quién sabe con qué nos sorprenderán de aquí en adelante... ¿nuevo camino o retomarán su carácter inicial...?
Joy Division es una banda de muy corto recorrido pero larga influencia que se formó en Inglaterra a mediados de los años setenta. Crearon un sonido influenciado por la explosión punk
del momento (con los Sex Pistols, entre otros) y por el rock, aunque con una mayor oscuridad, un sonido
más siniestro y a menudo tenebroso.
Una voz grave, un bajo que en muchas
ocasiones toma el papel de melodía, una batería casi mecánica y unas
letras profundas y bastante depresivas, que unidos consiguen ese sonido
tan auténtico que les caracteriza. Este sonido, que no era punk, fue lo que posteriormente se conocería como post-punk.
En 1979 sacaron su primer disco, "Unknown pleasures", con el que se convirtieron en grupo de referencia. Sus actuaciones en vivo podían desarrollarse de manera imprevisible, ya que Ian Curtis (el cantante del grupo, y en ocasiones también guitarrista) era epiléptico, y en ocasiones sufría convulsiones y espasmos mientras cantaba, llegando a tener ataques epilépticos y pérdida del conocimiento en mitad del escenario.
Antes de editar este disco, habían grabado material para un supuesto primer disco que no llegó a publicarse en aquel momento, debido a que su productor había añadido numerosos sintetizadores en la mezcla final sin el consentimiento de los miembros del grupo, y éstos se opusieron al resultado final. Vio la luz 16 años más tarde, con la banda ya más que disuelta y junto con otro puñado de canciones, bajo el nombre de "Warsaw" (como se llamaban entonces).
Mientras el grupo obtenía muy buenas críticas y su éxito iba en aumento, Curtis cayó en una depresión debido a sus problemas con la enfermedad y su divorcio. Cada vez le resultaba más difícil actuar en público, hasta que en 1980, poco antes de empezar una gira por EEUU, se ahorcó con tan solo 23 años. Se editó material póstumo, como el disco "Closer", con tintes más oscuros y un mayor uso de sintetizadores que su primer disco.
¿Qué nos habrían traído Joy Division si hubieran tenido más recorrido
que cuatro años? Es posible que hubieran ido cambiando hacia un sonido más
techno-pop, que ya empieza a brotar en el último tema del disco, Decades. Además, Curtis le estaba mostrado al resto del grupo la música de Kraftwerk como algo
novedoso y les instaba a escucharla (lo que supuso un nuevo punto de partida para sus compañeros en New Order, banda que formaron tras la disolución de Joy Division).
Uno de sus temas más conocidos y emblemáticos es Love will tear us apart, publicado en 1980 tras la muerte de Curtis y que había sido grabado un año antes en una Peel session en la BBC.
Os dejo con el video original de este mítico tema, grabado por ellos mismos. Como curiosidad, las imágenes que se vuelven en tono marrón no fueron intencionadas, sino un error durante la edición del video.
Y por si os quedáis con ganas de más, un tema en directo, Transmission.
Durante bastantes años, muchos han considerado a The Breeders algo así como 'lo más cercano a los Pixies'. Es cierto que muchas veces su sonido puede recordarnos a ellos, lo cual se debe principalmente a que su líder, Kim Deal, fue la bajista y segunda voz de aquella increíble banda.
Pero son dos grupos muy diferentes y Breeders no se valen de ser "el grupo de la bajista de los Pixies", sino que han demostrado tener una identidad propia, dando a cada uno de sus temas un sonido procedente de diversos estilos que giran en torno al pop, indie, rock e incluso country.
Kim es la autora del mítico Gigantic de los Pixies, y aunque no paraba de
componer, no pudo interpretar prácticamente ninguna de sus
canciones hasta que no formó su propio grupo. De hecho, debido a los
problemas que tuvo con Frank Black mientras estaban en los Pixies, en
sus últimos discos apenas la escuchamos ni siquiera haciendo coros.
A finales de los 80, cuando los Pixies estaban todavía en activo, Kim Deal creó en paralelo The Breeders junto con su admirada Tanya Donelly (quien por entonces era guitarrista de Throwing Muses). A lo largo de su carrera han tenido diversas formaciones.
Su primer disco salió en 1990, "Pod". Sus temas desprenden un sonido muy indie y pop, incorporando un violín (que más tarde volvería a aparecer en otro de sus discos). Aunque en ciertos momentos se aprecia claramente una fuerte influencia del sonido de sus grupos matrices (es decir, Pixies o Throwing Muses), Kim Deal demuestra su personalidad compositiva y vocal.
Canciones con un toque fresco, bastante primitivas y cargadas de sencillez, y con esa voz que a menudo suena infantil pero sin dejar nunca de ser deliciosa. En este disco encontramos buenos y variados temas como Doe, When I was a painter, Hellbound, o la versión de los Beatles Happiness is a warm gun.
En esta época casi no actuaban en directo y apenas dieron un par de conciertos. Por entonces, Kim ya estaba pensando en incorporar al grupo a su hermana gemela, Kelley, aunque era consciente de que ésta no sabía tocar ningún instrumento... ¡eso es amor de hermana...!
Además en esos años tanto los Pixies como Throwing Muses tuvieron una gran actividad, por lo que el desarrollo de Breeders se vio frenado durante un tiempo, y algunas integrantes del grupo formaron sus propias bandas paralelas: Tanya Donelly dejó Throwing Muses para formar Belly, y Josephine Wiggs (bajista) formó Honey Tongue.
Finalmente entró a formar parte del grupo Kelley Deal, y tras publicar en 1992 el mini Lp "Safari", con cuatro temas, se marchó del grupo Tanya, pero sin que hubiera conflicto ni malos rollos.
Tras un período de aprendizaje (literal) por parte de Kelley con la guitarra, y dicho sea de paso, mucha panciencia por parte del grupo, la nueva formación comenzaba a avanzar, aunque puede apreciarse la poca soltura y maneras toscas de tocar que tenía durante sus primeras actuaciones. De hecho, cuando llevaba tocando la guitarra 'formalmente' aproximadamente un mes, The Breeders estaban actuando como teloneros ni más ni menos que de Nirvana en su gira de "Nevermind". Poco a poco la calidad de Kelley fue mejorando... menos mal.
En 1993, cuando los Pixies se separan definitivamente, Breeders editan su segundo disco, el fabuloso "Last splash". Muy recomendable: variado y colorido, con sonoridades variadas como pop, rock o country. El exitoso Cannonball, No aloha, Flipside, Hag, Divine Hammer, I just wanna get along, Invisible man, Do you love me now? o Saints son algunos de los pequeños tesoros de la banda, y se encuentran reunidos en este disco imperdible.
Hay que reconocer que el directo de The Breeders no era de calidad, con interpretaciones poco precisas y en momentos bastante chapuceras, casi como un grupo de quinceañeros que acaban de empezar. Pero eso sí, mantenían una actitud enérgica y desenfadada, llena de entusiasmo y buen humor, consiguiendo así una fantástica respuesta por parte del publico.
Pero cuando Kelley se vuelve adicta a las drogas y Josephine decide retirarse, Kim crea un nuevo proyecto, The Amps, cuyo sonido es muy parecido al de The Breeders. Solo publicaron un disco (muy recomendable también), "Pacer", de 1995.
Tras muchos años separados, The Breeders volvieron a reunirse y publicaron en 2002 "Title TK", otro gran disco que cuenta con nueva formación (se mantienen las dos hermanas) y que suena muy 'casero' y personal. Temas con menos profundidad que los anteriores pero reseñables, como The she, Little fury, Full on idle, Huffer o Sinister fox.
Su último disco vio la luz en 2008, "Mountain battles", y no lo he degustado lo suficiente como para opinar ampliamente. Mi primera impresión es que suena menos íntimo y que contiene demasiados temas 'de relleno', pocos son realmente significativos, aunque hay algunos interesantes (Walk it off, No way o el curioso tema en alemán German studies). Quizá necesite unas cuantas escuchas más, aunque con "Last splash" no hizo falta más que una sola para quedarse impreso en mí...
Así, The Breeders es uno de esos grupos que hay que escuchar y disfrutar sin intención de esperar canciones complejas o estructuras muy innovadoras, sino temas envueltos por una sonoridad sencilla y enternecedora (incluso las canciones más potentes siguen siendo tiernas de algún modo...).
Como cierre, podría poner el mítico Cannonball, pero os dejo con otro que muestra también muy bien parte del sonido de la banda: Hag, del mismo disco.
Y para que podáis escuchar a Kim Deal y Kim Gordon (de Sonic Youth) juntas, aquí tenéis el tema de SY Little trouble girl, de su disco "Washing Machine". Imperdible.
Las Ciruelas Eléctricas (por suerte ya no traducimos en España todos los títulos de los grupos ni las canciones, como hace unas décadas) son los responsables de algunos de los temas más emblemáticos de los años 60 en el ámbito de la música garage y el pop-rock psicodélico.
Su primer disco tuvo una gran relevancia, el homónimo "Electric Prunes" (1967), donde se encuentran sus dos mayores éxitos, I had too much to dream (last night) y Get me to the world on time. Además de estos temas aparecen otros también grandes como Are you lovin' me more (but enjoy it less), Bangles o Train for tomorrow. Con este disco influyeron notablemente en los grupos psicodélicos y de garage rock de la época.
Su segundo disco, "Underground" (del mismo año) tenía un sonido más 'ácido' y algo más oscuro, y la mayoría de los temas eran composiciones suyas (en el disco anterior la mayor parte de los temas fueron compuestos para ellos). Aunque no tuvo ningún gran hit como el anterior, suena consistente y elaborado, con buenos temas como Dr. Do-Good, The Great Banana Hoax o Hideaway. Los resultados de las ventas no fueron como los del primer disco.
A partir del tercer disco todo cambió para Electric Prunes. Su música fue totalmente diferente, y de hecho, la agrupación también. En este trabajo estaba como productor un tipo llamado David Axelroad, que quiso dar un giro al estilo del grupo. Para conseguirlo se le ocurrió la idea (bastante surrealista de primeras) de hacer una misa psicodélica, con motivos religiosos, letras en latín y melodías con canto gregoriano (lo típico, vamos...). Los miembros del grupo fueron abandonando el proyecto durante la grabación ya que, según ellos, como músicos de garage que eran no estaban a la altura de las ideas de su productor. Así que Axelroad, que tenía los derechos del nombre legal de Electric Prunes, se valió de músicos de estudio y de los miembros de otro grupo, The Collectors, para terminar el álbum: "Mass in F minor"(1968).
Así que realmente esto no sería un álbum puramente de Electric Prunes, más allá del nombre y de lo que quedara registrado de sus grabaciones. La verdad que es un disco cuanto menos curioso, muy interesante por su peculiar concepción y restultado. Aunque puede resultar demasiado ¿excéntrico? hay partes muy aprovechables, como el Kyrie eleison, que aparece en la película "Easy Rider", de la misma época.
Lo poco que quedaba del grupo en "Mass in..."desapareció por completo después de esto. Sacaron otros dos discos en 1969 con la nueva formación, y después de treinta años inactivos volvieron al ataque en 2001, sacando desde entonces tres discos más.
Así, estamos ante un grupo que comenzó fuerte con éxitos potentes, pero que rápidamente se evaporó hasta convertirse en otros Electric Prunes (en el sentido más literal de la palabra 'otros'...). Vale la pena escuchar sus dos primeros discos, una excelente muestra del sonido garage y psicodélico de esos años, y la peculiar embarcada de la Misa.
Os dejo con Get me to the world on time. Quería poner una actuación en vivo (aunque no en directo) para que les viérais en acción, con sus pelos de playmobil y el look de James Lowe (voz) al más puro estilo 'novio de Barbie' (estética de la época, es lo que había). Pero la calidad de audio es demasiado mala, así que enlazo uno del disco.
Y para que degustéis un poco de su proyecto de la Misa, el Kyrie Eleison.
Cake es uno de estos grupos de difícil clasificación. Formado en 1991, su música combina estilos muy diversos, como el rock, country, pop, indie... Una línea de bajo muy clara y definida, detalles de trompeta que aportan cierta frescura, y unas melodías vocales de peculiar vocalización y muy lineales, entonadas a la manera del canto-hablado.
La contra que tienen Cake es que hay demasiado contraste entre la calidad de sus temas: tan pronto encontramos temas buenos y con gancho, como
escuchamos otros que no pasan de ser 'interesantes' (o ni siquiera
eso...). Por supuesto, es una percepción personal, ya que actualmente es
un grupo muy valorado y que cuenta con un gran reconocimiento, sobre
todo en Estados Unidos, donde ocupan altos puestos en las listas y
muchos de sus temas aparecen en series de televisión y películas. Pero personalmente, no creo que sea un grupo que pueda realmente sorprendernos con cada trabajo que hagan.
Durante su trayectoria, ha habido unos cuantos cambios en su formación, pero siempre liderados por el cantante John McCrea, miembro tan identificativo de la banda.
El primero de sus seis discos de estudio (hasta el momento) fue "Motorcade of Generosity", de edición y distribución propia, y que posteriormente fue relanzado en 1994 por una discográfica. En él se aprecia ya el guitarreo, trompeteo y melodías característicos, aunque con un sonido más country y ranchero que en sus discos posteriores. Algunos temas rescatables son You part the waters, Haze of love o Is this love?.
El verdadero reconocimiento de Cake surgió en 1996 con su disco "Fashion nugget" (de lo mejor del grupo). Con buenos temas como The distance, la versión del tema de Gloria Gaynor I will survive, Race car Ya-yas, Frank Sinatra, Nugget o Friend is a four leter word.
En 1998 presentaron"Prolonging the magic", a mi parecer, menos elaborado que el anterior, y con menos temas realmente buenos, entre los que extraería algunos como Never there, Where would I be o Hem of your garment.
En su cuarto disco presentaron un trabajo de nuevo interesante, "Comfort eagle"(2001), con un carácter más rítmico y con algo más de potencia (siempre dentro de una contención considerable). Canciones como Commissioning a Symphony in C, Long line of cars, Comfort Eagle, Love you madly o Arco arena (prácticamente instrumental). Short skin/long jacket tiene un videoclip bastante curioso: en él
se muestra la canción a distintas personas de la calle a través de unos
cascos de música, y mientras lo escuchan dan su opinión o hacen sus
comentarios al respecto (podemos ver reacciones muy diversas: personas
entusiasmadas, que sonríen, bailan o mueven la cabeza al ritmo, u otras
personas más críticas y reacias...). Bueno, probablemente esté preparado
y no sean reacciones reales, pero ciertamente es original (y en momentos
el tema recuerda demasiado al Sweet Jane de Lou Reed...).
La primera vez que escuché su siguiente disco, "Pressure chief", de 2004, fue como si ya hubiera escuchado la
mayoría de esos temas. No es que sean malos o resulte un
mal disco, pero no sorprende, no aporta nada nuevo ni temas que, aunque mantuvieran la línea anterior, tengan cierto interés. A principios de este mismo año han presentado nuevo disco, "Showroom of compassion". Aún no he tenido ocasión de escucharlo con mucha atención ni exprimirlo, pero su sonido está bastante cambiado, y sinceramente, me ha dejado bastante indiferente una vez más. De él rescataría apenas un par de temas, nada especialmente reseñable.
Os dejo con Long line of cars y Friend is a four leter word. Una anotación: four-letter word hace referencia a una palabra que puede
considerarse vulgar u ofensiva, como palabras escatológicas, sexuales...
(tales como cunt, dick, cock, fuck, piss, butt... todas de cuatro
letras). Así es como sienten Cake la palabra 'amigo' cuando ella
se la dice, como una de esas palabras de cuatro letras, y 'end', el
final de la palabra, es la única parte que realmente tiene sentido...
Espero que no sigan conformándose con hacer temas 'decentes' y 'pasables', y compongan algo que pueda perdurar más allá de unos minutos, porque sus ideas son buenas, pero quizá no cómo las desarrollan. ¿Vosotros qué opináis?
REM (que tomaron el nombre de Rapid Eye Movement, una fase del sueño), se han convertido en uno de los grupos claves de la historia del rock. Con 15 discos a sus espaldas hasta el momento (sin contar recopilatorios ni directos) han demostrado que hacen música de calidad, y muchos de sus temas se han convertido en clásicos del siglo XX. Es complicado etiquetarlos en un estilo concreto; sonarán más o menos rock, más o menos folk, más íntimos o más cañeros, pero durante décadas han conseguido seguir manteniendo su sonido REM, a pesar de las ligeras variaciones de estilo según la etapa de su carrera.
Durante mucho años fueron un cuarteto (posteriormente trío), formado por Michael Stipe (voz), Mike Mills (bajo, teclado y coros), Bill Berry (batería) y Peter Buck (guitarra). Su sonido es una mezcla de rock y pop con toques folk y country (sobre todo en sus comienzos), y son características sus líneas melódicas, que tienen una identidad única gracias a la inconfundible voz de Stipe.
Hablar detenidamente de cada uno de sus discos sería un trabajo demasiado largo y complejo, así que haré un rápido recorrido sobre su trayectoria, llena de discos que fueron viendo la luz con poco tiempo de diferencia entre uno y otro, y que son una clara muestra de la evolución del grupo durante unos 30 años.
Su primer disco"Murmur" (1983) recibió muy buena acogida. Sonaba muy fresco, con grandes temas como Catapult, Radio free Europe, We walk o 9-9. Al año siguiente publicaron "Reckoning", un disco rítmico con bastante fuerza (So. Central Rain o Pretty perssuasion son algunos de sus temas). Continuaban a toda velocidad sacando un disco por año: "Fables of reconstruction" (1985) seguía la misma línea que los anteriores aunque algo más tranquilo: contiene muy buenos temas como Maps and legends, Driver 8 o Crazy.
Sin perder las buenas costumbres, un año después llegó "Lifes rich pageant", considerado por muchos como uno de los mejores discos de los 80. Más rockero que el anterior y con un sonido que empieza a definir más claramente el 'color REM': Superman, Cuyahoga o Fall on me son algunos de sus temas.
En 1987 sorprendieron con el gran disco "Document", donde aparecen los clásicos It's the end of the world as we know it y The one I love. En ese momento, REM ya eran muy reconocidos y valorados, y contaban con una gran cantidad de seguidores.
Con "Green" (1989) ficharon para la multinacional Warner Bros (con la que siguen hasta ahora), y ya se situaban en lo más alto de los grupos del momento. En él podemos escuchar Orange crush, I remember California o Stand.
Es entonces cuando comienza una nueva etapa para el grupo (a mi parecer, en la que sacan sus mejores discos, consiguiendo un sonido puramente suyo, tan característico y lleno de vitalidad). "Out of time" (1991) es algo más tranquilo y elaborado que los anteriores, y cuenta con temas que son ya símbolo del grupo, como Losing my religion o Shiny happy people (junto con Kate Pierson, cantante de B-52s, que colabora en otra de las canciones del disco). Otros menos conocidos, pero también muy buenos temas de este disco son Texarkana, Low o Radio song.
Al año siguiente sacaron el discazo "Automatic for the people" (uno de sus mejores discos), más delicado y tranquilo, absorvente y puro, con auténticos temazos (muchos de los cuales son ya míticos) como Drive, Everybody hurts, Try not to breathe, Man on the Moon o The sidewinder sleeps tonite. Por cierto, este disco fue arreglado por el mismísimo John Paul Jones, bajista de los Zeppelin.
Y en 1994 sacan el que, para mí, es su mejor disco junto con el anterior: el increíble "Monster", que contrasta totalmente con el sonido acústico y tranquilo de los anteriores. En "Monster" hay un carácter más rockero y abunda la distorsión, dando un sonido verdaderamente peculiar a cada canción (ya no solo suena 'a Rem', sino a 'Monster'). Temazos como What's the frequency Kenneth, King of comedy, Bang and blame, Circus envy, Crush with eyeliner... Vamos, que ninguno de los temas del disco tiene desperdicio, creedme. Un sonido intenso que llega directo a las entrañas para conquistarnos a la primera escucha.
Comienzan entonces una grandísima gira mundial, después de más de cinco años sin hacer ninguna, y la cual tuvo que interrumpirse debido a un cúmulo de problemas de salud que sufrieron los miembros del grupo: Berry sufrió una aneurisma cerebral, Mills tuvo que operarse para quitarse un tumor intestinal y Stipe fue operado de una hernia. Afortunadamente, todos se recuperaron y posteriormente continuaron con la gira.
En 1997 REM presentaban "New adventures in Hi-Fi". Reconozco que en un principio fui bastante reacia a este disco, infravalorándolo y dejándolo en un segundo plano. Probablemente se debió a que "Monster" era tan potente, tan absorvente y único, que esperaba un carácter parecido, pero en cambio era muy diferente (dejándome indiferente). Con canciones de estilos muy variados que, reconozco, me ha ido gustando más con los años. A día de hoy, puedo decir que tiene buenos temas como Binky the doormat, New test leper, Undertown, Leave o Bitersweet me.
En ese momento, Berry dejó el grupo (al parecer por la necesidad de reposo tras su enfermedad pasada y por la falta de motivación para continuar con giras y discos) y se marchó con su familia a vivir una vida más tranquila. A partir de ese momento, REM pasa a ser un trío, contando con baterías externos para grabaciones y directos.
"Up" (1998) surgió con un sonido más experimental que el que habían tenido hasta el momento (al margen de sus ligeros cambios estilísticos), menos tradicional y con un mayor empleo de sintetizadores. Aunque en su día me ocurrió igual que con el anterior, decepcionándome en sus primeras escuchas (probablemente por mi ansia de escuchar otro "Monster"), es otro buen disco, con canciones como Lotus, At my most beautiful, You're in the air o The apologist.
En los años siguientes publicaron "Reveal" y "Around the sun", discos que me dejaron (y aún hoy me siguen dejando) indiferente, con algún tema que puede resultar interesante, pero poco más, no dejaban una huella especial.
Empezaba a penar que REM iban a ir disipándose poco a poco hasta perderse en la nada, con un montón de nuevas canciones que iban a sonar siempre a lo mismo, como si fuera una misma cancion standarizada que modificaban un poco pero sin nada importante que aportar. Por suerte, cuando escuché su siguiente disco, "Accelerate" (2008) me alegré bastante porque el carácter de REM iba
de nuevo más allá de las baladas insulsas y excesivamente monótonas de los
últimos discos, era más potente, algo más furioso y parecía que tenían algo que contar. Tengo que escucharlo un poco más, y aunque como digo, me ha dado ciertas esperanzas de poder revivir el sonido REM de antaño, tampoco me ha enganchado completamente en su primera escucha.
Muy recientemente ha visto la luz "Collapse into now" (2011), el cual no he tenido ocasión de escuchar aún. ¡Si lo has catado ya, te animo a comentarlo!
Así que, viendo esta extensa producción musical y abarcando estilos algo diversos, es realmente complicado escoger solo dos de sus temas para ponerlos como muestra (bueno... todos les habéis escuchado seguro, aunque no sepáis que son ellos).
Por un lado, pondré uno del álbum "Monster", teniendo en cuenta que rompió bastante con lo que venían haciendo hasta el momento y que para mí es su mejor disco. Cualquiera sería una buena muestra; escojo el que abre el disco, What's the frequency Kenneth, el que me dio la vuelta a la cabeza nada más meter el cd en el radiocassette.
Y para que escuchéis uno que camine más cercano a su, digamos, estilo general, The one I love, un tema con una estructura sencilla y pocos cambios, pero que muestra muy bien la esencia del grupo. Os invito a adentraros en su música para que sintáis su recorrido desde vuestra propia percepción. Porque ya sabemos: para gustos, los colores.
