Aquí tenemos un ejemplo más de cómo en la vida un problema o una mala noticia puede convertirse en algo muy positivo, capaz incluso de cambiar el rumbo de tu futuro hacia algo mucho mejor.
Chic fue un grupo de música disco de finales de los 70 (se disolvieron a principios de los 80) cuyos temas tuvieron un gran éxito, tanto en aquellos años como lo siguen teniendo en la actualidad, especialmente el tema del que vamos a hablar hoy: Le Freak.
En 1977 Chic empezaban a hacerse conocidos gracias a varios temas que estaban cosechando cierto éxito entre los seguidores de la fiebre disco: Dance dance dance (Yowsah yowsah yowsah) y Everybody's dance (por si quedaban dudas de que eran temas para bailar...). Ambos formaban parte de su primer disco, "Chic".
La Nochevieja de ese año, Nile Rodgers (guitarra) y Bernard Edwards (bajo), creadores y líderes del grupo, esperaban en la cola del legendario Studio 54, templo de la música disco en Nueva York. Iban a reunirse con Grace Jones, que ese mismo año se había convertido en un icono tras publicar su primer disco, principalmente por su tema I need a man y su look masculino de aire extravagante y duro. La podéis ver también como actriz en varias películas de los 80, como Conan el Destructor (impone más que el propio Chuache) y James Bond Panorama para matar.
El caso es que Jones les había citado esa noche para hablar sobre la posibilidad de que escribieran y produjeran su próximo álbum, lo cual era una gran oportunidad para ellos, por lo que os podéis imaginar la emoción y el ansia por entrar en la discoteca y hacer el que habría sido su mayor negocio hasta el momento...
Pero sus nombres no estaban en la lista y no les dejaron pasar (a pesar de que algunos de sus temas sonaban en las noches del club...). La clientela de Studio 54 era muy selecta y había un gran control sobre a quién dejaban pasar. Muchas personas, famosos incluidos, no podían acceder a bailar y disfrutar de los desfases, parrandas y excesos que se vivían dentro.
Además, era la última noche del año, había aún más gente de fiesta esperando a entrar y no pudieron convencer al portero porque aún no eran suficientemente conocidos.
Si esta situación hubiera ocurrido ahora, una época donde todos tenemos teléfonos móviles, habría bastado una simple llamada o un mensaje, "¡Eh Grace, el tipo de la puerta no nos deja pasar!". Pero en aquel momento lo único que pudieron hacer después de ese gran palo fue marcharse. Compraron dos botellas de champán, fueron a la casa de uno de ellos y se pusieron a tocar e improvisar.
La parte del tema donde cantan "Aaaaaa Freak out!" fue originalmente "Aaaaaa Fuck off!" ('Que os follen' o 'Vete a tomar por culo'), en represalia a la actitud del puerta con ellos.
Poco después decidieron cambiarlo por dos motivos: por un lado, Edwards no estaba muy a gusto diciendo eso en una canción (aunque a Rodgers, como ex Pantera Negra no le afectaban ese tipo de cosas) y por otro lado, en aquellos años las radios eran bastante cerradas con lo que se cantaba. Así que finalmente cambiaron el "Fuck off!" por "Freak out!".
El tema apareció meses después bajo el título Le Freak dentro de su segundo álbum, "C'est chic", y al poco tiempo se convirtió en un auténtico éxito, siendo número uno en las listas de EEUU y vendiéndose millones de copias. Y cosas de la vida, Le Freak sonaba dentro de Studio 54 convertido en el gran rompepistas del momento.
Allí, en el mismo lugar donde meses antes les habían prohibido el paso, Chic pudieron finalmente entrar, e incluso tomar copas gratis y tener su propio espacio reservado.
Así que, ¡gracias por vuestra negativa, Studio 54!
The Flock es una de esas bandas que merece un mayor reconocimiento del que ha recibido, tanto por su originalidad como por su excelente calidad. Se les considera unos de los precursores del llamado jazz-rock, aunque en realidad su sonido tiene más bien poco de jazzístico... Aunque cuentan con la improvisación como elemento importante en su música, su sonido es más cercano al rock progresivo, la psicodelia, el blues o el folk.
A mediados de los 60 y principios de los 70 el rock evolucionaba con una mayor libertad, había más innovación y un gran despliegue de creatividad y originalidad. Muchos grupos eran, más que pequeñas bandas, pequeñas orquestas, por lo que a algunos les llamaban "macrobandas". Empleaban instrumentos por entonces atípicos dentro del rock, llegando a ser en ocasiones el líder del grupo, como sucedía por ejemplo con Jethro Tull (liderado por un flautista) o The Flock (por un violinista y acompañado de saxofones y trompeta).
Sus dos primeros discos son un grandísimo ejemplo de originalidad y creatividad, fusionando elementos y estilos muy diversos. La mayor parte de las canciones están llenas de contrastes, con secciones totalmente diferentes pero que, con gran habilidad, hilvanan y combinan para hacer que se desarrollen de manera insólita, lejos de los rudimentos típicos del género, manteniéndonos siempre expectativos de lo que podrá venir después.
The Flock nació a mediados de los 60 en Chicago. El violinista y guitarrista Jerry Goodman, apodado "el violín del diablo", es el alma del grupo, y no solo por su virtuosismo, sino por su concepción del instrumento y su gran cantidad de recursos, además de su particular estilo camino entre lo clásico y lo moderno. Los demás miembros de la banda tampoco tienen desperdicio: Fred Glickstein (guitarra, teclados y voz), Rick Canoff (saxo tenor), Jerry Smith (bajo), Ron Karpman (batería), Tom Webb (saxo tenor y armónica, en el primer disco), Frank Posa (trompeta) y John Gerber (saxo alto y tenor, flauta y banjo en el segundo disco), y antes de llegar Goodman, Rick Mann (guitarra). Y casi todos ellos también coristas, enriqueciendo las armonías vocales en cada tema.
"The Flock" (1969), su primer disco, es sencillamente maravilloso, la joya del grupo. Con su evocadora introducción, de tintes clásicos, nos adentran en un camino lleno de expresividad y profundidad, con grandes temas como los explosivos "Store Bought - Store Thought" o"Clown", la versión de "Tired of waiting" de los Kinks (que, en mi opinión, supera al original) o el blues de 15 minutos "Truth" (donde muestran una personal concepción de este género).
Al año siguiente publicaron "Dinosaur Swamp", todavía más experimental. Cada tema es una amalgama de ideas muy diversas, con estructuras aún más atípicas y en ciertos momentos algo caóticas, como si a lo largo de una sola canción hubiese múltiples personalidades. A algunos podrá parecerles demasiado 'denso', pero sin duda es una delicia para paladares exquisitos.
Con un sonido más psicodélico, destacan el fascinante y enérgico "Crabfoot", o "Hornschmeyer's Island" y "Lighthouse", llenos de contrastes. También hay ecos country, como en "Big Bird".
Tras este disco Goodman se marchó del grupo para formar parte de Mahavishnu Orchestra (con el guitarrista John McLaughlin), y el grupo se apagó durante varios años. Algunos miembros trataron de resurgirlo en 1973 haciendo una breve gira (sin la presencia de Goodman, pero también con violín), pero no editaron ningún disco hasta 1975: "Inside Out". Con un sonido más electrónico, siguen innovando pero a un menor nivel que en los dos anteriores. Aún así tiene buenos temas, como "Metamorphosis" o "Back to you". Tras él, The Flock acabó por disolverse definitivamente.
Os dejo con dos de sus joyas: Crabfoot y Store bought-store thought. ¡Caos irresistible y aplastante!
Dave Pike, vibrafonista autodidacta, forma parte de aquellos músicos de los sesenta que buscaban renovar la música para vibráfono, entonces liderada por el gran Milt Jackson. Pike comenzó tocando en EEUU junto a grandes intérpretes del panorama jazzístico del momento: el guitarrista Kenny Burrel ("Bossanova Carnival", exquisito álbum), el pianista Bill Evans ("Pike's Peak") o el también pianista Tommy Flanagan ("Limbo Carnival"), así como acompañando al flautista Herbie Mann en sus discos, o con su propia orquesta ("Manhattan Latin"). De estos años es su disco "Jazz for the Jet Set"una joyita que podría ser la banda sonora del sarao más guatequero o de un idílico ascensor. Siempre acompañados por su voz canturreando en la distancia...
La música de Dave Pike se vuelve aún más interesante y genuina durante su estancia en Europa: en Alemania formó su propio grupo, el cuarteto Dave Pike Set: cuatro músicos que se complementan a la perfección logrando un particular e innovador concepto musical. Volker Kriegel (indispensable para el sonido del Set: guitarra y sitar), J.A. Rettenbacher (bajo y contrabajo) y Peter Baumeister (batería).
Este sonido tan auténtico, personal y vanguardista no solo le da identidad a ellos, sino, en cierto modo, también a la sociedad cosmopolita de aquellos años sesenta, la mezcla de culturas, costumbres, raíces y sonidos. Hicieron una pequeña fisura en el jazz para abrir su propio camino: una amalgama de influencias unidas en una innovadora visión del género, ya sea con las composiciones propias del grupo o reinterpretando standards.
Estuvieron en activo menos de cuatro años, de 1969 a 1972, pero nos dejaron un magnífico legado de 6 discos, con un repertorio más que variado e imprevisible. Reseñables son (junto al mencionado "Jazz for the Jet Set") "Noisy Silence-Gentle Noise", "Got the Feelling" e "Infra Red".
A su vuelta de Europa a Estados Unidos, continuó (y continúa, después de un largo período de silencio) tocando y sacando discos, como "Times Out of Mind" (de nuevo con Kenny Burrell), "Pike's Grooves",el fresquísimo "Album" (1971) o "Bluebird" (más bebopero).
No podemos más que deleitarnos con esta particular visión del jazz, aderezado con especias de psicodelia, bossa, música afro-cubana (ya de por sí fusión de ritmos cubanos con elementos del jazz), o de la India.
Como primer acercamiento os recomiendo auténticos hits como: Sittin' on my knees, los guatequeros Jet Set ySweet tater pie, Big Schleep, Country Shit, Nobody is Afraid of Howard Monster, la atrapante y dispar Send Me the Yellow Guys, Mathar, la bossa Sono, olos temas con los que os dejo hoy, Walkin' Down the Highway in a Raw Red Egg (con sección en 13/4) y But anyway.
Ya que la entrada anterior es referida a Stevie Wonder, aprovecharé para incluir uno de sus temas en el recopilatorio de versiones de este blog. Podría poner muchos ejemplos de temas suyos versionados, hay montones de músicos que han escogido canciones suyas, pero os dejo con esta no porque la versión sea especialmente buena, sino porque habrá quienes desconozcan el tema original y solo hayan escuchado el más moderno.
Si hablamos de Coolio, seguramente nos venga a la cabeza Gangsta's Paradise(1995), que fue el tema principal de la película "Mentes peligrosas". Con él consiguió
un grandísimo éxito en su momento, vendiendo millones de copias de este
single. Este tema está basado en Pastime Paradise(1976) de Stevie Wonder, que como curiosidad, fue uno de los primeros temas en utilizar un sintetizador para imitar a una sección de cuerdas.
La base rítmico-armónica y las melodías son prácticamente las mismas en ambos, aunque la letra es diferente. El original trata sobre la nostalgia del pasado y la búsqueda de un nuevo futuro, y la versión de Coolio, que incluye partes rapeadas (colaboró el rapero L.V.) habla sobre la dureza de la vida en las calles y la violencia.
Esta versión de Coolio tiene, a su vez, una versión-parodia hecha por el incansable Weird Al Yankovic, llamada Amish Paradise, por la que tuvo un pequeño enfrentamiento con el rapero por derechos y autorizaciones.
¿Quién no conoce a Stevie Wonder? Un talentoso músico, de sonrisa permanente, que cuenta con una impresionante carrera a sus espaldas (y que aún sigue en activo), convirtiéndose en referencia para muchos.
Con 5 años ya tocaba la armónica y el piano. El fundador de la Motown lo fichó a principios de los sesenta cuando tenía tan solo 11 años, un chaval con el ritmo fluyendo por las venas y una fabulosa voz. Fue rebautizado artísticamente como Little Stevie Wonder (maravilloso, sí), y poco después pasó a llamarse simplemente Stevie Wonder.
Con un sonido que fusiona estilos diversos, como soul, funk o R&B, comenzó interpretando canciones de otros autores hasta que en los setenta empezó a grabar composiciones propias. También comenzó en esa época a tocar prácticamente todos los instrumentos que aparecían en sus discos: voz, piano y teclado, sintetizadores (bastante inusuales en la época), armónica o batería, encargándose también de la composición, arreglos y la producción musical. Comenzaba una nueva etapa para Stevie Wonder, donde no paraba de crecer en un constante flujo creativo.
Tiene más de 20 discos a sus espaldas, la gran mayoría grabados en los sesenta y los setenta, cuando aún no había cumplido los 30 años de edad. Coleccionista de premios, entre ellos nada más y nada menos que 25
Grammys, de los cuales 14 los ganó en un período de sólo 4 años
(dejemos al margen lo que pueda representar un premio Grammy; cuántos
artistas de primera ni siquiera han optado a ello... pero no hay que
dejar de reconocerlo, en este caso sí hablamos de un músico con mayúsculas).
Una clara muestra de su talento son discos como "For once in my life"(1968,con el que, podríamos decir, da comienzo esa segunda etapa musical más personal y con más identidad), "Music of my mind"(1972), "Innervisions"(1973)o "Fulfillingness' first finale"(algo así como "Primer final de la plenitud", de 1974).
Y el doble-triple disco (dos LP con un EP) "Songs in the key of life"de 1976, muy esperado por el público y sobre todo por su discográfica, la Motown, que había firmado con él un contrato de 13 millones de dólares (la mayor cantidad pagada hasta el momento). La espera valió la pena, ya que es uno de los discos con más éxito de los setenta).
Numerosos temazos, entre los que cabe destacar Superstition, Higher Ground, Master Blaster (Jammin'), Living for the City, I Wish, Signed Sealed Delivered I'm Yours, Isn't She Lovely, For Once in My Life, Pastime Paradise, You Are the Sunshine of My Life, Uptight, You've Got it Bad Girl, I Just Called to Say I Love You o I Was Made to Love Her, entre muchos otros.
Os dejo con el exitazo Superstition, en un genial vídeo del mítico programa Soul Train, donde podemos ver el poder de su música para mover al público (¡eso sí que es bailar!) y con Master blaster (Jammin'), jugando con el reggae como homenaje a Marley.
La televisión de fondo y, de pronto, escucho Larks' tongues in aspic, magnífico tema de King Crimson, pero con un sonido muy diferente al original. Levanto la vista y me encuentro con una escena de una violación, mientras continúa sonando un calco de este tema. Es la película francesa "Emmanuelle", de 1974.
He buscado información sobre este asunto y parece que los autores de la banda sonora de la película, Pierre Bachelet y Hervé Roy, se acreditaron la autoría del mismo, por lo que Robert Fripp, compositor del tema para King Crimson, los denunció y ganó el juicio.
Según dijo el propio Fripp en una entrevista de aquellos años:
“Dos personas me hablaron del parecido. Una fue el bajista de King
Crimson, John Wetton, y el otro fue Richard Williams. Así que me fui a
un cine a Leicester Square en Londres y lo grabé. La película me pareció
bastante aburrida, pero me di cuenta que cada vez que había una escena
de sexo allí aparecía “Larks’ Tongues in Aspic, Part Two”. [...] Así que demandamos a sus autores. Parece ser que los compositores habían
estado trabajando en la banda sonora durante seis meses, y una semana
después de que King Crimson apareciésemos en la televisión francesa
tocando “Larks’ Tongues in Aspic, Part Two” ¡compusieron toda la música!
Todavía me llegan cantidades obscenas de dinero de las reposiciones de
la película en todo el mundo”.
Mi pregunta es... ¿acaso pensaban que no se enterarían? ¿Tanto costaba pedir permiso a Fripp y comunicarle que iban a hacer una versión?
Esto me recuerda al caso de "2001: Una odisea en el espacio" de Stanley Kubrick, donde el director utilizó sin permiso varias obras de György Ligeti. Éste interpuso una demanda por 1 dólar, dejando claro que no era por cuestión de dinero, sino por no pedirle permiso para usarlas en su película. Dicho sea de paso, gracias a la fama que alcanzó la película, Ligeti se hizo mucho más conocido, y además años después Kubrick volvió a emplear música suya (eso sí, con permiso del compositor).
Os dejo con las dos versiones de Lark's tongues in aspic Part 2. No encuentro el audio del disco de King Crimson, así que os dejo con un directo de 1973, y con uno de los temas de la película donde aparece el plagio, Rape Sequence.
Si hablamos de instrumentos empleados en el jazz, pocas veces (o ninguna) pensamos en el arpa como uno de ellos. Aunque ha habido y hay más músicos que lo han empleado dentro del género, Dorothy Ashby fue una de las pioneras (y también tocaba otros instrumentos, como piano, saxo y contrabajo).
En los años 50 empezó a vincular el arpa al jazz como nadie lo había hecho hasta el momento, convirtiéndose posteriormente en una referencia e influencia para muchos.
En su afán de exploración y búsqueda de nuevos sonidos fue adaptando el arpa a diversos estilos musicales, descubriendo nuevas posibilidades gracias a su visión innovadora y su creatividad.
Al principio resultaba complicado tocarlo con otros músicos de jazz que se mostraban reacios a incluirlo, ya que todavía estaba muy vinculado la música clásica. Pero más adeltante mantuvo una gran actividad musical: dio numerosos conciertos, grabó 11 discos como líder y colaboró como músico de sesión en discos de artistas de diversos estilos, como Bill Withers, Stevie Wonder o Freddie Hubbard.
En su discografía podemos escuchar el arpa en contextos muy distintos, moviéndose en géneros y sonoridades variadas pero siempre con elegancia y versatilidad. Por poner algunos ejemplos, encontramos discos como "Hip hard" y "In a minor groove" (ambos de 1958). Intimistas, apacibles y con un aporte muy personal al mundo del swing. Ambos demuestran cómo instrumentos delicados (junto al arpa, la flauta de Frank Wess) se adaptan a la perfección al sonido más jazzístico.
En 1968 creó el fascinante "Afro harping", donde podemos escuchar una fusión de soul, jazz, funk e incluso psicodelia. Un disco donde cada tema es atrapante e hipnotizador. Personalmente, lo mejor de Ashby.
Dos años más tarde sorprende con el exótico "The Rubaiyat of Dorothy Ashby", con sonoridades e instrumentos orientales, como el koto japonés (interpretado también por ella) o la kalimba.
Así, Ashby estuvo en constante evolución y renovación, enfrentándose a los prejuicios musicales que originó inicialmente su instrumento para conseguir crear músicas muy diversas que vibraban en sintonía con estilos y músicos diferentes.
Como ejemplo de este sonido tan especial, os dejo con Soul vibrations, hipnótico y sensual tema que sirve de introducción en "Afro harping", y con el tema que da nombre al álbum.
¿Cómo? ¿Qué el arpa es aburrido...? ¡Escucha esto!
Un tema que ha sido versionado manteniendo fielmente el estilo original pero sin renunciar a la identidad del propio grupo (que encaja perfectamente con esta canción) es Love rollercoaster.
La versión original es de Ohio Players, grupo funk que tuvo un gran reconocimiento en los años 70 (aunque se habían formado más de diez años antes). El tema está incluído en "Honey" (1975), y tanto el disco como el propio tema atrajeron una gran polémica debido a un grito que se escucha durante la canción. Surgió una leyenda urbana que afirmaba que el grito pertenecía a la modelo de la portada mientras estaba siendo asesinada por su mánager en el estudio durante la grabación de este tema (supuestamente le había pedido una indemnización por unas quemaduras que le había provocado la miel en el cuerpo). Aunque finalmente reconocieron que no era cierto, el grupo no lo desmintió en su momento porque, como decían, esa publicidad les estaba haciendo ser más conocidos y vender más discos.
Red Hot Chili Peppers hicieron una versión de este tema en 1996 para la banda sonora de la película "Beavis & Butt Head recorren América". Incluyen una parte rapeada que no aparece en la original, sustituyen la sección de vientos de manera muy original con unos kazoos, y dan un toque más rockero, aunque con la esencia funk. En el videoclip aparecen los miembros del grupo convertidos en dibujos junto a estos dos míticos personajes.
Joy Division es una banda de muy corto recorrido pero larga influencia que se formó en Inglaterra a mediados de los años setenta. Crearon un sonido influenciado por la explosión punk
del momento (con los Sex Pistols, entre otros) y por el rock, aunque con una mayor oscuridad, un sonido
más siniestro y a menudo tenebroso.
Una voz grave, un bajo que en muchas
ocasiones toma el papel de melodía, una batería casi mecánica y unas
letras profundas y bastante depresivas, que unidos consiguen ese sonido
tan auténtico que les caracteriza. Este sonido, que no era punk, fue lo que posteriormente se conocería como post-punk.
En 1979 sacaron su primer disco, "Unknown pleasures", con el que se convirtieron en grupo de referencia. Sus actuaciones en vivo podían desarrollarse de manera imprevisible, ya que Ian Curtis (el cantante del grupo, y en ocasiones también guitarrista) era epiléptico, y en ocasiones sufría convulsiones y espasmos mientras cantaba, llegando a tener ataques epilépticos y pérdida del conocimiento en mitad del escenario.
Antes de editar este disco, habían grabado material para un supuesto primer disco que no llegó a publicarse en aquel momento, debido a que su productor había añadido numerosos sintetizadores en la mezcla final sin el consentimiento de los miembros del grupo, y éstos se opusieron al resultado final. Vio la luz 16 años más tarde, con la banda ya más que disuelta y junto con otro puñado de canciones, bajo el nombre de "Warsaw" (como se llamaban entonces).
Mientras el grupo obtenía muy buenas críticas y su éxito iba en aumento, Curtis cayó en una depresión debido a sus problemas con la enfermedad y su divorcio. Cada vez le resultaba más difícil actuar en público, hasta que en 1980, poco antes de empezar una gira por EEUU, se ahorcó con tan solo 23 años. Se editó material póstumo, como el disco "Closer", con tintes más oscuros y un mayor uso de sintetizadores que su primer disco.
¿Qué nos habrían traído Joy Division si hubieran tenido más recorrido
que cuatro años? Es posible que hubieran ido cambiando hacia un sonido más
techno-pop, que ya empieza a brotar en el último tema del disco, Decades. Además, Curtis le estaba mostrado al resto del grupo la música de Kraftwerk como algo
novedoso y les instaba a escucharla (lo que supuso un nuevo punto de partida para sus compañeros en New Order, banda que formaron tras la disolución de Joy Division).
Uno de sus temas más conocidos y emblemáticos es Love will tear us apart, publicado en 1980 tras la muerte de Curtis y que había sido grabado un año antes en una Peel session en la BBC.
Os dejo con el video original de este mítico tema, grabado por ellos mismos. Como curiosidad, las imágenes que se vuelven en tono marrón no fueron intencionadas, sino un error durante la edición del video.
Y por si os quedáis con ganas de más, un tema en directo, Transmission.
¿Quién no conoce a Led Zeppelin? Uno de los grupos más impresionantes y fundamentales de la historia de la música, que alcanzaron un enorme (y bien merecido) reconocimiento durante sus años en activo y aún en la actualidad, y que han tenido una influencia decisiva en muchísimos grupos posteriores, siendo piezas clave en la trayectoria y evolución del rock.
Ningún grupo había despertado realmente tanta pasión en aquellos años 70. El sonido Led Zeppelin hacía reaccionar al público, poner a la gente en movimiento y desatar su energía.
A finales de los sesenta el rock sonaba cada vez con más fuerza, era rock duro, heavy rock, un preludio de lo que más tarde sería el heavy metal (que tuvo su mayor estallido a finales de los setenta y principios de los ochenta). Así, muchos grupos se decantaron por la investigación y experimentación sonora (como hicieron también King Crimson o Pink Floyd) y Led Zeppelin demostraron que el rock estaba todavía en desarrollo, que le quedaba mucho por evolucionar. Ellos crearon algo más novedoso de lo que había sido el rock hasta el momento, con un sonido en el que se fusiona rock, blues, folk o heavy (e incluso en algún momento funk y reggae), todo marcado por una gran potencia y, a cada año que pasaba, probando elementos nuevos.
El grupo surgió en Inglaterra en 1968 cuando Jimmy Page (el último guitarrista de los Yardbirds, que acababan de disolverse) buscaba nuevos miembros para formar otro grupo. Page, excelente guitarrista, tenía una gran técnica y era un reconocido músico de sesión, cuyo sonido impresionaba con multitud de riffs únicos que han sido emulados por muchos otros guitarristas.
A Page se unió Robert Plant, por entonces un casi desconocido cantante que dio al grupo un toque inigualable con una voz única llena de personalidad, y que también influyó en otros cantantes. Con un amplio registro, moviéndose normalmente por los agudos, es capaz de combinar crescendos potentes, gritos desgarrados y gemidos con melodías más suaves.
Plant fue además el autor de las letras de las canciones, que tratan temas fantásticos y místicos (las del primer disco también son suyas, pero tenía un contrato vigente y no pudo aparecer en él como autor de las letras). Poco después de unirse Plant, completaron el grupo con John Paul Jones y John "Bonzo" Bonham.
Jones era un músico de sesión que además del bajo tocaba otros instrumentos (como piano, órgano, mandolina o sintetizadores) y que aportó a Led Zeppelin una sonoridad mucho más completa gracias al uso y combinación de diferentes timbres.
Bonham tenía fama de ser el batería más ruidoso de toda Inglaterra, y aportó una poderosísima base rítmica al grupo. Una anécdota cuenta que, antes de formar parte de Led Zeppelin, en una ocasión el director de un estudio lo echó porque 'hacía demasiado ruido' y le advirtió de que así no iba a llegar nunca a ninguna parte como batería. Años más tarde, Bonham le envió una carta de 'agradecimiento' por su predicción, junto con un disco de oro del grupo.
El cuarteto que surgió así del proyecto inicial The New Yardbirds dio lugar a Led Zeppelin, quienes se convertirían en un grupo excepcional, único y de gran influencia, y en cuyos conciertos lo daban todo. Conciertos que se llenaban con masas ingentes de público, siendo de los más largos de la historia del rock (incluso de 3 y 4 horas), con canciones de extensos desarrollos (e improvisaciones) de hasta 20 minutos, donde mostraban su gran fuerza, contundencia y técnica, haciendo enloquecer al público (y siempre rodeados de sus incondicionales groupies). Se negaron a actuar en programas comerciales y evitaron las entrevistas en la mayor parte de su trayectoria.
En su discografía encontramos diez discos, sin contar recopilaciones posteriores ni ediciones especiales. Sus primeros 6 discos (hasta 1975) son verdaderamente imperdibles, y muy especialmente los cuatro primeros. En ellos muestran su gran talento, la identidad y esencia de su personal carácter. Cada uno de los temas de estos discos son una composición auténtica y exquisita.
“Lez Zeppelin”(1969) es el excelente disco con el que debutaron, el cual tuvo un recibimiento arrollador (sobre todo en EEUU, no tanto en Inglaterra). En él se notan claramente la mezcla de estilos que caracteriza al grupo, con temas fascinantes como Dazed and confused, Communication breakdown, la deliciosa y contrastante Babe I'm gonna leave you o Good times bad times. Como curiosidad, comentar que cuando iban a actuar en Dinamarca, la condesa Eva von Zeppelin, sobrina del inventor del zeppelin, se opuso a que un grupo de (como ella misma decía) 'monos chillones' utilizara el prestigioso apellido de su familia, y más aún después de ver la portada de este disco, donde aparece el zeppelin Hindenburg en llamas durante su accidente en los años 30. Así que el grupo actuó allí bajo el nombre de The Nobs.
Ese mismo año sacaron también “Led Zeppelin II”, que los consagró. Ha sido un disco muy citado por otros grupos como una de sus referencias, sobre todo los potentes riffs de guitarra, que calaron en generaciones posteriores. Magnífico, en él encontramos la ya clásica Whole lotta love, Heartbreaker, Moby Dick o Living loving maid.
“Led Zeppelin III”(1970) tiene un sonido más íntimo y acústico, más tranquilo y algo más folk. Considerado como uno de los discos más importantes del grupo, recibió críticas no demasiado buenas al principio, como las que aparecieron en su momento en la revista Rolling Stone (críticas que posteriormente fueron eliminadas de la base de datos debido a su arrepentimiento...). Contiene grandes temas como Inmigrant song, Celebration day o Out on the tiles.
Al año siguiente editaron un disco que aparece sin título ni ninguna letra que lo identifique, salvo cuatro símbolos o runas que representan a cada uno de los miembros del grupo. Ha sido uno de los discos más vendidos de la historia y es conocido como “Led Zeppelin IV”(siguiendo la cuenta...), “Runes” o“Untitled”. En él aparece uno de los clásicos más mega-clásicos de la historia del rock, la reconocidísima Stairway to heaven, además de otros temazos como Black dog, When the levee breaks, Misty mountain hop, Four sticks o Rock and roll.
Led Zeppelin seguían vendiendo muchísimos discos, consiguiendo discos de oro, un gran reconocimiento y admiración y ganando muchos millones de beneficio (merecidos, sin duda).
“Houses of the holy” (1973), aunque continúa con la esencia rock, blues y folk, incluye trazos reggae (como en el tema Dyermaker) y funk (The crunge), ampliando la sonoridad habitual. Encuentro este disco algo más flojo que los anteriores, aunque sigue siendo un disco de referencia, con otros grandes temas como Dancing days o The song remain the same.
“Physical Graffiti” (1975) es el primer disco en su propia discográfica, Swan Records, creada un año antes. Un doble disco más experimental, resultado de una búsqueda de nuevas sonoridades pero sin perder sus rasgos característicos. Además de temas nuevos, se empleó material descartado de discos anteriores: grandes temas como la impresionante y genuina Kashmir, The wanton song, In my time of dying, Houses of the holy o Custard pie.
Pero en aquel año el ritmo y las giras masivas del grupo se vieron afectadas por varios problemas: Plant sufrió un accidente de coche junto a su mujer e hijos, y Jones se rompió una mano. Aún así, no tardaron mucho en retomar el ritmo, y al año siguiente grabaron “Presence” (en el que Plant estuvo trabajando aún en silla de ruedas). En él no hay ninguna canción acústica ni teclados, y personalmente lo considero de bastante menos calidad y menos sorprendente que los anteriores. Ese mismo año se estrenó la película “The song remains the same”, cuya banda sonora es una grabación de un concierto dado años antes en el Madison Square Garden, y con la cual se editó un disco doble, titulado como la película.
En 1977 anunciaron una nueva gira que era esperada ansiosamente tanto por el público (sus conciertos continuaban rompiendo récords aplastantes de público) como por la crítica (quien los consideraba el mayor grupo de la historia del rock). Pero la gira se suspendió debido a la muerte del hijo de Plant, de 5 años.
Tras un par de años de silencio, en 1979 retomaron sus actuaciones y presentaron nuevo disco, “In through the out door”, con toques más pop y más sintetizadores, rompiendo aún más con lo que estaban haciendo hasta el momento. Les resultó difícil de terminar debido a las adicciones de Page a las drogas y de Bonham al alcohol. Contiene algunos temas interesantes como South bound saurez, All my love o In the evening.
Un año después, cuando parecía que el grupo estaba ante un nuevo renacer tocando en grandes giras, se produjo el último gran drama: Bonham muere por una intoxicación etílica. Se especulaba entonces sobre la posibilidad de que incorporaran un nuevo miembro a la batería, pero el grupo decidió que Led Zeppelin no podía continuar sin uno de ellos. Así que como tenían un contrato firmado que les obligaba a sacar un disco más, y al no querer grabar temas nuevos sin Bonham, buscaron material archivado. Así, presentaron “Coda”(1982), un disco compuesto por temas inéditos y grabaciones de conciertos, por lo que es más cercano al sonido puramente Zeppelin que sus dos discos anteriores. Temas destacables del disco son Poor Tom, Darlene, Ozone baby o Bonzo's montreux, donde escuchamos un solo de batería de 4 minutos al que Page añadió posteriormente efectos de sonido (imagino, un homenaje al entonces recién fallecido Bonham...).
Así, llegó el fin de la actividad del grupo y su disolución definitiva, pero nunca quedaron ni quedarán en el olvido. Una conjunción perfecta de talentos que nos han obsequiado con auténticas joyas musicales que forman parte de la historia de la música. Inigualables, auténticos y absolutamente imprescindibles.
No puedo despedirme sin dar las gracias a mi hermano Arturo, fiel seguidor de los Zeppelin desde que tengo uso de razón: gracias por descubrirme a este pedazo de grupo cuando aún era una enana.
Es difícil escoger entre tantos temas de tal calidad... Os dejo con Celebration day, que a punto estuvo de no aparecer en el “Led Zeppelin III” debido a un error en la grabación: se había eliminado por error el comienzo de la batería, pero pudo ser 'arreglado' usando el sintetizador que aparecía en el tema anterior. La verdad es que este resultado es atrapante, ya que cuando entra finalmente la batería resulta fulminante, el tema arranca de manera imprevisible desbordado de energía.
Y para que los podáis ver actuando en directo, la profunda Dazed and confused.
¡Tremendos!
Shocking Blue es un cuarteto holandés que vale la pena conocer. A pesar de que no fueron realmente innovadores, su música tenía y tiene algo especial, un sonido al estilo americano donde combinan rock, pop, blues y psicodelia rodeados de una leve oscuridad.
Surgieron en 1967 liderados por Robbie Van Leeuwen, guitarrista, sitarista y compositor de todos los temas, que acababa de dejar una conocida banda holandesa llamada The Motions. Un año después de formar Shocking Blue, su cantante se marchó para alistarse en el ejército y fue sustituido por la carismática Mariska Veres, quien inevitablemente ha sido comparada numerosas veces con Grace Slick, de los Jefferson Airplane, tanto por el color de su voz y su manera de cantar como por su aspecto y sensualidad.
Ella dotó al grupo de una mayor personalidad, y tras su incorporación Leeuwen dio un aire nuevo a sus composiciones con un sonido más rico, el que les caracterizó durante sus primeros años.
Uno de sus temas más conocidos es Venus, que fue número 1 en casi todo el mundo (curiosamente no lo fue en Holanda, donde llegó al número 3). Con él Shocking Blue consiguió ser el primer grupo holandés en ser número 1 en Estados Unidos. Hay cierta polémica en torno a este tema, ya que es un 'hijo bastardo' (por llamarlo de alguna manera) de The banjo song, del grupo The Big Three (con una por entonces desconocida Mama Cass). Y por desgracia, la mayoría de la gente tiene en la cabeza la edulcorada versión que
hicieron Bananarama en 1986... ¡pero no hay color!
Grabaron 7 discos desde la incorporación de Veres que contienen muy buenos temas, sobre todo los dos primeros. "At home" vio la luz en 1969 y en él encontramos muchas de sus mejores creaciones, como Long and lonesome road, Love buzz (que fue versionado por Nirvana veinte años después), Hot sand, California here I come, Love machine, The butterfly and Io la exitosa Venus.
Al año siguiente publicaron "Scorpio's dance",contenedor de grandes temas como el fantástico Send me a postcard, Mighty Joe, Little cooling planet, Daemon lover o Water boy.
Le siguió "Third album", el tercero con Mariska pero cuarto del grupo, con temas como el potente Shocking you, Never marry a railroad man, I'll follow the sun oBird or paradise, y para el cual contaron con el apoyo de otro guitarrista, formando un quinteto.
Su siguiente disco suena más pobre, "Inkpot", donde volvió a desaparecer la guitarra rítmica y cambiaron de bajista. A Leeuwen se le estaban agotando las ideas, y como él mismo declaró, estaba empezando a cansarse de escribir él toda la música y letras (de hecho varios de los temas de este disco son versiones). Destacan Navajo tears, I melt like butter, Who save my soul yThe Queen, que se intercalan con temas que ya empiezan a mostrar su futuro sonido, en momentos más cercano a ABBA. Este alejamiento de sus raíces queda aún más marcado en "Attila" que suena más pop que rock, y que aún así contiene buenos temas como Never release the one you love, Rock in the sea, A waste of time o When I was a girl.
A pesar de conseguir éxito con algunos de sus temas en Europa, Leeuwen
estaba desanimado y desilusionado porque no triunfaban en EEUU (uno de sus principales deseos), sobre todo después de haberlo conseguido años atrás con Venus. Llegó incluso a ser sustituido durante una de las giras del grupo, pero aún así al año siguiente grabaron "Dream on dreamer", y tras su presentación llegó el abandono definitivo del compositor y miembro esencial del grupo. Esto no impidió que editaran su último álbum al año siguiente, "Good times" con un sonido ya muy alejado del inicial y con temas más insulsos, quedando a la sombra de los anteriores.
Las canciones que os enlazo son Hot sand (con ese sonido saturado de fuzz en la guitarra, el encanto de las melodías de sitar, batería y bajo sin complicaciones pero que se mantienen firmes, y el sello de la voz que combina cierta dureza con sutileza y sensualidad) y Love buzz (con atmósferas exóticas e hipnóticas).
Adentraos en su música porque encontraréis muchos temas para no olvidar.
