Probablemente, si Moby no hubiera tomado como base de su Natural bluesla canción popular de los años treinta Trouble so hard, prácticamente nadie reconocería esta melodía, exceptuando algunos estudiosos.
Vera Hall nació a principios de siglo y murió en 1964, pero han quedado para la posteridad numerosas grabaciones suyas. No era una cantante profesional, sino que colaboró con numerosos etnomusicólogos cantando multitud de canciones de estilos muy diversos: de juego, de trabajo, blues, religiosas...
La verdad es que cuando escuché el tema original de Hall por primera vez me quedé paralizada. ¡Esa melodía que había escuchado tantas veces de la mano de Moby tenía su raíz muchos años atrás y en un contexto totalmente diferente! Y a pesar de estar grabada a capella, sin acompañamiento, suena igual de hermosa.
La armonización que hizo Moby funciona muy bien con la melodía, y la verdad es que con el pulso estupendo de Vera Hall apenas habrá tenido que tocarla, se mantiene constante en su interpretación.
Aquí os dejo con las dos versiones: la de Moby (buena, aunque con una estructura altamente previsible como en todas sus canciones) y la de Vera Hall.
El sonido de Cinematic Orchestra es una mezcla interesantísima de estilos diversos: jazz, trip-hop, algo de electrónica, un punto de drum&bass e incluso chillout... Todo en su punto para conseguir sonoridades cálidas e íntimas dentro de una, podríamos decir, intensidad contenida.
Con Jason Swinscoe al frente, crean una atmósfera donde todo fluye, a menudo empleando bucles rítmicos o melódicos que de pronto se rompen, cambiando el tempo, la rítmica, la melodía... Dentro de una sonoridad idílica, rasgan nuestras entrañas de manera muy sutil y, sí, elegante...
De sus cuatro discos hasta el momento, es a mi parecer "Everyday" (2002) el que tiene un sonido más elaborado y definido, expresión y fuerza, tiene alma. Sus temas están llenos de profundidad, con desarrollos muy progresivos y al mismo tiempo rompedores, y con unas melodías de aparente sencillez. Un disco muy recomendable.
Desde el primer tema del disco, el sensual y aplastante All that you give (con la colaboración de Fontella Bass), pasando por el retrospectivo Man with the movie camera hasta acabar con la penetrante Everyday, donde el contrabajo lleva la voz cantante.
The Cinematic Orchestra compusieron música para acompañar una película/documental soviética de 1929 traducida en España como "El hombre con la cámara", y la interpretaron en directo en 2001 con la proyección de la película. Publicaron el disco con la música, "Man with a movie camera", y posteriormente modificaron algunos elementos, incluyendo algunas de estas nuevas versiones en "Everyday".
All that you give y Man with a movie camera.
Relájense y disfruten.
The Whitest boy alive es un cuarteto berlinés liderado por el cantante Erlend Oye (también líder de Kings of convenience, más popis-blandos-empalagosos). Aunque al principio comenzaron como un proyecto de música electrónica, acabaron haciendo todo lo contrario: música acústica con guitarra, batería, piano rhodes, bajo y voz. Crean un ambiente ensoñador que conmueve y remueve durante su escucha.
Su disco "Dreams"(2006) es una gran muestra de cómo hacer temas de carácter bailable pero que resultan intimistas y delicados al mismo tiempo. Ritmos sencillos y líneas simples sostenidos por un discreto aunque profundo bajo, y una voz que desprende cierta nostalgia e inocencia en su timbre.
Un carácter evocador que se aleja totalmente de complicaciones virtuosísticas para mostrar la belleza de la sencillez y cómo ésta puede movernos con gran ímpetu.
Temas como Burning, Golden cage, Figures, Fireworks, Inflation... Bocanadas de aire fresco que hacen honor al título del disco, "sueños".
Su segundo disco y último hasta el momento, "Rules" (2009) no me ha atrapado tanto, y aunque mantiene gran parte de esa delicadeza bailable, sus temas no tienen tanta fuerza como los anteriores ni el conjunto de éstos es tan equilibrado.
Os dejo como muestra el vídeo original (e inquietante) de Golden cage y el de Fireworks.
¡Que viva el 'trasteo' guitarrero!
La televisión de fondo y, de pronto, escucho Larks' tongues in aspic, magnífico tema de King Crimson, pero con un sonido muy diferente al original. Levanto la vista y me encuentro con una escena de una violación, mientras continúa sonando un calco de este tema. Es la película francesa "Emmanuelle", de 1974.
He buscado información sobre este asunto y parece que los autores de la banda sonora de la película, Pierre Bachelet y Hervé Roy, se acreditaron la autoría del mismo, por lo que Robert Fripp, compositor del tema para King Crimson, los denunció y ganó el juicio.
Según dijo el propio Fripp en una entrevista de aquellos años:
“Dos personas me hablaron del parecido. Una fue el bajista de King
Crimson, John Wetton, y el otro fue Richard Williams. Así que me fui a
un cine a Leicester Square en Londres y lo grabé. La película me pareció
bastante aburrida, pero me di cuenta que cada vez que había una escena
de sexo allí aparecía “Larks’ Tongues in Aspic, Part Two”. [...] Así que demandamos a sus autores. Parece ser que los compositores habían
estado trabajando en la banda sonora durante seis meses, y una semana
después de que King Crimson apareciésemos en la televisión francesa
tocando “Larks’ Tongues in Aspic, Part Two” ¡compusieron toda la música!
Todavía me llegan cantidades obscenas de dinero de las reposiciones de
la película en todo el mundo”.
Mi pregunta es... ¿acaso pensaban que no se enterarían? ¿Tanto costaba pedir permiso a Fripp y comunicarle que iban a hacer una versión?
Esto me recuerda al caso de "2001: Una odisea en el espacio" de Stanley Kubrick, donde el director utilizó sin permiso varias obras de György Ligeti. Éste interpuso una demanda por 1 dólar, dejando claro que no era por cuestión de dinero, sino por no pedirle permiso para usarlas en su película. Dicho sea de paso, gracias a la fama que alcanzó la película, Ligeti se hizo mucho más conocido, y además años después Kubrick volvió a emplear música suya (eso sí, con permiso del compositor).
Os dejo con las dos versiones de Lark's tongues in aspic Part 2. No encuentro el audio del disco de King Crimson, así que os dejo con un directo de 1973, y con uno de los temas de la película donde aparece el plagio, Rape Sequence.
No podía dejar de lado a Joe Tex, autor e intérprete de dos de las canciones más sensuales, emotivas y palpitantes que se han escrito nunca: The love you save (may be your own) y I'm a man.
Tex empezó con la música a principio de los cincuenta, pero con un estilo diferente al soul que le caracteriza, más cercano al rock&roll o al r&b. Ya en los sesenta, con la llegada del soul al panorama musical, Tex demostró su talento y musicalidad.
Tras un período de retirada, regresó en los setenta, y aunque algunos de sus nuevos temas fueron relevantes y tuvieron éxito, sus mejores canciones son, a mi parecer, los que hizo una década antes.
Como muchos otros, siempre ha estado en un segundo plano a pesar de dejarnos un gran número de temas de gran calidad: Papa was too, I want to do everything for you, Show me, You got what it takes, One monkey don't stop no show, A sweet woman like you, I gotcha...
Versátil, Tex cuenta con temas movidos, muy rítmicos, vibrantes y bailables, pero también con otros más lentos y sensuales, baladas con mayúsculas. En todo momento destaca su particular voz, rasgada pero melodiosa, junto con esos 'sermones' que soltaba en ciertos momentos instrumentales, que inevitablemente nos recordarán a otro grande del soul, James Brown, aunque en este caso no es muy apropiado compararlos...
¿Por qué? Porque ambos fueron grandes enemigos. Parece que todo empezó porque se culpaban mutuamente de que el otro había copiado sus movimientos en el escenario. Para empeorar las cosas, Brown se fue con la novia de Tex, y durante mucho tiempo se criticaban y burlaban públicamente el uno del otro. De hecho, la situación llegó hasta tal punto que, tras una burla que hizo Tex en un concierto, poco después Brown le disparó en un club. No le hirió, pero sí a varias personas que se encontraban allí.
Escuchamos la deliciosa I'm a man, donde nos cuenta que si fuera una guitarra le gustaría ser tocado por BB.King, y que si fuera una canción le gustaría ser de los Rolling Stones. Y ahí también deja su dedicatoria a Brown: algo así como "si yo fuera una pista de baile, James Brown podría aplastar patatas sobre mí toda la noche".
Espero que tengáis a alguien al lado para bailar bien agarrados... es la canción perfecta para acabar entre besos y sábanas.
Y si os entra la fiebre de baile, aquí tenéis Show me.
Aquí tenemos un grandísimo tema que provoca un torbellino de sensaciones al escucharla: Babe I'm gonna leave you, de Led Zeppelin, quienes la publicaron en 1969 basándose en la versión de JoanBaez de 1962.
A pesar de figurar como canción popular en los discos de ambos músicos, es una composición de los años cincuenta de Anne Bredon, quien años después consiguió los derechos de autor. La canción original no estaba registrada en ningún disco, sino que la interpretó por la radio en los años 60, y posteriormente fue reinterpretada en directo por otra cantante folk, Janet Smith. Fue esta versión la que llegó a oídos de Baez.
La versión de Baez, para voz y guitarra, es melancólica y profunda, pero con un desarrollo demasiado básico y repetitivo y, a mi parecer, con un timbre que acaba saturando demasiado. Led Zeppelin hacen un arreglo más elaborado y auténtico con más contrastes, creando un tema nuevo con identidad propia de más de 6 minutos de duración (en su línea...). En esta re-composición pasan de la calma al frenesí, con la característica fuerza instrumental del grupo, la gran expresividad de la voz de Robert Plant y las líneas evocadoras de la guitarra de Jimmy Page.
Os dejo ambas versiones (no consigo encontrar la grabación del original de Bredon).
Si te gusta el ska enérgico y vibrante no puedes perderte a los Tokyo Ska Paradise Orchestra. Mantienen un sonido tradicional pero a la vez sorprenden por su originalidad, siempre acompañando cada tema de diversión y buen rollo. Llevan desde finales de los años 80 deleitando con su saber hacer, convirtiéndose así en uno de los grupos de referencia del ska actual, tanto en Japón como en el resto del mundo.
Con más de 10 discos publicados y más de mil conciertos (que se dice pronto...) tienen un amplísimo repertorio donde la gran mayoría son temas instrumentales. De hecho no tienen un vocalista oficial, sino que cantan distintos miembros del grupo y otras veces cuentan con colaboraciones.
Aunque tienen temas originales, gran parte de su encanto proviene de sus particulares versiones de temas conocidos, de standards o de series de televisión.
En 1990 editaron su primer disco, "Ska-para tôjô" (Skapara es como también les conoce mucha gente) y poco a poco fueron llegando a más cantidad de público, hasta convertirse en grupo de referencia del ska en Japón en una época donde no era habitual encontrar allí grupos que buscasen revivir y propulsar de nuevo el ska.
Coincidiendo con la publicación en el año 2000 de su gran disco "Full-Tension Beaters", hicieron una pequeña pero intensa gira por Europa (visitaron nuestro continente por primera vez aquel año), mostrando a occidente la vitalidad y energía de su música.
De entre todos sus temas podría destacar algunos como Russian cowboy, Filmmakers bleed, Vampire, su versión de El Padrino Love theme from the Godfather, Hit the road Jack (mítico tema de Ray Charles), Skaravan (del standard Caravan, fantástica versión que ya hicieron los Skatalites), Pedorazu (Tetris-ska), Tin tin deo (de Dizzy Gillespie), "Sesame street" (como su propio nombre indica, de Barrio Sésamo), Lightening sword, Monster rock, 5 days of Tequila... Y un largo etcétera.
Como muestra de su sonido y de esa visión del ska que combina tradición y novedad, os dejo con su gran version de The Godfather y con el enérgico Filmmakers bleed.
¡Despeja tu salón y a saltaarrr!
Si hablamos de instrumentos empleados en el jazz, pocas veces (o ninguna) pensamos en el arpa como uno de ellos. Aunque ha habido y hay más músicos que lo han empleado dentro del género, Dorothy Ashby fue una de las pioneras (y también tocaba otros instrumentos, como piano, saxo y contrabajo).
En los años 50 empezó a vincular el arpa al jazz como nadie lo había hecho hasta el momento, convirtiéndose posteriormente en una referencia e influencia para muchos.
En su afán de exploración y búsqueda de nuevos sonidos fue adaptando el arpa a diversos estilos musicales, descubriendo nuevas posibilidades gracias a su visión innovadora y su creatividad.
Al principio resultaba complicado tocarlo con otros músicos de jazz que se mostraban reacios a incluirlo, ya que todavía estaba muy vinculado la música clásica. Pero más adeltante mantuvo una gran actividad musical: dio numerosos conciertos, grabó 11 discos como líder y colaboró como músico de sesión en discos de artistas de diversos estilos, como Bill Withers, Stevie Wonder o Freddie Hubbard.
En su discografía podemos escuchar el arpa en contextos muy distintos, moviéndose en géneros y sonoridades variadas pero siempre con elegancia y versatilidad. Por poner algunos ejemplos, encontramos discos como "Hip hard" y "In a minor groove" (ambos de 1958). Intimistas, apacibles y con un aporte muy personal al mundo del swing. Ambos demuestran cómo instrumentos delicados (junto al arpa, la flauta de Frank Wess) se adaptan a la perfección al sonido más jazzístico.
En 1968 creó el fascinante "Afro harping", donde podemos escuchar una fusión de soul, jazz, funk e incluso psicodelia. Un disco donde cada tema es atrapante e hipnotizador. Personalmente, lo mejor de Ashby.
Dos años más tarde sorprende con el exótico "The Rubaiyat of Dorothy Ashby", con sonoridades e instrumentos orientales, como el koto japonés (interpretado también por ella) o la kalimba.
Así, Ashby estuvo en constante evolución y renovación, enfrentándose a los prejuicios musicales que originó inicialmente su instrumento para conseguir crear músicas muy diversas que vibraban en sintonía con estilos y músicos diferentes.
Como ejemplo de este sonido tan especial, os dejo con Soul vibrations, hipnótico y sensual tema que sirve de introducción en "Afro harping", y con el tema que da nombre al álbum.
¿Cómo? ¿Qué el arpa es aburrido...? ¡Escucha esto!
Anita O'Day es una de las mejores voces del jazz. Y no por su técnica vocal, sino por su cálido y particular timbre, sus fraseos y sentido del swing, su sensual musicalidad... Supo adaptarse a las dificultades del bebop del momento, improvisando y siendo una de las referentes del scat (una buena muestra es Hershey bar, donde hace solis y cuatros con los vientos, algo que no hacían muchas cantantes de jazz). Como curiosidad, de pequeña le extirparon la campanilla por error junto a las amígdalas, por lo que no podía mantener frases largas con vibrato.
Consiguió llegar a lo más alto desde lo más bajo. En sus primeros años actuando, cambió su apellido Colton por O'Day, que en argot significaba 'pasta', dinero, lo que ella esperaba conseguir para salir de la pobreza en la que vivía con su familia.
Años después, cuando actuaba en un club de jazz, se fijo en ella el batería Gene Krupa (muy conocido por su toque de timbales en Sing, Sing, Sing, con la orquesta de Benny Goodman) y la invitó a cantar con su recién creada Big Band. Esta unión musical dio fama tanto a la agrupación como a ella, interpretando juntos numerosos éxitos a principios de los años 40.
Anita dejó bien claro que no era un cantante "de adorno", sino que funcionaba como un músico más. Llegó incluso a cambiar la vestimenta típica de las divas del jazz hasta el momento: sustituyó los largos vestidos de gala por una chaqueta, como el resto de los músicos, y con faldas que mostraban sus piernas. La Big Band de Krupa mantenía el estilo de swing clásico: temas con estructuras sencillas, ritmos y melodías sin complicaciones, siguiendo con la tradición de música para bailar: Just a little bit south of North Carolina, Thanks for the boogy ride, How do, Georgia on my mind, That's what you think...
Después de estar con Krupa cantó con otras Big Bands, como la de Stan
Kenton en 1944, quien interpretaba temas nuevos con algo más de riqueza rítmica y melódica, y estructuras moderadamente más complejas donde Anita podía mostrar mejor sus cualidades, convirtiéndose en referencia para futuras cantantes y favorita de muchos músicos. Y lo mejor estaba por llegar...
Dejaron temas como I'm going mad for a pad, Ride on, Tabby the cat, In a little spanish town o Are you livin' old man.
Tras la publicación y éxito de su primer disco en 1955 "This is Anita" (que además fue el primero del sello Verve), comienza una etapa de numerosas grabaciones en pequeñas agrupaciones y con otras Big Bands, la mayoría en la misma discográfica. Su actuación en el Festival de Jazz de Newport en 1958 le dio a conocer en todo el mundo, ya que quedó plasmada en la película documental que se grabó allí esos días, "Jazz on a Summer's day".
Desde mi punto de vista, hay dos discos que contienen los temas de mayor calidad y donde Anita realmente despliega todas sus facultades e impregna cada tema con su toque especial. Uno es junto a Billy May: "Anita O'Day swings Cole Porter" (1959). Grandes arreglos que dan una identidad propia a estos temas, saliéndose de su típico desarrollo y a los que se suma la personalidad musical de Anita. Contiene auténticas joyas: Love for sale, All of you, Just one of those things, I get a kick out of you, I've got you under my skin, It's de-lovely, You're the top, You'd be so nice to come home to, From this moment on...
El otro disco es del mismo año, "Cool heat: Anita O'Day sings arrangements by Jimmy Giuffre". También estupendos arreglos que dotan a estos standards de un color especial, y que son interpretados por grandes músicos como los saxofonistas Bud Shank y Art Pepper o el guitarrista Jim Hall.
Hershey bar, Mack the knife, Gone with the wind, The way you look tonight, Come rain or come shine o My heart belongs to daddy son algunos de los temas del disco.
Pero la vida que llevaba Anita era un torbellino: enganchada al alcohol, posteriormente en su intento de dejarlo se volvió adicta a la heroína, fue detenida por posesión de marihuana... Tuvo un parón musical durante los años sesenta, en los que se sometió a un tratamiento de rehabilitación y tras la cual volvió a estar en activo hasta los 86 años (ya con la voz desgastada y deteriorada).
Para que la veáis en acción, con su talento y picardía, os dejo con las versiones de Easy to love y All of you, ambas del maravilloso Cole Porter y con los arreglos del Sr. May.
de Love for sale junto a la Big Band japonesa All-Star Orchestra, en directo en Tokyo en 1963, y con You're the top, con los estupendos arreglos del Sr. May.
The Music Machine es uno de esos grupos que, aunque en su momento no tuvo el reconocimiento que merecía, posteriormente fue redescubierto por los amantes del sonido garage y psicodélico y finalmente muy valorado, aunque décadas más tarde.
En los años sesenta, los componentes de un fugaz grupo llamado The Ragamuffins se juntaron con otros músicos hasta formar en 1966 The Music Machine. Su sonido era una novedosa mezcla de garage y psicodelia, a veces con ciertos toques pop. Una atmósfera oscura donde destaca la singular voz de Sean Bonniwell (compositor de la mayoría de los temas), los teclados con aire fantasmagórico y la distorsión.
Cuando ya contaban con un sonido personal característico, el grupo decidió buscar una estética propia que les diferenciara de las demás bandas del momento, adoptando así un peculiar aspecto: vestían completamente de negro (la batería y los amplis también pintados de negro), todos peinados con el mismo pelo al más puro estilo playmobil, y cada uno con un solo guante negro (...toma ya...).
Su tema Talk talk fue el primero (y único) en conseguir ser un gran éxito, a pesar de ser menos contundente y menos aplastante que muchos otros del grupo. Poco después de este éxito, editaron su primer disco, "Turn on" (1966) que tuvo pocas ventas.
Al año siguiente la formación cambió casi por completo, ya que solo permanecía Bonniwell como miembro original, y fue rebautizada como Bonniwell Music Machine. Publicaron su segundo disco, "Bonniwell music machine" (1967), que contiene temas grabados con la primera agrupación y otros con la nueva de ese momento. También tuvo poca repercusión y acabaron disolviéndose dos años más tarde, dejando así un legado de buenas canciones que vieron la luz en un brevísimo período de tiempo, pero que no fueron valoradas hasta tiempo después.
En las dos últimas décadas, gracias a su redescubrimiento, se han editado recopilatorios con muchos de sus temas y con material inédito.Buenos temas como Double yellow line y Mother nature-Father earth(cuyos audios os enlazo hoy), The eagle never hurts the fly, Absolutely positively, Everything is everything, Unca tinka ty, Bottom of the soul, Somethin' hurtin' on me, Talk me down oIn my neighborhood. A pesar de que de un año a otro los componentes cambiaron prácticamente por completo, se mantiene su identidad sonora gracias a la particular y poderosa voz de Bonniwell y su sello creativo en sus composiciones.
La versión más conocida de Alabama song(también llamada Whiskey bar o Moon of Alabama) es la que realizaron los Doors en 1967, una estupendísima versión que además no dista demasiado del estilo propio del grupo, pudiendo pasar por composición de Morrison y compañía.
Pero la original es del compositor Kurt Weill, con letra del escritor Bertolt Brecht, nada más y nada menos que 40 años antes.
Apareció por primera vez en "Mahagonny songspiel" (o "El pequeño Mahagonny", una obra de 1927 para voces y pequeña orquesta), y Weill volvió a utilizarla en 1930 para la ópera "Ascenso y caída de Mahagonny", también con libreto de Brecht.
La esencia de la canción está perfectamente captada en ambas versiones, con un aire decadente, muy cabaretero y desvergonzado, propio tanto del compositor como del grupo.
Numerosos grupos la han versionado, entre ellos David Bowie.
Me alegra haber encontrado la original de Weill cantada por Lotte Lenya (quien, por cierto, estaba casada con él). Ella fue la primera en interpretar la ópera, y su peculiar voz encaja perfectamente con el carácter que necesita, además del marcado acento alemán. La obra se cantaba en inglés (aunque el resto de la ópera estaba en
alemán), interpretada por la prostituta Jenny y sus compañeras.
La versión que os enlazo de Lenya es de finales de los cincuenta, muy posterior al estreno.
Normalmente en las obras de Weill las melodías no están pensadas para cantantes de ópera, sino que están escritas principalmente para ser interpretadas por actores más que por cantantes, dando una mayor importancia a la expresión y no a la técnica vocal.
Show me the way to the next whiskey bar! (Oh don't ask why...)
TV on the Radio es uno de esos grupos que dejan huella. Su sonido tan particular, en cierto grado experimental y difícil de definir, es el resultado de una mezcla de diversos estilos, tales como rock, soul o electrónica. No hay grandes desarrollos en sus formas, ni estribillos pegadizos, sino una combinación de ideas y texturas que van creando una atmósfera única, con una sección rítmica a menudo hipnótica, dando lugar así a un sonido que se aleja claramente de lo comercial.
El grupo surgió en 2001 en Brooklyn (Nueva York) como dúo, hasta convertirse en quinteto: voces, electrónica, teclado, guitarra, bajo y batería. La parte vocal juega un papel importantísimo en el grupo, siendo un eje fundamental en la identidad del sonido del grupo, doblando las líneas melódicas para aportar riqueza tímbrica, y con coros en falsete que en momentos llegan a recordar al doo-wop de antaño.
Su primer disco (después de haber editado un Ep, en el que versionaban Mr. Grieves, de los Pixies, y de publicar otro single tremendo, New health rock) fue el grandísimo "Desperate youth, blood thirsty babes" (2004), donde dejaron plasmado su sello personal, lleno de enigmáticas e inquietantes atmósferas y juegos vocales. Encontramos temas imperdibles tales como The wrong way, Staring at the sun, Dreams, Don't love you o Wear you out.
Dos años más tarde vio la luz su segundo disco, "Return to cookie mountain", otra fantástica muestra de lo que estos chicos saben hacer. Continúa la lista de grandes canciones que contienen esa identidad sonora: I was a lover, Blues from down here, Hours o Dirty whirlwind.
Personalmente considero estos dos discos como unas de las grandes joyitas de esta primera década, y por ello os los recomiendo sin lugar a dudas.
"Dear science" (2008) en cambio no me conquistó demasiado. Con unos temas más bailables y podría decirse que más comerciales, se alejan del sonido inicial del grupo. Esto no quiere decir que sea un mal disco, pero en él hay una pérdida de la esencia de TV on the Radio y con ello una gran desilusión. En cualquier caso, quizá a vosotros os llegue de otra manera...
Os dejo con Hours y Wear you out. ¡Bocanada de aire fresco!
Polly Jean Harvey es una de las figuras más importantes de la música alternativa de los 90, y aún hoy sigue en activo y en plena forma (de hecho, acaba de sacar un disco hace unos meses). Para mí es un clarísimo ejemplo de evolución musical, con unos primeros discos cuyo sonido difiere mucho de su música más reciente.
"Dry"(1992) y "Rid of me"(1993) se presentaban con un sonido más sucio y duro, cercano al noise, siempre dentro de la escasez (o llamémosle sencillez) instrumental, y con una voz rasgada y a veces casi paródica cuyas letras hablan de sexo, amor, religión, feminismo... Son discos que no calan con igual facilidad que otros de los suyos, pero que contienen varios de sus grandes éxitos.
En esos años sus compañeros abandonan el grupo y PJ comienza su carrera en solitario, acompañada de buenos músicos (como Mick Harvey o su mano derecha John Parish). Y es entonces cuando edita los que para mí son sus mejores discos de su carrera: "To bring you my love"(1995), "Is this desire?" (1998) y "Stories from the city, stories from the sea"(2000). Discos más definidos y elaborados, con temas que demuestran cierta elegancia pero que mantienen al mismo tiempo ese carácter sucio, lleno de rabia y descaro, que le ha acompañado durante su trayectoria.
Desde ese momento, ha sacado 3 disco más de estudio, el último este mismo año, en los cuales su estilo sigue evolucionando y sorprendiendo con nuevos matices. "Uh huh her"(2004, retomando el aire de sus comienzos), t"White chalk" (2007, muy intimista) y este año "Let England shake" (de nuevo, sorprendiendo al romper con esquemas estilísticos).
Personalmente, hay uno de sus discos que muestra lo que, para mí, fue un punto y aparte en la trayectoria de PJ Harvey, una segunda etapa: "Is this desire?". Un disco con el que sorprendió muy gratamente, subiendo un escalón en cuanto a calidad musical y creatividad. Con una producción más refinada, temas más elaborados y con un mayor uso de electrónica, envueltos por texturas íntimas y en cierto grado oscuras, están dirigidos por una voz que también suena diferente a como lo había hecho hasta el momento.
La primera vez que lo escuché cuando acababa de salir al mercado, quedé fascinada. Me decía a mí misma: '¿Esta es PJ Harvey? ¿La de "Rid of me"?'. No podía creerlo, sonaba muy distinto a su anterior música y a lo que se estaba escuchando ese año. A día de hoy, resulta agradable recuperarlo y sumergirse en él de nuevo.
En este caso también es complicado escoger un tema de este disco, ya que cada uno tiene carácter propio a pesar de contener elementos comunes. Una buena muestra de este disco son The garden y A perfect day Elise, dos de las joyas de PJ Harvey.
Un tema que ha sido versionado manteniendo fielmente el estilo original pero sin renunciar a la identidad del propio grupo (que encaja perfectamente con esta canción) es Love rollercoaster.
La versión original es de Ohio Players, grupo funk que tuvo un gran reconocimiento en los años 70 (aunque se habían formado más de diez años antes). El tema está incluído en "Honey" (1975), y tanto el disco como el propio tema atrajeron una gran polémica debido a un grito que se escucha durante la canción. Surgió una leyenda urbana que afirmaba que el grito pertenecía a la modelo de la portada mientras estaba siendo asesinada por su mánager en el estudio durante la grabación de este tema (supuestamente le había pedido una indemnización por unas quemaduras que le había provocado la miel en el cuerpo). Aunque finalmente reconocieron que no era cierto, el grupo no lo desmintió en su momento porque, como decían, esa publicidad les estaba haciendo ser más conocidos y vender más discos.
Red Hot Chili Peppers hicieron una versión de este tema en 1996 para la banda sonora de la película "Beavis & Butt Head recorren América". Incluyen una parte rapeada que no aparece en la original, sustituyen la sección de vientos de manera muy original con unos kazoos, y dan un toque más rockero, aunque con la esencia funk. En el videoclip aparecen los miembros del grupo convertidos en dibujos junto a estos dos míticos personajes.
A día de hoy son muy pocos los que no han oído hablar de Pearl Jam. Este grupo, que surgió hace 20 años en Seattle y que aún sigue sacando material nuevo, es uno de los más importantes e influyentes de la música alternativa, y han sido catalogados desde sus inicios dentro del grunge, aunque su sonido siempre ha sido algo distinto a éste. Pearl Jam suenan más 'limpios', más depurados, con un estilo más cercano al rock clásico e incluso por momentos folk. Sus melodías rebosan identidad propia gracias a la voz de Eddie Vedder, que en su amplio registro es capaz de parecer dulce y áspero al mismo tiempo, siempre con ese punto de sensibilidad y dolor.
Surgieron de las cenizas de un grupo llamado Mother Love Bone tras la muerte de su cantante, Andrew Wood. Pearl Jam comenzaron como trío, formado por los guitarristas Stone Gossard y Mike McCready y el bajista Jeff Ament. Grabaron una maqueta y comenzaron a buscar un batería fijo para el grupo, y cuando la cinta llegó a las manos de Eddie Vedder (que había cantado anteriormente en otro grupo llamado Bad Radio), grabó la voz a varias canciones, se las enseñó y el grupo quedó tan satisfecho que fue así ampliado a cuatro miembros, con Vedder en la voz.
Mientras grababan su primer disco, aún sin nombre de grupo, participaron en el tributo a Wood, un proyecto creado por Chris Cornell (futuro cantante de Soundgarden y Audioslave) que tomó el nombre de Temple of the dog.
Poco a poco se fue gestando lo que sería más adelante Pearl Jam, con una formación que se ha mantenido estable, excepto por el batería, que ha cambiado varias veces durante su trayectoria.
En 1991 salió a la luz su primer disco, "Ten", que tras recibir una cálida acogida hizo que entraran a formar parte del círculo de los grupos grunges del momento: Nirvana, Alice in Chains, Soundgarden, Screaming Trees.... Dos años más tarde sacaron "Vs", un grandísimo disco que muestra un ligero cambio con respecto al primero.
En 1994, un año donde la música alternativa, y en concreto el grunge, estaba viviendo un momento de cierta incertidumbre y atención especial (debido principalmente al fin de Nirvana tras la muerte de Kurt Cobain), Pearl Jam sacó un nuevo disco, "Vitalogy", otra joyita del grupo con toques más duros que los anteriores. Fue editado inicialmente solo en formato de vinilo, y poco después en cd, en una edición digipack de cartón impecable.
Continuaron sacando discos cada poco tiempo, siempre sorprendiendo con sus ligeros cambios de estilo dentro de una rica evolución musical. "No code" (1996), "Yield" (1998, donde se aprecia un cambio mayor camino a la madurez), y en 2000 los dos discos "Binaural" y "Riot act".
Han continuado editando más discos hasta la fecha: "Lost dogs" (2003, con rarezas y caras-b), el homónimo "Pearl Jam" (2006) y en 2009 "Backspacer". También pueden encontrarse álbumes de directos, trabajos para bandas sonoras, colaboraciones de Vedder con diversos artistas...
Hablar de cada uno de los discos de Pearl Jam con detalle exige una gran cantidad de tiempo y espacio, así que resumamos. Para mí, hay tres discos fundamentales que recomiendo escuchar para entender al grupo: "Vs", "Vitalogy" y "No code". Prácticamente en sus inicios, y con pocos años de diferencia entre uno y otro, nos dejan una gran cantidad de temas que se han convertido en esenciales de la música alternativa de los 90, temas tranquilos y melódicos que conviven con otros más agresivos y potentes (dentro de la 'sutileza' del grupo).
Smile, W.M.A, Daughter, Animal, Indifference, Sometimes, Satan's bed, Elderly woman behind the counter in a small town, Dissident, Do the evolution, Tremor Christ, Last exit, Luckin, All or none... Y la lista sigue y sigue...
Me decanto por Do the evolution, con su alucinante videoclip que lanza una critica a la naturaleza violenta del ser humano, y Sometimes, delicadeza evocadora.
Tras mi reciente visita al 46 Festival de Jazz de San Sebastián, me he quedado con un excelente sabor de boca al haber descubierto grandes músicos (algunos de ellos con años de andanza a sus espaldas, pero que yo desconocía), sobre todo buenísimos bateristas y bajistas, que además de una indudable técnica mostraban una enorme creatividad.
Los músicos que sin duda más me llegaron e impactaron del festival fueron Medeski, Martin & Wood. John Medeski (teclados, con Hammond, sintetizadores y melódica), Billy Martin (batería) y Chris Wood (bajo y contrabajo) son un trío que se formó a principio de los 90 y cuyo sonido va más allá del jazz conocido como tal, mezclando soul, funk, electrónica, toques del acid-jazz propio de los 60 y el jazz más rockero de los 70, con improvisaciones llenas de experimentación. Una mezcla explosiva que hacen que este sonido sea tan diferente y envolvente (y claro, es que son veinte años tocando juntos...).
Me conquistaron con su directo, formando un quinteto para la ocasión junto con los componentes de Soul Bop: Bill Evans (saxo, no confundir con el mítico pianista) y Randy Becker (trompeta).
Juntos hicieron que la aproximadamente hora y media de concierto fuese memorable e inigualable, a pesar de estar acompañados por la lluvia al aire libre en la plaza de la Trinidad (eso sí, la organización nos proporcionó unos chubasqueros que nos salvaron de acabar completamente calados). Pero como digo, sin duda valió la pena. ¡Y tanto! (sobre todo después del soporífero concierto que dio John McLaughlin...).
Groove potente y contagioso, a menudo cercano al boogaloo, junto con unos vientos que enriquecían cada tema con sus líneas y solos llenos de carácter y creatividad.
Adentrándome en su música, he escuchado solamente parte de su discografía, ya que hasta la fecha cuentan con 14 discos como trío además de un impresionante disco con John Scofield que merece un post aparte: "A gogo".
Para que podáis deleitaros con lo que hicieron estos chicos en el Festival, os dejo con uno de los temas que disfrutamos para que los podáis gozar vosotros también: Cool Eddie, original de Bill Evans.
