Estas últimas semanas el clima general está siendo más político que de costumbre, sobre todo por el movimiento del 15M en la Puerta del Sol. Así que he decidido hablaros de un grupo cuyas letras y actitud abordan temas muy políticos y sociales (antiglobalización y anticapitalismo, guerra, pobreza, derechos...).
Ellos son Rage Against the Machine, un grupo formado en 1990 por Zack de la Rocha (voz) y Tom Morello (guitarra) junto a Tim Commerford (bajo) y Brad Wilk (batería). Cada uno hace un aporte estilístico propio cuya mezcla hicieron posible el particular sonido de RATM, mezcla de rock, hiphop, hardcore, punk, funk... que supuso un antes y un después, marcando un estilo que siguieron numerosos grupos.
De la Rocha (que en sus conciertos siempre hacía discursos político-sociales) tomó el nombre 'Rage Against the Machine' de un tema que tenía con su anterior grupo punk/hardcore, Inside Out (que además iba a ser el título de su segundo disco).
Parte de la marca RATM es su particular forma de cantar, combinación de rapeo con potentes gritos desde lo más profundo de sus entrañas y llenos de sentimiento. Morello, excelente guitarrista, aporta al grupo una parte fundamental a ese característico sonido gracias a su amplia paleta de sonidos, efectos sonoros y uso de pedales, simulando muchas veces un scratcheado con la guitarra. Commerford con sus líneas llenas de identidad, siempre con dedos, usando técnica slap en el primer disco (¡bajistas, olvidad las púas!). Y los ritmos enérgicos y muchas veces funk de Wilk con la batería. Esta fantástica mescolanza hicieron posible el sonido RATM.
Antes de grabar su primer disco ya habían realizado muchos conciertos y participado en giras, incluso como teloneros de Porno for Pyros o Suicidal Tendencies. Fueron descubiertos por un busca-talentos en uno de sus conciertos y firmaron con una discográfica.
En 1992 sacaron su primer disco, "Rage against the machine", el cual influyó en numerosos grupos posteriores de los 90. Este disco emana creatividad y lo que por entonces era un estilo bastante novedoso, con un estupendo ensamblaje de elementos musicales muy diversos. Contiene temazos como Bombtrack, Wake up, Killing in the name o Fistfull of steel.
En 1995 el grupo se tomó un descanso, ya que estaban teniendo dificultades para trabajar juntos. Al parecer habían estado tocando en tantos conciertos que no habían tenido tiempo de conocerse más en profundidad, y aunque intentaban trabajar juntos, se dieron cuenta de que ya no podían (quién lo hubiera dicho...). Tras este período de descanso sacaron en 1996 su magnífico disco "Evil empire", uno de los grandes discos no solo de RATM, sino de la historia. Marcó un antes y un después en todos los que lo escuchamos, con temas tan potentes e imprescindibles como Bulls on parade, Vietnow, People of the sun, Tire me, Revolver o Born without a face. Ninguno de los 11 temas que lo componen tiene desperdicio.
Tras la edición de este disco se tomaron otro descanso y durante un tiempo estuvieron haciendo solamente conciertos (algunos de ellos benéficos o colaboraciones). Finalmente, en 1999 aparece "The battle of Los Angeles", un buen disco aunque con un sonido diferente. La esencia es la misma, pero parece algo más 'refinado', falta un sonido de guitarra con más personalidad y presencia, como había ocurrido en los dos discos anteriores.
Un año después, De la Rocha comunicó que iba a abandonar el grupo debido a la falta de ideas creativas y a la dificultad para trabajar juntos, algo que llevaban arrastrando tiempo, editando el que sería su último trabajo juntos, "Renegades", un disco de versiones donde plasman su rabia y energía característica. Es un ejemplo fabuloso de cómo conseguir convertir en propio un tema ajeno, ya que los impregnan de su propio sello, mucho más allá de hacer una mera versión. How I could just kill a man de Cypress Hill, Beautiful world de Devo, Maggie's farm de Bob Dylan, Street fighting man de los Rolling Stones... y otros tantos más que emanan su particular sonido.
Tras el abandono de De la Rocha, los demás integrantes del grupo formaron Audioslave junto a Chris Cornell (cantante de Soundgarden). El sonido del grupo puede parecer algo similar al sonido RATM (obvio, son los mismos instrumentistas) pero con una voz muy diferente, llena también de potencia y con un amplio registro vocal. Audioslave se mantuvo en activo hasta hace poco, 2007, fecha en la que RATM han vuelto a aparecer en conciertos tocando juntos.
Los Rage realizaron numerosos actos de protesta y de solidaridad con movimientos reivindicativos sociales y musicales, por lo que han sido censurados en numerosas ocasiones. Un ejemplo de protesta muy notado fue en el festival de Lollapalooza de 1993, en contra del PMRC (Parent Musical Resource Center, los autores de la etiqueta que aparece en algunos discos con la indicación 'Parental Advisory', 'Aviso de los padres, contenido explícito'). Aparecieron desnudos sobre el escenario con unas cintas adhesivas en sus bocas y las iniciales del PMRC escritas sobre sus pechos; así estuvieron durante casi 15 minutos.
Entre las numerosas situaciones de censura que han sufrido, están los ejemplos de su visita al famoso Saturday Night Live de la NBC (cuando les hicieron abandonar el edificio tras intentar colocar banderas estadounidenses boca abajo, como habían hecho otras veces) o en una entrega de premios de la MTV en el 2000 (donde Commerford interrumpió el discurso de sus odiados Limp Bizkit subiéndose a una parte muy alta del decorado que había tras el grupo, después de que ganaran el premio al mejor video de rock, al que RATM también estaban nominados). Han sido objeto de crítica al haber quemado la bandera americana en concierto, e incluso las emisoras de radio estadounidenses censuraron sus temas tras el atentado del 11S porque 'alentaban el antipatriotismo'...
Como muestra del sonido rabioso, potente y lleno de carácter, os dejo con Vietnow, un tema en contra de las emisoras de radio de derechas ('fear is your only god on the radio', 'shut down the devil sound'...) y Down Rodeo, una crítica a la diferencia entre ricos y pobres.
¿Qué decir del primer videojuego de la saga Silent Hill, para Playstation? Una de las grandes joyas de los videojuegos: angustioso a la vez que delicioso, oscuro, enigmático y tormentoso que consigue mantenernos en tensión constante, y que además está acompañado por una magnífica banda sonora que capta y transmite a la perfección la estética e intención del mismo.
La saga, producida por Konami, está formada por numerosos títulos (yo ya he perdido la cuenta...), y toda su música está compuesta por el japonés Akira Yamaoka, que empezó a trabajar para Konami como diseñador y se puso casi por casualidad con esto de la composición, al ofrecerse para componer la banda sonora de Silent Hill cuando la compañía estaba buscando músicos (el resultado: fabuloso). También realizó los efectos de
sonido, los cuales son igualmente geniales, con un poder de sugestión
tan potente que hacen que mientras juegues estés completamente alerta y
bajo una tensión constante.
Los tres primeros juegos son buenísimos, y muy en especial el primero (aunque para
algunos, a día de hoy los gráficos puedan parecer demasiado anticuados, simples y pixelados) es un fantástico juego que te provoca desde el principio -ese
callejón...- una sensación angustiosa y desesperante que acompaña una estupenda trama. Es un clásico obligado, que ademas cuenta con finales alternativos. 1999... buf... qué rápido pasa el tiempo...
Esta banda sonora acompaña a la perfección el siniestro ambiente del juego. Entre los más de 40 cortes que contiene el primer Silent Hill,
encontramos muchos que tienen un sonido tan duro y puro que parecen
directamente ruidos de máquinas, tormentosos e
inquietantes, que durante el juego hacen incluso dudar de si estamos
escuchando los efectos de sonido o es un tema musical. Una combinación
magistral que, literalmente, pone los pelos de punta. Música angustiosa pero que no deja de ser melancólica y por momentos delicada, con ese color deprimente que le acompaña siempre y llegando a sonar en momentos bastante trip-hopera.
Hay dos temas que destacan por encima de los demás. Uno es el tema principal, Silent Hill, que acompaña la presentación del juego arrancando con una melodía con trémolo de mandolina, y en todo su desarrollo con ruido de vinilo de fondo.
El otro es el magnífico Killing time (siempre tengo la duda de si significará "Matando el tiempo" u "Hora de
matar", aunque lo segundo cuadra más con el juego...).Éste aparece en el juego de forma inminente (y agradecida) cuando POR FIN te
lo pasas (al menos, cuando te pasas el 'final bueno' [si no te lo has pasado no leas esto y salta de párrafo] con Harry corriendo entre el
fuego con su bebé en brazos. Recordemos que hay otros finales, como el
complicadísimo de los extraterrestres, acompañado de una música bastante... bueno... eh... en fin, ¿lo recuerdas? Pues
sigamos.
Os dejo con Killing time, que sorprende nada más empezar, con una guitarra al más puro estilo spaguetti western, algo desafinada y sucia, que nos evade totalmente durante su escucha. Es uno de esos temas que se quedan grabados para siempre. Obviamente tiene que ver con el contexto en que se ha escuchado la primera vez, durante el juego, pero aún escuchándola de forma aislada llega a fascinar igualmente. Al menos a mí me ocurre esto... ¿y a ti?
Si pensamos en un cuarteto estadounidense de los años 60 que sea principalmente vocal, con un estilo r&b pero blancos y con voces en falsete como característica principal, probablemente nos venga a la cabeza el nombre de Beach Boys. Y es que ellos lideraron el panorama americano del sonido vocal pre-beatle, pero no estaban solos, ya que había otro grupo cuyos temas tuvieron éxito en su época y cuya calidad no puede ignorarse.
Son los Four Seasons, liderados por Frankie Valli. Un cuarteto con un sonido doowop, r&b y soul que contaba con una excelente combinación de voces (como en muchos de esos años y la década anterior) y cuyos miembros eran al mismo tiempo instrumentistas.
Surgieron a mediados de los años 50 bajo el nombre de The Variations y posteriormente Four Lovers (vaya tela con el nombrecito...). En esa época editaron varios temas que no consiguieron tener apenas éxito, pero tras algunos cambios en la formación del grupo (siempre con Frankie Vallie como voz principal) pasaron a llamarse Four Seasons, y comenzaron a sacar esos grandes temas que aún hoy siguen sonando, tanto las versiones originales como covers posteriores de otros grupos. También podemos encontrar alguna grabación del grupo bajo el pseudónimo de Wonder Who.
Son autores de numerosos temas inolvidables, muchos de ellos bien conocidos, como Big girls don't cry, Walk like a man, Sherry, Beggin, Bye bye baby goodbye, Ronnie, Dawn (go away), C'mon Marianne o Working my way back to you, además de haber hecho grandes versiones de temas de la época, como la de Stay, cuya versión es la más conocida (porque no, no es la original...).
En 1968 hay algunos cambios en la formación y el grupo pasa a llamarse Frankie Vallie & Four Seasons. Tuvieron poca relevancia en esos años, hasta que resurgieron en 1970 yendo en dos caminos diferentes, Valli por un lado y los Four Seasons por otro. El último éxito musical de Valli en solitario fue en 1978, cuando participó en la banda sonora de Grease interpretando el tema principal de la película (escrito por uno de los miembros de los Bee Gees).
Como dato peculiar, comentaros que su compañía era la misma que distribuía la música de los Beatles en sus comienzos, el sello Vee Jay (los Four Seasons fue el primer grupo de la discográfica que no era negro) y es curioso que editaron un álbum conjunto con los mayores éxitos de cada uno, titulado "Four seasons versus the Beatles", en cuya portada aparecía la frase 'You be the judge and jury' ('sé el juez y el jurado').
Voy a poner uno de los temas que más me fascinan de los Four Seasons: Beggin, de 1967.
Han sonado varias versiones en los últimos años: una de un grupo noruego llamado Madcon y otra del Dj francés Pilooski, que más bien es una re-edición del tema ya que no incluye elementos nuevos, solamente manipula el sonido y lo remezcla pero sin deformar ni modificar apenas la original.
Disfrutad de esta delicia, desde su evocador arranque hasta el final, siempre acompañado de un dinámico ritmo al más puro estilo Motown (palmas incluídas). Pertenece a su disco "New Gold Hits", que pese a lo que pueda parecer por el título, no era un recopilatorio de éxitos.
No sé vosotros, ¡pero cada vez que escucho este tema se me revoluciona el corazón!
También os dejo con otro de sus grandes temas, Big girls don't cry, que sin duda habréis escuchado más de una vez. ¡Adorable!
Radiohead es uno de los grandes grupos de finales de los 90 hasta la actualidad. Son en cierto grado experimentales, con sonoridades muy particulares que surgen de una mezcla de rock alternativo, pop, post-grunge, música ambiental y electrónica (sobre todo en sus últimos discos), y cuyos temas tienen muchas veces unos desarrollos rompedores e imprevisibles, siempre con ese toque melancólico que les caracteriza, gracias además a la inigualable y expresiva voz de Thom Yorke.
Este grupo inglés surgió a finales de los 80, comenzando a tocar juntos bajo el nombre On a Friday, y tras terminar sus estudios universitarios retomaron el grupo con más continuidad y ficharon con una discográfica, cambiando su nombre al actual, Radiohead (como uno de los temas de Talking Heads).
En 1992 publicaron "Drill", con una edición limitada, y en el cual aparecían las primeras versiones de temas que desarrollarían posteriormente.Al año siguiente sacaron "Pablo honey", un buen disco de presentación pero que suena demasiado a pop 'blando', sin ese carácter puramente Radiohead. Al principio no recibieron demasiadas buenas críticas, aunque los medios sí reconocieron la calidad vocal de Yorke. En este disco aparece el aclamado (y demasiado exprimido) Creep, que curiosamente pasó inadvertido al principio, e incluso fue retirado de la radio de la BBC por considerarlo demasiado depresivo.
Otros temas de este disco son Anyone can play guitar, Blow out o Inside my head. De pronto, Creep empezó a adquirir mucho éxito y a emitirse en todas partes, lo que les llevó a tocar de un continente a otro. Debido a la presión de este éxito tan repentino y a que la gira se alargó durante casi dos años, estuvieron a punto de separarse. Pero por suerte esto no sucedió, porque lo mejor estaba por llegar: Radiohead eran y son mucho más que Creep.
Tras el Ep "My iron lung" publicaron e 1995 "The bends", un buen disco que fue muy aclamado y cuyo sonido es más maduro que el anterior, con texturas más complejas y una sonoridad en general más 'atormentada' y melancólica. En él encontramos Street spirit (fade out), High and dry, Just o Sulk. Ese año estuvieron de gira con REM, que además habían sido una influencia para Radiohead.
Estuvieron actuando como teloneros de Alanis Morissette para
perfeccionar en directo sus nuevas composiciones antes de grabarlas y tras
los conciertos editaron uno de sus más grandes discos: "OK Computer" (1997). Su escucha es muy recomendable, con composiciones más complejas y elaboradas, más experimentación y mayor riqueza rítmica. Cuenta con fantásticos temas como Karma police, Paranoid android, Let down, Climbing up the walls, No surprises o Lucky. En ese mismo año su tema Talk show host (una cara B) aparecía en la película Romeo+Juliet.
En ese momento, muchos calificaban a Radiohead como el mejor y más importante grupo del momento.
Tras un pequeño período de inactividad durante el cual estuvieron de nuevo a punto de separarse (Yorke admitió haber tenido grandes dificultades para escribir más canciones) empezaron a trabajar en un nuevo disco. Habían dejado el listón muy alto y todos esperaban escuchar su nuevo material. Radiohead sorprendió entonces con "Kid A" en el año 2000, un disco también muy experimental pero con un sonido diferente, mucho más electrónico y minimalista, con la inclusión de instrumentos como las ondas Martenot (utilizado por compositores 'clásicos' contemporáneos, como Messiaen) o instrumentos de cuerda, metales y percusión programada.
Podían haber continuado con su sonido inicial, pero en su lugar prefirieron investigar y, de algún
modo, evolucionar sin perder su identidad. Algunos ejemplos son Idioteque, The national anthem, Morning bell o Everything in its places.
Al año siguiente editaron "Amnesiac", cuyos temas fueron grabados en las mismas sesiones que su disco anterior, por lo que puede considerarse una especie de 'Kid-B'. Es un disco con sonidos también muy electrónicos y con ese aire experimental. I might be wrong, Knives out, Dollars and cents,Pyramid song o una versión de su anterior Morning bell son algunos de los temas.
"Hail to the thief" (2003) suena menos electrónico y en él vuelven a tener más presencia los sonidos de guitarras, en una aparente intención de retomar su sonido inicial (aunque siguen usando las ondas Martenot) y con estructuras más convencionales. Un buen disco pero que no sorprende demasiado, sin temas realmente significativos (son rescatables Sit down Stand up, Where I end, There there o Scatterbrain).
Su séptimo disco salió en 2007, "In rainbows", con temas muy ambientales y mezcla de texturas muy envolventes. Un sonido diferente, pero que al mismo tiempo es atrapante y evocador. Encontramos temas como Jigsaw falling into place, Body snatchers, Nude o Weird fishes.
Este disco fue puesto a la venta mediante internet en formato digital y en cuya compra los usuarios pagaban el precio que creyesen oportuno (más adelante sacaron el cd). Esta novedosa tendencia a la hora de vender un disco fue imitada posteriormente por otros grupos.
Radiohead ha demostrado una actitud muy positiva hacia una distribución no comercial de su música; por ejemplo, en 2010 unos seguidores colgaron en internet un video de un concierto que habían dado en Praga, y Radiohead les proporcionó el audio para este video (y sí, parece que sin nada a cambio...).
A comienzos de este año han sacado "The king of limbs", también para descargar por internet pero ya con un precio establecido, y posteriormente podrá comprarse en distintos formatos. De este disco aún no puedo opinar porque no he tenido el placer de escucharlo. Si alguno lo habéis escuchado y queréis aportar algo, ¡bienvenidos!
Cierro esta entrada con el que considero uno de sus mejores temas: Paranoid android. Una desgarradora y penetrante canción de más de seis minutos donde la originalidad y el contraste no dejan de fluir en ningún momento, manteniendo activo el interés a cada segundo. Es un tema formado por cuatro partes muy distintas (que de hecho están a diferente tempo y en distintas tonalidades), enlazando una con otra de manera magistral. Ellos mismos comentaron que se divirtieron mucho componiendo este tema, jugando a ver cómo enlazaban esas secciones tan distintas.
Su videoclip tampoco nos deja indiferentes: enfermizo, colorido y ácido, realizado por el sueco Magnus Carlsson, autor de la serie de animación Robin (que es el protagonista de este videoclip). Como curiosidad, decir que Radiohead le pasaron a Carlsson solo la parte instrumental pero no la letra, para que no hiciese un video basado en el texto. El resultado es brillante y psicótico: música e imagen extraña y magistralmente combinadas.
Otra curiosidad a cerca del video (triste reflejo del mundo en que vivimos) es que cuando lo emitían por televisión censuraban los pechos de dos sirenas (que, primero, son dibujos, y segundo, aparecen después de que un personaje se ampute los brazos y las piernas...). Durante un par de semanas el encargado de las censuras en la MTV no fue a trabajar por estar enfermo, y estuvieron retransmitiéndolo tal cual es (y como aparece en esta versión que adjunto). A su regreso continuaron con el video censurado, hasta que finalmente se llegó a crear una versión donde las sirenas llevaban bikini. En fin... hipocresía televisiva, como nos tienen tantas veces acostumbrados.
Bueno, pues dicho esto, ¡agarraos porque música y video tienen miga!
No, esto no es un grupo de música. Pero es algo tan fascinante (y ciertamente friki) que no me cabe la menor duda de que forma parte de estos imperdibles: un grito. ¡Tremendo!
Apareció por primera vez en una escena de la película "Tambores Lejanos", donde un personaje da este particular grito cuando es comido por un cocodrilo. Uno podría pensar, "claro, si te muerde un cocodrilo, tiene que ser un grito aterrador, de intenso dolor, inaguantable y desgarrador".
Pues no, este no es el caso. En su lugar tenemos un grito bastante patético y ridículo, muy agudo, que tiene un carácter cómico sin haber sido su intención principal.
Este grito se archivó en las librerías de sonidos de la Warner Bros y dos años más tarde volvió a aparecer en la película "La carga de los jinetes indios", cuando un soldado llamado Wilhelm recibe un disparo de flecha. Décadas más tarde, el técnico de sonido de Star Wars, Ben Burtt, lo redescubrió. Técnico de gran talento, por cierto, ya que fue el creador del sonido del sable y la pistola láser, actualmente tan reconocible por todo el mundo pero inexistente en aquellos años.
El caso es que Burtt se quedó tan fascinado por este peculiar grito (al que llamó Wilhelm en honor al personaje) que a partir de entonces lo introdujo en todas las películas en las que participaba, dejando su 'sello personal'. Pero el grito Wilhelm caló hondo, y durante todos estos años han sido muchos más técnicos de sonido quienes han seguido con el cachondeo y lo han usado en sus películas, apareciendo en más de 200 películas y series de televisión. De hecho, ya había sido muy usado anteriormente en películas de los años 50 y 60, pero como un efecto de sonido más, sin esa intención humorística.
Lo podemos encontrar en películas como Star Wars (en las 6), Indiana Jones (en las 3), El Señor de los Anillos (las 3), Piratas del Caribe (las 3), Poltergeist, Willow, Reservoir Dogs, Batman Vuelve, Toy Story, La Bella y la Bestia, Team America, La loca historia de las Galaxias, Arma Letal 4, Kill Bill, y una interminable lista de etcs. Además de aparecer también en videojuegos como God of War 1 y 2, la saga GTA, Metal Gear 4, Call of Duty... Eso sí, en algunas películas fue eliminado al doblarlas al español, así que alguno de los ejemplos no podemos escucharlos si las vemos en nuestro idioma, pero esto son pocos casos en comparación.
Así que seguramente hemos escuchado este grito montones de veces ¡y ni nos hemos dado cuenta!
Os enlazo un video donde aparecen fragmentos de películas donde puede escucharse el grito de Wilhelm infiltrado (lógicamente no aparecen todas, pero es una gran selección).
¡ATENCIÓN, CUIDADO! Este video puede ser muy perjudicial, ya que una vez visto, no podréis quitároslo de la cabeza ni volver a ver una película sin intentar localizarlo. Estáis avisados, así que asumid las consecuencias y... ¡¡escuchadlo!!
Eddie Cochran fue un músico de rockabilly que murió antes de poder disfrutar de su éxito y de seguir aportando clásicos a la historia del rock. Aunque principalmente es conocido como guitarrista y cantante, tocaba
varios instrumentos. De hecho en muchos de sus temas grabó la
guitarra, el bajo y la batería, gracias a su experimentación en los estudios donde desarrolló nuevas técnicas de grabación,
como la grabación multipista y overdubbing (algo a lo que estamos
acostumbrados desde los sesenta, grabar una o más pistas con cascos encima de
otra que ha sido grabada previamente, pero que en los 50 aún estaba en pañales, con Les Paul como precursor). Además era el compositor de la mayoría
de sus canciones. Se convirtió en un icono de rebeldía e inconformismo, llegándole a llamar posteriormente 'el James Dean de la guitarra'.
Pasó por varias formaciones, como los Cochran Brothers (quienes a pesar del nombre no tenían ningún tipo de parentesco, sino que el otro miembro del grupo tenía el mismo apellido), donde tocaban música country. Pero Cochran, después de escuchar al por entonces joven Elvis Presley y quedar prendado de su música y su voz, decidió alejarse de ese género para acercarse más al rock que estaba surgiendo en aquellos años. Fue entonces cuando comenzó a adoptar rápidamente el sonido rock&roll y rockabilly con temas como Fool's paradise o Tired and sleepy, donde la guitarra era más guerrera y tomaba más protagonismo, y donde cantaba de manera diferente a lo que había hecho hasta entonces, con una voz más juguetona y osada que era capaz de pasar de un timbre tenue y aterciopelado (que en
momentos puede recordar a Elvis) a sonar rasgada y rabiosa (como bien podría hacer Little Richard).
En 1957 apareció cantando el tema Twenty-flight rock en la película "The girl can't help it" (en español "Una rubia en la cumbre") gracias a la cual se hizo muy popular, sobre todo entre el público más joven. Al año siguiente, habiendo fichado para una discográfica, obtuvo su primer gran éxito: Summertime blues, que se convirtió en un himno juvenil y que ha sido versionado por numerosos grupos. Otro gran éxito de ese mismo año fue C'mon everybody (que tiene una 'gemela', otro temaexactamente igual pero donde cambió la frase C'mon everybody por Let's get together, siendo éste el título de la canción).
Nos dejó más buenos temas dentro de la línea r&r de aquellos cincuenta a la que ya estamos más que acostumbrados, pudiendo resultar bastante predecibles en cuanto a estructuras, pero efectivos y bien hechos: Somethin' else, Cotton picker, Am I blue, Sweetie Pie, Drive in show, Skinny Jim, Completely sweet, Jeannie Jeannie Jeannie, Undying love o My way (no confundir con el otro tema del mismo nombre, mayormente conocido en la versión de Frank Sinatra).
En 1960, con tan solo 21 años, murió en un accidente de coche mientras estaba de gira en Gran Bretaña, donde estaba teniendo mucho éxito. De camino al aeropuerto para volver a EEUU, el taxi en el que viajaba junto a su novia, su manager y su gran amigo y también músico Gene Vincent, se estrelló, sobreviviendo todos menos él.
La muerte, una vez más, funciona como gran promotora musical: crecieron las ventas de sus discos y se publicaron canciones inéditas. En ese momento sonaba en las radios un gran éxito: Three steps to heaven (título irónico, ¿no?) y Three stars, en homenaje a los también afamados músicos que murieron en un accidente, en este caso aéreo: su amigo Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper. Este tema había sido grabado en 1959, tres días después del accidente de avión, pero la compañía archivó la grabación al no darla por buena, ya que su voz sonaba demasiado quebrada, y es que al parecer intentaba contener las lágrimas durante su interpretación. Este día fue llamado "el día en que murió la música" por Don McLean en su famosa American Pie de 1979.
Quién sabe qué caminos habría tomado si hubiera podido tener una vida más larga, por dónde habría llevado al r&r, qué novedades habría aportado... Probablemente mucho, con las posibilidades que le daría la mejora de las multipistas en la siguiente década y la evolución que viviría el rock; seguramente lo llevaría a otros terrenos o experimentaría con nuevos estilos. Pensad que a finales de los años 60, Cochran habría tenido ¡solamente 30 años!
Lo que hizo en tan poco tiempo no debemos olvidarlo, sino recordar a este rockero que tenía una prometedora carrera y cuyo legado perdura después de cincuenta años de su muerte (y seguramente perdurará otras tantas décadas más, para deleite de futuros amantes del género, cada vez más nostálgico).
Escuchémosle en una de sus actuaciones en directo, con su tupé y sonrisa pícara disfrutando y dándolo todo con lo que supuso un gran éxito, C'mon everybody, y en otro de sus temas míticos, Summertime blues.
Si cogemos una coctelera y mezclamos elementos de estilos diversos como el rock, folk, country, rap, blues y psicodeli, y los aderezamos con un buen arsenal de samples, ¿qué resultado podría salir? No es una mezcla fácil, eso está claro. Pero con talento y creatividad (y buenas producciones) han podido ver la luz excelentes y exquisitos temas de estas características gracias a Beck, uno de los músicos más originales, sorprendentes y aclamados de los 90.
Beck (Hansen) bebió de estilos muy diversos durante su infancia y juventud, y tras dejar los estudios a los 16 años se dedicó a tocar por las calles y locales de Nueva York y Los Angeles con su guitarra y armónica.
El primer disco de estudio de Beck es un objeto de coleccionista, "Golden feelings", editado en 1993 solo en cassette, y años después en cd pero con una edición muy limitada de copias. En él ya empezaba a combinar el folk con elementos más atípicos que daban un punto de originalidad (diálogos, ruidos, sonidos de televisión...). Ese mismo año grabó Loser, un tema que llamó la atención de numerosas discográficas que querían a Beck con ellos, pero él rechazó las ofertas ante la posibilidad de que perdiera su independencia compositiva y tuviera que hacer una música más comercial. Pero entonces llegó Geffen (importantísima compañía que había fichado grupos como Nirvana o Guns n'Roses, entre muchos otros) que aunque le ofrecía menos dinero que las otras, le aseguró que podría mantener su identidad e incluso que podría grabar discos independientes con otras discográficas. Y claro, Beck aceptó y firmó con ellos.
1994 fue un año de gran producción por parte de Beck, con la publicación de nada más y nada menos que tres discos. Dos de ellos con discográficas independientes, "Stereopathetic soul manure" y "One foot on the grave", y el primero con Geffen, "Mellow Gold", donde incluyeron el exitazo Loser. Éste se convirtió entonces en un himno para los jóvenes, que coreaban su estribillo "Soy un perdedor, I'm a loser baby, so why don't you kill me". Aún recuerdo cuánto tiempo pensé que decía algo así como "so open the door"... y ¡resulta que estaba cantando en español!Otros temas de referencia de este disco, muy experimental, son Beercan o Fuckin' with my head.
Beck emprendió entonces un trabajo de artesano en la creación de su futuro disco y dos años más tarde publicó "Odelay": atrevido y sorprendente, con un original sonido que es para quitarse el sombrero, demostró que él no era uno de esos 'one-hit wonder'. Es su mejor álbum, lleno de experimentación con distintos estilos, tanto entre temas como dentro de una misma canción, con secciones muy diferenciadas que están perfectamente ensambladas.
Con la ayuda de The Dust Brothers (productores de grupos como los Beastie Boys y compositores de la banda sonora de "El club de la lucha"), Beck demostró que
podía engendrar temas nada previsibles que rompían con lo que se
escuchaba hasta el momento, empleando multitud de samples, ruidos, instrumentos acústicos y electrónicos, y voces que sonaban a veces casi robóticas. Tuvo una gran repercusión, con temazos como Devil's haircut, The new pollution, Hotwax, Derelict, Novacane, Sissyneck o Where it's at.
"Mutations", publicado en 1998, se grabó mucho más rápido, ya que su concepción es también más sencilla, con temas más acústicos y menos 'marcianos'. Cálido, tranquilo y con predominio de tintes más folkies, parece más un disco de cantautor al uso que una mezcolanza tan interesante y sorprendente como la que se dio en su disco anterior. Es también un gran disco, pero quizá la sensación de desilusión se acentúa porque, inevitablemente, después de haber escuchado "Odelay" cuando salió, esperaba una continuación, una especie de "Odelay2" y no fue para nada así: no sigue la línea del
anterior, sino es más bien un paréntesis, casi una música de ambiente de escucha fácil. Temas destacables son Tropicalia (con aires brasileños), Nobody's fault but my own, Cold brains o la increíble pista oculta al final del disco, Diamond Bollocks, lo mejor del disco.
Personalmente, encuentro que sus discos posteriores a "Mutations" son de una calidad bastante más baja. Su sonido se iba alejando más y tenía menos fuerza. De hecho su voz también cambió, teniendo momentos en los que cantaba en falsete al más puro estilo Prince (o el Artista antes conocido blablabla). Así, esa identidad y frescura que presentó en "Odelay" tampoco reaparecía en "Midnite vultures" (1999, más exuberante y colorido, y que personalmente no me fascinó demasiado, salvo algún tema como Broken Train, Beautiful way o Sexx Laws) ni en "Sea change" (2002, más acústico, tranquilo y melancólico, que incluye arreglos para cuerdas realizados por su padre, Dave Campbell, músico, compositor y orquestador de música para cine y arreglista para gran multitud de músicos de muy diferentes estilos).
Parece ser que durante una gira Beck escribió en pocos meses más de 30 canciones que iban por un camino diferente, y siempre las llevaba en su maleta con él, pero las perdió en un descuido, algo que sin duda fue (seamos claros) una auténtica putada.
En "Guero" (2005) vuelve a recordarnos el sonido de "Odelay", trabajando junto a los Dust Brothers de nuevo, aunque con temas menos impactantes. Algunos interesantes pueden ser Go it alone, E-pro o Girl. Le siguieron "Guerolito" (remixes de los temas del disco anterior), "The information" (2006, con temas llenos de sonidos 'enredados' de guitarras, máquinas y tecnología, entre los que se pueden reseñar Think I'm in love y Elevator music) y"Modern guilt" (2008, con un sonido más sesentero y oscuro, con buenos temas como el homónimo Modern guilt, Orphans, Volcano o Gamma ray).
Sea cual sea el rumbo musical que está llevando en los últimos años, no podemos negar que Beck es un músico original que siempre busca de nuevos caminos con su particular combinación de estilos, y que nos dejó dos de los discos más relevantes de los 90, "Odelay" y "Mutations", que aunque muy diferentes entre sí, muestran las dos mejores caras de Beck. Cada tema es auténtico e inigualable, muestra de una gran imaginación y creatividad (que parece que ha ido menguando con los años).
Os dejo con dos de sus mejores temas: Devil's haircut y el tremendo Diamond Bollocks, una peculiar y genuina canción llena de contrastes entre secciones, combinación de sonidos y ruidos, coros, y ya de paso, con pájaros incluidos...
Aunque de primeras pueda no sonaros en absoluto esta canción, seguro que todos los que habéis visto"El silencio de los corderos"no la habéis olvidado desde entonces, ambientando la mítica escena donde Buffalo Bill se desea a sí mismo mientras se maquilla y se mira frente al espejo, bailando como una mariposa bajo su deseo de transexualidad.
La canción, escrita por William Garvey, fue interpretada por Q Lazzarus, una cantante (sí, habéis leído bien, UNA cantante) con voz profunda, de tesitura bastante grave, de la que se conoce muy poco. Antes de dedicarse a la música era taxista en Nueva York y según parece (cosas de la vida) un día subió al taxi Jonathan Demme (director de la película) y fue ahí donde escuchó una demo de la canción.
Q Lazzarus es conocida principalmente por este tema, Goodbye horses, que salió a la luz en 1988 en la película "Casada con todos", también de Demme. Después de aparecer en 1991 en "El silencio de los corderos" fue relanzado como single en una versión extendida. En esta película formó una parte indispensable para la concepción de esa increíble escena, gracias a la oscuridad de su sonido y a la temática tan profunda y en cierto modo compleja de la letra.
Es curioso que las pocas canciones que podemos encontrar de Q Lazzarus aparezcan precisamente en cuatro películas del mismo director: además de las dos mencionadas, podemos encontrar el tema The candle goes away en la película "Algo salvaje" y la versión de un tema de Talking Heads, Heaven, en la película "Philadelphia" (donde podemos verla cantándola mientras Tom Hanks y Antonio Banderas están bailando juntos). Otro de sus temas es White lines, que aparecía en la cara-b del vinilo de Goodbye horses.
Estamos ante un grandísimo tema que se ha convertido en icono para muchos, inolvidable, oscuro, profundo e hipnótico, imposible de olvidar. Aquí tenéis la versión extendida. Absolutamente imperdible.
Hoy quiero hablaros de The Sound, un excelente grupo inglés que a pesar de haber estado muy a la altura de los grandes músicos de los ochenta obtuvieron un mínimo reconocimiento, siendo siempre infravalorados y estando a la sombra de otros grupos de aquellos años (excepto en Holanda y Alemania).
Pertenecientes a la corriente del post-punk de los ochenta, poco a poco fueron acercándose a la new-wave y el pop. En su música podemos encontrar profundas melodías, unas suaves y tenues y otras más agresivas y potentes, todo cubierto de un halo de melancolía y sensibilidad que apasiona y atrapa. Sus letras son demoledoras, en las que se habla de miedos, temores, angustias y deseos del ser humano.
Surgieron en 1979 como una evolución del grupo punk The Outsiders, liderados por Adrian Borland (voz y guitarra). Después de grabar un Ep, The Sound sacó en 1980 su primer álbum, "Jeopardy", un enérgico disco cercano al post-punk de los Outsiders, pero donde ya se empezaba a notar el singular carácter del grupo. En él encontramos grandes temas como Heartland, I can't escape myself o Unwritten law.
Al año siguiente grabaron "From the lions mouth", un disco brillante y potente, imprescindible tanto para los amantes de la música de los ochenta como para los que no lo son. A pesar de contener buenísimos temas como el intenso Winning, Sense of purpose, Possession, The fire o Contact the fact, no obtuvo tampoco éxito.
La discográfica del grupo, Korova (con quienes grababan los aclamados Echo & the Bunnymen) les exigió que para su siguiente disco tenían que conseguir un sonido más comercial y llegar a las masas, ya que las ventas dependían del gran público. Pero The Sound no se dejaban manipular así como así y grabaron en 1982 su nuevo disco, "All fall down", donde se alejaban totalmente de lo que les había pedido la discográfica: era un álbum con una sonoridad más compleja, oscura y áspera, y que surgía como respuesta a esas exigencias comerciales. El disco tuvo muy pocas ventas, y claro, ese fue su final en la discográfica. En él hay joyitas musicales como Party of my mind, Red paint o Calling the new tune.
Tras "All fall down", The Sound firmó con otra discográfica independiente y sacaron su cuarto disco en 1985: "Heads and hearts", algo más flojo que los anteriores.
Por estas fechas los problemas mentales de Borland se iban acentuando: tenía un trastorno esquizoafectivo, es decir, sufría un trastorno anímico con profundas depresiones y brotes psicóticos. Éstos se ven en cierto modo reflejados en sus composiciones de estos años en adelante, con obras más frenéticas, 'tortuosas' y melancólicas, tanto las letras como la música.
The Sound sacaron en 1986 un doble disco grabado en directo, "In the Hothouse", y tras quebrar su compañía discográfica y fichar con una belga, editaron el último de la banda, "Thunder up"(personalmente, junto con "Heads and hearts", los más 'pobres' en cuanto a sonoridad y fuerza). Seguían tocando en locales alternativos, pero su merecido reconocimiento no llegaba.
La salud mental de Borland seguía empeorando, teniendo incluso que cancelar varios conciertos ese año, hasta que finalmente el grupo se disolvió en 1988. Pero la imparable creatividad de Borland hizo que continuase su carrera en solitario, grabando cinco discos más, aunque sin conseguir que se fijaran en su música. Y finalmente, un trágico final, ya que Borland se suicidó en 1999 arrojándose a las vías de un tren.
Pero entonces ¿qué falló? ¿Qué le faltaba a The Sound para poder estar en un mejor lugar y no en un constante segundo (o tercer) plano? ¿Influiría su falta de imagen 'prediseñada'? Es algo que no es imprescindible pero sí muchos grupos se benefician de ella para darse a conocer, alimentando también la vista... ¿O su admirable decisión de anteponer sus ideas y proyectos a los intereses comerciales de las discográficas?
En cualquier caso, aunque su éxito fuera modesto, ahora está aquí, en nuestras casas, en nuestros altavoces. Escuchémoslos y demos el valor que merecen. Os recomiendo especialmente los dos primeros, "Jeopardy" y "From lions mouth".
Os dejo con Party of my mind y Winning. Que disfrutes con El Sonido...
¿Quién no conoce a Led Zeppelin? Uno de los grupos más impresionantes y fundamentales de la historia de la música, que alcanzaron un enorme (y bien merecido) reconocimiento durante sus años en activo y aún en la actualidad, y que han tenido una influencia decisiva en muchísimos grupos posteriores, siendo piezas clave en la trayectoria y evolución del rock.
Ningún grupo había despertado realmente tanta pasión en aquellos años 70. El sonido Led Zeppelin hacía reaccionar al público, poner a la gente en movimiento y desatar su energía.
A finales de los sesenta el rock sonaba cada vez con más fuerza, era rock duro, heavy rock, un preludio de lo que más tarde sería el heavy metal (que tuvo su mayor estallido a finales de los setenta y principios de los ochenta). Así, muchos grupos se decantaron por la investigación y experimentación sonora (como hicieron también King Crimson o Pink Floyd) y Led Zeppelin demostraron que el rock estaba todavía en desarrollo, que le quedaba mucho por evolucionar. Ellos crearon algo más novedoso de lo que había sido el rock hasta el momento, con un sonido en el que se fusiona rock, blues, folk o heavy (e incluso en algún momento funk y reggae), todo marcado por una gran potencia y, a cada año que pasaba, probando elementos nuevos.
El grupo surgió en Inglaterra en 1968 cuando Jimmy Page (el último guitarrista de los Yardbirds, que acababan de disolverse) buscaba nuevos miembros para formar otro grupo. Page, excelente guitarrista, tenía una gran técnica y era un reconocido músico de sesión, cuyo sonido impresionaba con multitud de riffs únicos que han sido emulados por muchos otros guitarristas.
A Page se unió Robert Plant, por entonces un casi desconocido cantante que dio al grupo un toque inigualable con una voz única llena de personalidad, y que también influyó en otros cantantes. Con un amplio registro, moviéndose normalmente por los agudos, es capaz de combinar crescendos potentes, gritos desgarrados y gemidos con melodías más suaves.
Plant fue además el autor de las letras de las canciones, que tratan temas fantásticos y místicos (las del primer disco también son suyas, pero tenía un contrato vigente y no pudo aparecer en él como autor de las letras). Poco después de unirse Plant, completaron el grupo con John Paul Jones y John "Bonzo" Bonham.
Jones era un músico de sesión que además del bajo tocaba otros instrumentos (como piano, órgano, mandolina o sintetizadores) y que aportó a Led Zeppelin una sonoridad mucho más completa gracias al uso y combinación de diferentes timbres.
Bonham tenía fama de ser el batería más ruidoso de toda Inglaterra, y aportó una poderosísima base rítmica al grupo. Una anécdota cuenta que, antes de formar parte de Led Zeppelin, en una ocasión el director de un estudio lo echó porque 'hacía demasiado ruido' y le advirtió de que así no iba a llegar nunca a ninguna parte como batería. Años más tarde, Bonham le envió una carta de 'agradecimiento' por su predicción, junto con un disco de oro del grupo.
El cuarteto que surgió así del proyecto inicial The New Yardbirds dio lugar a Led Zeppelin, quienes se convertirían en un grupo excepcional, único y de gran influencia, y en cuyos conciertos lo daban todo. Conciertos que se llenaban con masas ingentes de público, siendo de los más largos de la historia del rock (incluso de 3 y 4 horas), con canciones de extensos desarrollos (e improvisaciones) de hasta 20 minutos, donde mostraban su gran fuerza, contundencia y técnica, haciendo enloquecer al público (y siempre rodeados de sus incondicionales groupies). Se negaron a actuar en programas comerciales y evitaron las entrevistas en la mayor parte de su trayectoria.
En su discografía encontramos diez discos, sin contar recopilaciones posteriores ni ediciones especiales. Sus primeros 6 discos (hasta 1975) son verdaderamente imperdibles, y muy especialmente los cuatro primeros. En ellos muestran su gran talento, la identidad y esencia de su personal carácter. Cada uno de los temas de estos discos son una composición auténtica y exquisita.
“Lez Zeppelin”(1969) es el excelente disco con el que debutaron, el cual tuvo un recibimiento arrollador (sobre todo en EEUU, no tanto en Inglaterra). En él se notan claramente la mezcla de estilos que caracteriza al grupo, con temas fascinantes como Dazed and confused, Communication breakdown, la deliciosa y contrastante Babe I'm gonna leave you o Good times bad times. Como curiosidad, comentar que cuando iban a actuar en Dinamarca, la condesa Eva von Zeppelin, sobrina del inventor del zeppelin, se opuso a que un grupo de (como ella misma decía) 'monos chillones' utilizara el prestigioso apellido de su familia, y más aún después de ver la portada de este disco, donde aparece el zeppelin Hindenburg en llamas durante su accidente en los años 30. Así que el grupo actuó allí bajo el nombre de The Nobs.
Ese mismo año sacaron también “Led Zeppelin II”, que los consagró. Ha sido un disco muy citado por otros grupos como una de sus referencias, sobre todo los potentes riffs de guitarra, que calaron en generaciones posteriores. Magnífico, en él encontramos la ya clásica Whole lotta love, Heartbreaker, Moby Dick o Living loving maid.
“Led Zeppelin III”(1970) tiene un sonido más íntimo y acústico, más tranquilo y algo más folk. Considerado como uno de los discos más importantes del grupo, recibió críticas no demasiado buenas al principio, como las que aparecieron en su momento en la revista Rolling Stone (críticas que posteriormente fueron eliminadas de la base de datos debido a su arrepentimiento...). Contiene grandes temas como Inmigrant song, Celebration day o Out on the tiles.
Al año siguiente editaron un disco que aparece sin título ni ninguna letra que lo identifique, salvo cuatro símbolos o runas que representan a cada uno de los miembros del grupo. Ha sido uno de los discos más vendidos de la historia y es conocido como “Led Zeppelin IV”(siguiendo la cuenta...), “Runes” o“Untitled”. En él aparece uno de los clásicos más mega-clásicos de la historia del rock, la reconocidísima Stairway to heaven, además de otros temazos como Black dog, When the levee breaks, Misty mountain hop, Four sticks o Rock and roll.
Led Zeppelin seguían vendiendo muchísimos discos, consiguiendo discos de oro, un gran reconocimiento y admiración y ganando muchos millones de beneficio (merecidos, sin duda).
“Houses of the holy” (1973), aunque continúa con la esencia rock, blues y folk, incluye trazos reggae (como en el tema Dyermaker) y funk (The crunge), ampliando la sonoridad habitual. Encuentro este disco algo más flojo que los anteriores, aunque sigue siendo un disco de referencia, con otros grandes temas como Dancing days o The song remain the same.
“Physical Graffiti” (1975) es el primer disco en su propia discográfica, Swan Records, creada un año antes. Un doble disco más experimental, resultado de una búsqueda de nuevas sonoridades pero sin perder sus rasgos característicos. Además de temas nuevos, se empleó material descartado de discos anteriores: grandes temas como la impresionante y genuina Kashmir, The wanton song, In my time of dying, Houses of the holy o Custard pie.
Pero en aquel año el ritmo y las giras masivas del grupo se vieron afectadas por varios problemas: Plant sufrió un accidente de coche junto a su mujer e hijos, y Jones se rompió una mano. Aún así, no tardaron mucho en retomar el ritmo, y al año siguiente grabaron “Presence” (en el que Plant estuvo trabajando aún en silla de ruedas). En él no hay ninguna canción acústica ni teclados, y personalmente lo considero de bastante menos calidad y menos sorprendente que los anteriores. Ese mismo año se estrenó la película “The song remains the same”, cuya banda sonora es una grabación de un concierto dado años antes en el Madison Square Garden, y con la cual se editó un disco doble, titulado como la película.
En 1977 anunciaron una nueva gira que era esperada ansiosamente tanto por el público (sus conciertos continuaban rompiendo récords aplastantes de público) como por la crítica (quien los consideraba el mayor grupo de la historia del rock). Pero la gira se suspendió debido a la muerte del hijo de Plant, de 5 años.
Tras un par de años de silencio, en 1979 retomaron sus actuaciones y presentaron nuevo disco, “In through the out door”, con toques más pop y más sintetizadores, rompiendo aún más con lo que estaban haciendo hasta el momento. Les resultó difícil de terminar debido a las adicciones de Page a las drogas y de Bonham al alcohol. Contiene algunos temas interesantes como South bound saurez, All my love o In the evening.
Un año después, cuando parecía que el grupo estaba ante un nuevo renacer tocando en grandes giras, se produjo el último gran drama: Bonham muere por una intoxicación etílica. Se especulaba entonces sobre la posibilidad de que incorporaran un nuevo miembro a la batería, pero el grupo decidió que Led Zeppelin no podía continuar sin uno de ellos. Así que como tenían un contrato firmado que les obligaba a sacar un disco más, y al no querer grabar temas nuevos sin Bonham, buscaron material archivado. Así, presentaron “Coda”(1982), un disco compuesto por temas inéditos y grabaciones de conciertos, por lo que es más cercano al sonido puramente Zeppelin que sus dos discos anteriores. Temas destacables del disco son Poor Tom, Darlene, Ozone baby o Bonzo's montreux, donde escuchamos un solo de batería de 4 minutos al que Page añadió posteriormente efectos de sonido (imagino, un homenaje al entonces recién fallecido Bonham...).
Así, llegó el fin de la actividad del grupo y su disolución definitiva, pero nunca quedaron ni quedarán en el olvido. Una conjunción perfecta de talentos que nos han obsequiado con auténticas joyas musicales que forman parte de la historia de la música. Inigualables, auténticos y absolutamente imprescindibles.
No puedo despedirme sin dar las gracias a mi hermano Arturo, fiel seguidor de los Zeppelin desde que tengo uso de razón: gracias por descubrirme a este pedazo de grupo cuando aún era una enana.
Es difícil escoger entre tantos temas de tal calidad... Os dejo con Celebration day, que a punto estuvo de no aparecer en el “Led Zeppelin III” debido a un error en la grabación: se había eliminado por error el comienzo de la batería, pero pudo ser 'arreglado' usando el sintetizador que aparecía en el tema anterior. La verdad es que este resultado es atrapante, ya que cuando entra finalmente la batería resulta fulminante, el tema arranca de manera imprevisible desbordado de energía.
Y para que los podáis ver actuando en directo, la profunda Dazed and confused.
¡Tremendos!
Pocos son los que no conocen a Nirvana, trío que sorprendió poco antes de los años 90 con un estilo de rock menos convencional, más sucio y, sí, reconozcámoslo, bastante básico (el cual estamos acostumbrados a escuchar a partir de mediados de los noventa, pero que en aquellos años rompía con lo que sonaba en el panorama musical del momento).
No fueron los creadores del grunge, pero sí quienes lo hicieron mundialmente conocido, convirtiéndose en su máximo exponente. Musicalmente Nirvana fueron una gran influencia para jóvenes generaciones de grupos e incluso para grupos ya veteranos, como por ejemplo Sonic Youth, quienes les apoyaron en su crecimiento como banda. Consiguieron un importantísimo ascenso, sonando y tocando en los medios y llenando estadios, algo que no buscaban y que además no les entusiasmaba demasiado.
Es de los pocos grupos cuyos temas son todos valiosos; no hay una sola canción de Nirvana que me deje indiferente, que no me llene o me revuelva el estómago por muy tosca o 'pobre' musicalmente que sea, y eso se debe a la enorme personalidad que emana su música. Fueron una gran parte de la banda sonora de mi adolescencia (seguramente al igual que para muchos de vosotros) formando parte de mis vivencias juveniles, acompañando sus buenos y malos momentos, y quizá por esto también mi apego al grupo es tan intenso, porque los conocí en el momento perfecto.
Liderados por Kurt Cobain (de personalidad compleja y sobrepasado por el éxito) dejaron un numeroso legado de temas que hablan por sí solos sobre el gran carisma del grupo y que vieron la luz en un corto período de tiempo. A menudo los medios de comunicación se han centrado excesivamente en la vida privada de Kurt, dejando a un lado su talento y su sentido único para la música, capaz de transmitir una gran diversidad de emociones mediante un sonido crudo y aparentemente simple.
Y no solo él: no olvidemos que Nirvana era un trío, todos parte de ese sonido.
Su tema Smells like teen spirit ha sido demasiado exprimido (y
cuando digo demasiado me refiero a ¡demasiado!), y lo hemos escuchado
hasta la saciedad en multitud de medios, pero no podemos obviar que fue
un himno para los jóvenes de principios de los noventa, dedicado a la
falta de esperanza de una generación que no encontraba su camino. Y por
supuesto, no es ni de lejos lo mejor del grupo. En su breve carrera
sacaron cuatro discazos (sin contar con los discos posteriores a la muerte de Kurt).
El sonido Nirvana, posteriormente icono de la corriente grunge, surge como búsqueda de algo diferente al heavy metal, tanto en sonoridad como en actitud, con un sonido duro pero al mismo tiempo más melódico. Bebieron de influencias del rock duro de los 70, como Black Sabbath o Led Zeppelin, del punk-rock y de otros grupos como los Beatles.
Kurt tenía montones de grabaciones caseras de temas suyos que necesitaban salir de las cuatro paredes de su cuarto y a mediados de los ochenta formó un grupo con un amigo suyo, Chris Novoselic (que posteriormente pasaría a llamarse Krist). Rodeados de la decadencia de Aberdeen, su ciudad (donde había una gran tasa de alcoholismo, drogadicción, desempleo y una visión de futuro casi nula más allá de la industria maderera) empezaron a tocar por algunos locales. Chris tocaba la guitarra y Kurt la batería junto a bajistas que no eran miembros fijos del grupo. El grupo tuvo muchos nombres: Fecal Matter, Ted Ed and Fred, Bliss, Windowpane, Throat Oyster, Pen Cap Chew, Skid Row... Finalmente se decantaron por un nombre definitivo, más sencillo, contundente y sonoro: Nirvana.
En 1988 grabaron una maqueta y la mandaron a diversas discográficas independientes, siendo Sub Pop quien los fichó (los temas de esta maqueta aparecerían después en dos de sus discos, "Bleach" y "Incesticide"). En ese momento, se unió al grupo Chad Channing como batería, pasando Kurt definitivamente a la voz y guitarra y Chris al bajo, formando así las raíces de Nirvana.
Sub Pop editó un álbum ese mismo año que fue decisivo, "Sub Pop 200", donde Nirvana aparecía con Spank Thru. Recuerdo tenerlo en cinta y las emociones tan contrarias que me provocaba esucharlo: sus temas me encantaban y al mismo tiempo los detestaba, un sentimiento complejo y extraño, y la verdad es que no había escuchado nada igual hasta entonces... Este disco benefició muchísimo al reconocimiento del movimiento underground que estaba surgiendo en distintos puntos de Estados Unidos, siendo Seattle el símbolo de esta nueva corriente, posteriormente llamada Grunge. En Sub Pop estaban por entonces grupos como Beat Happening, Screaming Trees o Green River (donde tocaban miembros de los futuros Mudhoney, Temple of the Dog o Pearl Jam). Todos compartían un sonido potente y sucio, y una estética desaliñada que acompañaría a los futuros grungeros.
Al mes siguiente sacaron su primer single, compuesto por la fantástica versión de los holandeses Schocking Blue, Love buzz (el original es un temazo) y otro potente tema con gran parte de su sonido característico, Big cheese. En sus primeros conciertos, Kurt empezaba a aficionarse por romper sus guitarras en cada actuación (lo cual, la verdad, no les venía demasiado bien con el escaso presupuesto que tenían...)
En 1989 sacaron su primer disco, "Bleach", con un sonido más duro que el que tendrían más adelante, combinando la potencia y desgarro del punk con melodías más suaves y pegadizas (y un acento muy cerrado) que contrastan con estribillos fuertes y a menudo chillones, pero que a pesar de ello contienen cierta 'delicadeza'. En este disco figura el guitarrista Jason Everman (que pasó luego por Soundgarden), aunque posteriormente se ha sabido que no tocó nada en la grabación, pero que había pagado los 600 dólares que hicieron falta para grabar el disco y lo incluyeron como compensación.
En él tenemos grandísimos temas, como los mencionados Love buzz y Big cheese, Negative creep, Paper cuts, Blew, Floyd the barber, Mr. Moustache o School. Este es el origen de Nirvana: temas rabiosos y muy oscuros, junto con el delicado About a girl, popularizado posteriormente por su interpretación en el Unplugged in New York. El disco obtuvo cierto reconocimiento en el ámbito de la música alternativa, aunque nada comparado con lo que conseguirían sus discos posteriores.
En 1990 les contrató Geffen, junto al que sería el batería definitivo de Nirvana: Dave Grohl. Sacaron entonces un nuevo single con Sliver y Dive, y telonearon a sus colegas de Sonic Youth por Europa (como comenté en otra entrada, estos momentos de la gira aparecen en el imperdible documental "1991 the year punk broke").
En 1992 publicaron el mítico disco "Nevermind", que fue producido por Butch Vig (productor de numerosos grupos muy relevantes y futuro miembro de Garbage), quien se encargó de aportar un sonido más pulido y de distribuir y promocionar el disco y al grupo con su Smells like teen spirit, que se convirtió en un auténtico éxito que catapultó al grupo. "Nevermind" se convirtió en un clásico y un símbolo del movimiento grunge. En él podemos escuchar algo muy característico de la banda: el contraste entre melodías calmadas con estribillos potentes. Incluso su portada se ha convertido en un clásico, con la imagen de un
bebé nadando en el agua, como si quisiera alcanzar el billete de 1 dólar
que tiene delante.
Con este disco comenzó a producirse un cambio en el panorama musical de la época, alejándose cada vez más de la música puramente ochentera y del pop comercial, alzando el rock alternativo y el movimiento grunge. En este disco encontramos temas ya clásicos como In bloom, Come as you are, On a plain, Polly, Breed, Lithium, Territorial pissings, Drain you o la emotiva Something in the way, haciendo que se convirtiera en disco indispensable (y que por cierto, desplazó del nº1 al mismísimo Michael Jackson y su disco "Dangerous").
Nirvana odiaba toda la parafernalia comercial (lo cual es un problema si haces un disco que arrasa en ventas y tiene tantísimo éxito como "Nevermind"...) y hay numerosas muestras de ello. Por ejemplo, en una de sus apariciones en televisión tenían que actuar con Smells like... en un obligado playback instrumental, así que decidieron hacer un playback descarado y burlón, tocando como si fueran marionetas, sin tocar lo que correspondía en ninguno de los tres instrumentos y con Kurt cantando en un registro excesivamente grave; vamos, rompiendo 'el super-hit' que todo el mundo esperaba escuchar en su versión habitual.
Otro ejemplo lo encontramos en la entrega de premios de la MTV de 1992. Les pidieron que tocaran ese mismo éxito, pero ellos querían tocar Rape me (que significa "viólame"). Como no se lo permitieron, pactaron interpretar Lithium, y cuando iban a comenzar Kurt tocó los acordes iniciales de Rape me y empezó a cantarla, ante las miradas perplejas de los ejecutivos y de parte del público, aunque luego pasó al tema pactado. Como curiosidad, en ese mismo concierto, Chris lanzó el bajo al aire y al ir a cogerlo le dio en toda la cabeza, cayéndose al suelo y quedándose medio aturdido.
Como muestra del inconformismo de Nirvana con las normas de las grandes compañías, que les pedían grabar un nuevo disco al más puro estilo 'Nevermind 2', en su lugar sacaron "Incesticide" ese mismo año, un disco de rarezas y antiguas grabaciones de estudio con temazos como Been a son, Aneurysm, Son of a gun, Stain, Turnaround (versión de Devo), Molly's lips (versión de los Vaselines), Beeswax o los dos temas editados anteriormente en su single, Silver y Dive. Es un gran disco, pero seguro que no era lo que los grandes empresarios esperaban escuchar.
Al año siguiente, 1993, sacaron "In utero", mucho menos comercial que "Nevermind" y más ruidoso, mezclado por el productor Steve Albini (colaborador de los Pixies). De nuevo temas ya míticos y de calidad como Heart-shaped box, Very ape, Serve the servants, Rape me, Dumb, Milk it, Scentless apprentice, All apologies o la impactante y fascinante Frances Farmer will have her revenge on Seattle. Otro disco imprescindible lleno de temazos. Durante sus conciertos en esta época contaron con la colaboración del guitarrista Pat Smear (que posteriormente formó parte de Foo Fighters, junto a Dave Grohl), que tocaría con ellos también en el "Unplugged in New York" (1993).
A medida que Nirvana había ido ascendiendo, Kurt cada vez estaba más aislado y deprimido, yendo a contracorriente de toda esta fama y estrellato. Hacía unos años que había empezado a consumir drogas y además se casó con la insufrible, egocéntrica y manipuladora Courtney Love (se nota que me cae bien), quien le utilizó como medio para conseguir la fama que tanto había ansiado tener desde muy joven. Kurt tuvo varios intentos de rehabilitación, pero nunca acabó con su adicción a las drogas fuertes y en aquellos momentos estaba llegando a los límites.
En 1994, tras una sobredosis de heroína estando de gira, ingresó en una clínica de desintoxicación, de la cual se escapó para volver a su casa de Seattle, donde apareció muerto por un disparo de escopeta con tan solo 27 años. La causa oficial fue el suicidio, aunque hay muchas teorías en contra de esto, asegurando que fue asesinato (podéis encontrar libros y documentales al respecto), pero en esta entrada voy a centrarme en lo musical. Así que... continuamos.
El mismo año de la muerte de Kurt salió a la venta el "Unplugged in New York" (grabado un año antes), un concierto acústico donde tocan versiones de diversos grupos: de los Meat Puppets, que colaboran tocando con ellos en el concierto (Lake of fire, Oh me y Plateau), de David Bowie (The man who sold the world), de los Vaselines, de los cuales habían hecho ya algunas versiones en discos anteriores (Jesus doesn't want me for a sunbean) y del cantante de blues Leadbelly (Where did you sleep last night).
A partir de ese momento se han editado recopilatorios del grupo, como "From the muddy banks of wishkah" (con temas en directo), "Nirvana" (que arranca con un tema inédito, You know you're right, que pudieron incluir tras las disputas judiciales entre Grohl, Novoselic y Courtney Love, ya que ésta no quería editarlo tan pronto y prefería usarlo más adelante en otro disco de grandes éxitos), la serie de "Outcesticide" (cinco discos con rarezas y directos, algunos de ellos de malísima calidad de grabación, pero de gran valor para los más fervientes seguidores) o "With the lights out" (con caras-b y material inédito).
Es triste que años más tarde viera la luz un libro llamado "El Diario de Kurt Cobain", con sus notas, pensamientos, dibujos, cartas... Considero terrible que sea su propia mujer, su viuda, la que ceda estos documentos para que sean editados sin respetar su intimidad (y recibiendo a cambio cuatro millones de dólares...).
Tras la muerte de Kurt la fama de Nirvana creció aún más y años más tarde los otros dos miembros del grupo (cuyo talento, de algún modo, siempre estuvo a la sombra de Kurt debido sobre todo a los medios) continuaron con su actividad musical. Dave formó Foo Fighters al año siguiente, y Chris creó Sweet 75 y años más tarde Eyes Adrift. Muchos les criticaron de estar aprovechando el tirón de 'el batería' o 'el bajista de Nirvana', pero si eres músico, la muerte de un compañero de grupo no puede dejarte sin volver a tocar, ¿o acaso ya no podían montar ningún grupo más ni seguir en activo?. Se comenta que Novoselic, retirado ya del mundo musical, participa en el último disco de Foo Fighters, que se editará a lo largo de este año (producido de nuevo por Butch Vig).
Me resulta muy complicado escoger un par de temas de Nirvana como muestra, pero finalmente me decanto por Aneurysm (en una grabación en vivo)y Frances Farmer will have her revenge in Seattle (Frances, nombre que puso a su hija, y homenaje a la actriz Frances
Farmer, nacida en Seattle y que fue acusada, entre otras cosas, de ser
comunista y atea, y la cual acabó en un hospital psiquiátrico debido a
una esquizofrenia y depresión). .
Son ellos. Auténticamente hondos y directos. Son NIRVANA.
Si pensamos en la música soul de los años 60 probablemente entre los primeros nombres que nos vengan a la cabeza (si no el primero) estará Otis Redding: el Rey del Soul. No, el Rey no es James Brown, él es el Padrino del Soul...
En el poco tiempo que duró su carrera musical nos dejó un amplio legado de canciones que se han convertido en clásicos del género, muchas de ellas memorables baladas y otros más potentes y bailables. El estilo de su música no era realmente novedoso, pero sí su increíble voz, tan expresiva y emotiva, capaz de pasar de tener un timbre delicado y lleno de sentimiento a una voz más rasgada y rota.
Su carrera comenzó cuando colaboraba con Johnny Jenkins y su banda. Un día, durante una grabación de éste en los estudios de la discográfica Stax (una de las más importantes en la música soul de esos años) terminaron antes de lo previsto y sobraba un poco de tiempo, durante el cual Redding grabó These arms of mine. El tema encantó a los miembros de la discográfica y le contrataron como cantante, convirtiéndose en muy poco tiempo en referente e icono. Durante sus años en esta compañía estuvo arropado por la gran banda Booker T & the MGs, quienes se sorprendían de la capacidad que tenía para pensar arreglos de vientos, sabiendo qué quería que sonara en cada momento.
Cuando Redding actuó en el Festival de Monterey de 1967 (compartiendo cartel con Jimi Hendrix, Janis Joplin o The Who entre otros) hizo una fantástica actuación, enérgica y sentida, que hizo entusiasmar al público, una multitud de jóvenes hippies con una estética muy alejada a la "anticuada" de Redding. Y es que su música llegaba y llega a personas de gustos muy diferentes porque sus temas son auténtico caramelo para nuestros sentidos.
A finales de ese mismo año ocurrió una gran e inesperada tragedia: se estrelló el avión donde viajaba Redding junto a cinco de los seis miembros de Bar-Keys (autores del conocido Soul Finger, con los que estaba de gira). Murieron Redding y cuatro miembros del grupo (el trompetista, que sobrevivió al accidente, y el bajista que viajaba en otro avión, retomarían el grupo más tarde con otros músicos).
Redding tenía 26 años y solamente habían pasado 4 desde que se dio a conocer. Había grabado 6 discos de estudio entre 1964 y 1967: "Pain in my heart", "The great Otis Redding sings soul ballads", "Otis blue: Otis Redding sings soul", "The soul album", "Complete & Unbelievable: the Otis Redding dictionary of soul" y "King & Queen" junto a Carla Thomas (cantante apodada "la Reina del soul de Memphis").
En ellos aparecen decenas de versiones exquisitas de grandísimos temas de aquellos años: de Sam Cooke (Shake,You send me y Wonderful world), Solomon Burke (Home in your heart y Down in the valley),los Temptations (My girl), Ben E. King (Stand by me), e incluso se llevó al soul Satisfaction de los Rolling Stones o Day Tripper de los Beatles. Y muuuuchas más.
Pero por encima de todas esas versiones destacan sobre todo sus composiciones propias, que van desde delicadas baladas (Pain in my heart, These arms of mine, I've been loving you too long, That's what my heart needs -¡que alguien baje ese plato por dios!-)hasta temas más movidos o rítmicos (Mr. Pitiful, Any ole way, Respect -que se hizo más famoso por la fabulosa versión de Aretha Franklin-, Security o Fa-Fa-Fa-Fa-Fa Sad Song).
A raíz de su muerte se editaron otros cuatro discos en los que aparecieron más composiciones suyas, auténticos temazos, algunos de ellos más enérgicos de lo habitual y que mostraban una evolución en su estilo. Entre estas composiciones están su mayor éxito Sittin' on the dock of the bay (escrito poco antes del accidente), Love man, I can turn you loose, Groovin' time (con una batería más groovie de lo que solía aparecer en sus temas), Let me come on home, I'm coming home to see about you, That's a good idea, Open the door, Your feeling is mine o I'm a changed man (donde hace un pequeño scat con 'yayayayas')
Por supuesto, se han editado posteriormente multitud de discos con recopilaciones y grabaciones de directos.
Un dato curioso y fascinante: desde muy joven Redding participó en un concurso de talentos de su ciudad donde se le prohibió volver a participar en él tras ser el ganador nada más y nada menos que ¡15 veces seguidas! Pues sí, realmente talento tenía el chaval...
Para cerrar esta entrada quiero dejaros con Hard to handle, uno de mis temas preferidos de Redding (que vio la luz después de su muerte) y la balada These arms of mine. ¡Larga vida al gran Otis! (y grande también físicamente, por cierto... 1'85 m.)
